九乡新闻网面部神经炎会肿吗:唯美的追求
来源：百度文库 编辑：九乡新闻网 时间：2024/04/29 06:00:09
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美术，是具有审美意义的造型艺术。美，是绘画艺术的唯一标准，也是最高标准。艺术家把美追求到了极致，往往会追求超然于生活的纯粹美，用完美的形式和技巧，把情感和理想寄予唯美的世界。
十九世纪的欧洲油画，尽管不像静穆与神秘的古代美术、人文与理想的文艺复兴美术，也不像华丽与凝重的十八世纪美术、动荡与变革的二十世纪美术，但是它那蕴藏在浪漫与现实之间的诗意情怀，那古典的气韵和唯美的追求，今天依然具有饱满的活力。
《海边捡鹅卵石的希腊女孩》
弗雷德里克·莱顿（1830－1896）的油画《海边捡鹅卵石的希腊女孩》作于1871年，该作品从构图法则到精神气韵，都洋溢着挥之不去的古典美的情结，海风吹起希腊女孩的裙裾，多褶的长裙以生动的质感透出她们健美的躯体，婀娜的女孩像在风中飘动的女神，典雅、高贵又不失活泼与纯真。
《音乐课》
作于1877年。 这可以算得上是莱顿的最著名的代表作。家庭女教师正在手把手教授女孩弹奏曼陀铃。莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着。这只是一幕普通的音乐课，却被画家描绘得极富美感和富于人性，让我们从中看到了圣母与圣婴相依的影子。
女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，十分可爱。衣服、图中的衣着与陈设都不是古典的，而且属于当时流行的表现现世的风俗画。绘画采用了金字塔构图，显得沉稳扎实。雷顿在衣褶的处理上十分得当，柔软质地的衣裙褶纹形成简单与复杂，柔与刚的对比，明暗调子和高光表现了丝绸面料的自然顺滑，又衬托出裸露的手臂和脚的美丽。
《四重奏:一个画家对音乐艺术的赞颂》
阿尔伯特·摩尔 年代：1868
阿尔伯特·摩尔青年时代受到拉裴尔前派的很大影响，后来主要取法希腊罗马，从这些地方的雕塑、建筑和壁画上得到极大启发。19世纪60年代中期，他开始创作以古典装束的女人为题材的和谐优美的油画。这些女人有着永恒的美丽容颜，或立或坐或卧和他们身后永远混合并超越了任何一个特定时空的古罗马背景。有人因画面的内容而把摩尔称为“古典 主义”者，但实际上摩尔更关心的是通过色彩的搭配，构图的和谐，把音乐美作为一个永恒的主题。
摩尔用此画表明弦乐四重奏是理想音乐的代表，是不受时空限制的。他从古竖琴回到最受19世纪的人们推崇的弦乐，他的想象力是把理想主义建立在坚实的观察和物质形态的基础上。在构图中，他在基本的水平椅子上，加入斜线：琴弓，琴颈，音乐家的手和腿，被人认为是一种抽象艺术与音乐气质本身融合的装饰，形声一体，其简明性几乎带来一种建筑感。
唯美的艺术或许有着神的影子，但它不是偶像化的神，而是从自然与真实出发，从生活里去寻找和发现一切美的精华，把她升为理想。也可以说，画家面对现实，并不逃避，他知道一切的事物都有着缺憾，而且无法持久，他要在这些零乱与流变中，找出那些最纯真的东西，努力把它们挑出来，留下来，记下来。
这样，就算世间所有的事物都逐渐地改变或者消失了，但是，毕竟有一些东西是不会改变、不会消失的。这就是一种永远的美、纯粹的美，永远的希望，也许这就是我们生命存在与延续唯一意义。
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茶 魂 制 作
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美术，是具有审美意义的造型艺术。美，是绘画艺术的唯一标准，也是最高标准。艺术家把美追求到了极致，往往会追求超然于生活的纯粹美，用完美的形式和技巧，把情感和理想寄予唯美的世界。
十九世纪的欧洲油画，尽管不像静穆与神秘的古代美术、人文与理想的文艺复兴美术，也不像华丽与凝重的十八世纪美术、动荡与变革的二十世纪美术，但是它那蕴藏在浪漫与现实之间的诗意情怀，那古典的气韵和唯美的追求，今天依然具有饱满的活力。
《海边捡鹅卵石的希腊女孩》
弗雷德里克·莱顿（1830－1896）的油画《海边捡鹅卵石的希腊女孩》作于1871年，该作品从构图法则到精神气韵，都洋溢着挥之不去的古典美的情结，海风吹起希腊女孩的裙裾，多褶的长裙以生动的质感透出她们健美的躯体，婀娜的女孩像在风中飘动的女神，典雅、高贵又不失活泼与纯真。
《音乐课》
作于1877年。 这可以算得上是莱顿的最著名的代表作。家庭女教师正在手把手教授女孩弹奏曼陀铃。莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着。这只是一幕普通的音乐课，却被画家描绘得极富美感和富于人性，让我们从中看到了圣母与圣婴相依的影子。
女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，十分可爱。衣服、图中的衣着与陈设都不是古典的，而且属于当时流行的表现现世的风俗画。绘画采用了金字塔构图，显得沉稳扎实。雷顿在衣褶的处理上十分得当，柔软质地的衣裙褶纹形成简单与复杂，柔与刚的对比，明暗调子和高光表现了丝绸面料的自然顺滑，又衬托出裸露的手臂和脚的美丽。
《四重奏:一个画家对音乐艺术的赞颂》
阿尔伯特·摩尔 年代：1868
阿尔伯特·摩尔青年时代受到拉裴尔前派的很大影响，后来主要取法希腊罗马，从这些地方的雕塑、建筑和壁画上得到极大启发。19世纪60年代中期，他开始创作以古典装束的女人为题材的和谐优美的油画。这些女人有着永恒的美丽容颜，或立或坐或卧和他们身后永远混合并超越了任何一个特定时空的古罗马背景。有人因画面的内容而把摩尔称为“古典 主义”者，但实际上摩尔更关心的是通过色彩的搭配，构图的和谐，把音乐美作为一个永恒的主题。
摩尔用此画表明弦乐四重奏是理想音乐的代表，是不受时空限制的。他从古竖琴回到最受19世纪的人们推崇的弦乐，他的想象力是把理想主义建立在坚实的观察和物质形态的基础上。在构图中，他在基本的水平椅子上，加入斜线：琴弓，琴颈，音乐家的手和腿，被人认为是一种抽象艺术与音乐气质本身融合的装饰，形声一体，其简明性几乎带来一种建筑感。
唯美的艺术或许有着神的影子，但它不是偶像化的神，而是从自然与真实出发，从生活里去寻找和发现一切美的精华，把她升为理想。也可以说，画家面对现实，并不逃避，他知道一切的事物都有着缺憾，而且无法持久，他要在这些零乱与流变中，找出那些最纯真的东西，努力把它们挑出来，留下来，记下来。
这样，就算世间所有的事物都逐渐地改变或者消失了，但是，毕竟有一些东西是不会改变、不会消失的。这就是一种永远的美、纯粹的美，永远的希望，也许这就是我们生命存在与延续唯一意义。
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茶 魂 制 作