九乡新闻网骚扰电话防火墙:几天来收集的数码相机使用方法
来源：百度文库 编辑：九乡新闻网 时间：2024/05/03 10:54:08
几天来收集的数码相机使用方法
作者：14683005 提交日期：2005-9-27 9:10:00 最重要的，当然是拍摄者的颜色观，既然是色盲目——也能拍出最经典的
因为往往最经典的照片都是黑白的_____风暴语录。
很多朋友在拍摄出一些作品后总觉得有所欠缺，觉得画面与自己想表达的意境有所差别，这有可能是色彩运用失当的原因。
色彩能反映人的感情，在长期的生产和生活实践中，色彩被赋予了感情，成为代表某种事物和思想情绪的象征。不同的色彩能给人以心理上的不同影响，能激发人们情感。在心理上情绪上产生共鸣。同时拍摄照片时，要研究色彩与人心理的关系，发挥色彩的作用。如红色象征喜悦，黄色象征高贵，绿色象征生命，蓝色象征宁静，白色像征坦率，黑色象征恐怖等。在摄影中必须懂得色彩与感情的联系，有目的的运用色彩，进一步表达好作品的主题。
色彩是多种多样的，除了光谱中所表现的红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种光外，还有若干中间色，能用肉眼辨别出来的大约有180余种。通过观察测试，各种色彩给人的一般感觉是：
红色：热烈、喜庆、温暖、奋进、热情。
绿色：生机、和平、凉爽、平静、希望。
蓝色：广阔、清新、冷清、宁静、静寂。
黄色：高贵、庄重、光辉、温顺、光明。
青色：坚强、圆顺、冷清。
橙色：华美、丰硕、甜蜜、享乐。
紫色：深沉、稳重、神密、寒冷。
白色：神圣、纯洁、素静、稚嫩。
黑色：神密、悲哀、稳重、力度、死亡。
灰色：平和、浑厚、温存、稳重。
褐色：沉稳、淳厚、严密、深沉。
金黄色：贵重、高雅、华丽、正统。
银白色：高洁、素雅、柔软、明亮。
品红色：温柔、朴实、坦率、平和。
摄影中对色彩的应用，要合理、确切，强调与人的感情相吻合，强调对主题的衬托。
如拍结婚照片，红色越多，气氛越浓。而丧事照片，则正好相反，应以素白为主，出现几个穿红衣的人，就会破坏气氛。同时处理色彩，要符合人的心理状态，符合人们的生活习惯和欣赏习惯，就能提高色彩的表现力。对摄影中色彩的配置，要按照艺术规律要求进行色彩的配置，要烘托气氛，突出主题。严格的取景构图，巧妙的运用光线，合理的配置色彩，达到以色传神。以色写意，以色抒情的目的。
在彩色摄影中，画面上不一定色彩越多越美。切不可堆砌罗列，给人以杂乱无章的感觉。必须有所弃才能有所取。要善于在色彩运用中敢弃敢取，善于对色彩提炼，概括和加工，把色彩处理得艳而不俗，雅而不凡，寓秀美于平淡之中，使摄影照片达到绘画着色的艺术效果。
#日志日期：2005-9-27 星期二(Tuesday) 晴 副县长女儿“炫富门”几大疑点
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:12 DC扫盲,你还有多少不懂?
所以定DC扫盲班这个题目，是因为春卷刚得知身边几名同事居然连光圈，快门都一点儿不明白。等再调查询问一圈下来，春卷头上冷汗潺潺而下：公司里虽然DC拥有量不低，但竟鲜有人了解数码变焦和光学变焦的区别；没几人明白EVF其实并没有SLR光学取景器效果好，ISO越高画面颗粒就越粗。。。呜呼！在春卷大做特做相机评测的时候，却根本没料到其实对我们评测中熟捻的参数缩写，很多网友根本是茫然不解的。痛定思痛我立即翻箱倒柜，为大家奉献上这个“DC扫盲”专题，但愿我下次做DC知识普及调查的时候不必再拿着毛巾擦冷汗了
DC扫盲班 什么是光圈/快门优先
照片的好坏与暴光量有关，也就是说应该通多少的光线使ccd能够得到清晰的图像。暴光量与通光时间(快门速度决定)，通光面积(光圈大小决定)有关。
那么，为了得到正确的暴光量，就需要正确的快门与光圈的组合。快门快时，光圈就要大些；快门慢时，光圈就要小些。
快门优先是指由机器自动测光系统计算出暴光量的值，然后根据你选定的快门速度自动决定用多大的光圈。
光圈优先是指由机器自动测光系统计算出暴光量的值，然后根据你选定的光圈大小自动决定用多少的快门。
手动模式是指你自己指定光圈的大小与快门的速度。
光圈越大，则单位时间内通过的光线越多，反之则越少。光圈的一般表示方法为字母“F+数值”，例如F5.6、F4等等。这里需要注意的是数值越小，表示光圈越大，比如F4就要比F5.6的光圈大，并且两个相邻的光圈值之间相差两倍，也就是说F4比F5.6所通过的光线要大两倍。相对来说快门的定义就很简单了，也就是允许光通过光圈的时间，表示的方式就是数值，例如1/30秒、1/60秒等，同样两个相邻快门之间也相差两倍。
光圈和快门的组合就形成了曝光量，在曝光量一定的情况下，这个组合不是惟一的。例如当前测出正常的曝光组合为F5.6、1/30秒，如果将光圈增大一级也就是F4，那么此时的快门值将变为1/60，这样的组合同样也能达到正常的曝光量。不同的组合虽然可以达到相同的曝光量，但是所拍摄出来的图片效果是不相同的
这里就涉及到“景深”的概念，所谓景深就是指当镜头对焦于被摄体时，被摄体及其前后的景物有一段清晰的范围，这个范围就叫景深。
了解了光圈、快门以及景深这些基本概念之后，何时使用光圈有限还是快门优先就不难了。
光圈优先就是手动定义光圈的大小，然后利用相机的测光获取相应的快门值。由于光圈的大小直接影响着景深，因此在平常的拍摄中此模式使用最为广泛。在拍摄人像时，我们一般采用大光圈长焦距而达到虚化背景获取较浅景深的作用，这样可以突出主体。同时较大的光圈，也能得到较快的快门值，从而提高手持拍摄的稳定。在拍摄风景这一类的照片时，我们往往采用较小的光圈值，这样景深的范围比较广，可以使远处和近处的景物都清晰，同样这一点在拍摄夜景时也适用。
与光圈优先相反，快门优先是在手动定义快门的情况下通过相机测光而获取光圈值。快门优先多用于拍摄运动的物体上，特别是在体育运动拍摄中最常用。很多朋友在拍摄运动物体时发现，往往拍摄出来的主体是模糊的，这多半就是因为快门的速度不够快。在这种情况下你可以使用快门优先模式，大概确定一个快门值，然后进行拍摄。并且物体的运行一般都是有规律的，那么快门的数值也可以大概估计，例如拍摄行人，快门速度只需要1/125秒就差不多了，而拍摄下落的水滴则需要1/1000秒。
在光圈优先的情况下，我们可以通过改变光圈的大小来轻松地控制景深，而在快门优先的情况下，利用不同的光圈对运动的物体能达到很好的拍摄效果。这两者都要灵活运用，满足我们不同情况下的拍摄要求
实用DC闪光灯操作技巧揭密
微距拍摄要减光
现在的数码相机一般都有内置闪光灯，使用内置闪光灯时要注意相机与被摄对象之间的距离。距离太近会导致曝光过度，而距离太远会使得光线分布不均匀，导致曝光不足。用户最好查阅数码相机的使用手册，了解内置闪光灯的使用范围，在这个范围内使用一般都能起到很好的效果。利用数码相机进行微距拍摄，由于距离拍摄物很近，此时使用内置闪光灯只会导致曝光过度，所以需要进行减光处理。
减光就是减少闪光的输出强度，你可以在数码相机中进行调节，但这样还是不够的，光线依然很强。你可以用手遮住闪光灯，注意手指要靠紧，这在一定程度上可以减少光线强度。在实际使用中发现，简单的利用餐巾纸这一类柔软的纸张遮挡也能起到很好的效果，让光线变得柔和。
改变闪光的角度
很多人在使用闪光灯进行拍摄时，习惯性地将闪光灯与被摄物体平行，以便让光线变得均匀。但是在拍摄具有反光性的物体时，例如玻璃、各种电脑板卡时，会在物体上产生亮斑，破坏画面的和谐。这个时候应适当改变数码相机的拍摄角度，从侧面进行拍摄，这样就能避免产生亮斑。
主体与背景反差大时适当补光
不要以为只有在光线较暗的情况下才需要使用闪光灯，有时在光线充足的情况下，也必须使用闪光灯进行补光。在进行逆光拍摄时，主体与背景的反差很大。如果顾及主体进行曝光，那么背景必然曝光过度，而正常还原了背景，主体又曝光不足，这时就需要用闪光灯进行补光了。
补光不是直接打开闪光灯就可以了，还需要掌握一定的技巧。你可以将相机设置成光圈优先模式，设定光圈的数值，利用点测光对背景进行测光，记下测得的快门值。然后切换到手动模式，设置成刚才所测得的光圈和快门值，再将闪光灯设置成强制闪光进行拍摄。这样就能兼顾主体和背景，照片的背景还原正常，主体也可以得到很好的表现。
慢速闪光
一般来说，夜景的拍摄不宜使用闪光灯，利用小光圈和长时间的曝光，能表现出美丽的夜景。在夜晚拍摄人像一般都要使用闪光灯，如果直接打开闪光灯拍摄人像，人物还原是正常了，但是后面的夜景却很暗，无法还原，那么此时就需要使用慢速闪光功能。慢速闪光会使用较长的快门时间，以闪光灯照亮主体，然后配合慢快门保证背景也能够表现。如果你的相机已经具有慢速闪光功能，直接使用就可以了，没有的话可以在手动模式下设定较长的曝光时间，也可以达到同样的效果。
外闪的使用
外闪，也就是外接闪光灯，既然有了内置闪光灯为何还需要外闪呢？主要原因是内置闪光灯功率小，所拍摄的范围小，而外闪的功率大，自然拍摄的范围也广一些。内置闪光灯已经固定，无法调节方向，而外闪可以灵活地进行上下、左右的调节，使用上更方便。不过，不是所有的数码相机都可以配置外闪，数码相机要具有热靴或者同步接口才能使用外闪。
闪光指数（GN）是外闪的一个重要参数，指数的大小决定着外闪功率的大小，一般来说GN值在20～30之间的外闪就能满足我们的基本要求。建议你选择原厂的闪光灯，这样搭配能达到很好的效果，并且这些闪光灯具有自动功能，使用起来也很方便。如果你选择手动的外闪，那么在拍摄时就需要设定合适的光圈值。GN=F（光圈）×L（距离），你需要根据相机与被摄者的距离设定光圈的大小。例如外闪的闪光指数为24，你距离被摄者为3米，那么你的光圈就应该设置在F8。由于闪光灯的闪光时间很短，此时快门设置就不太重要了，设置成为安全快门（也就是此时镜头焦距的倒数）就可以了。
在平时使用闪光灯的拍摄中，闪光灯一般直接对着被摄者，这样很容易造成阴影，而利用跳闪就可以很好地解决这个问题。跳闪是外闪中一个很常见的使用方式，也就是说闪光灯不直接对着被摄者，而是成一定的角度。利用墙壁、天花板进行反光，这样能使光线变得自然、柔和。
闪光灯还有很多应用技巧，由于篇幅的限制不可能面面俱到，只能列举其中一些最常见的使用方法，很多应用技巧还需要你自己去发现。
奇!为什么DC微距景深效果特别好?
DC的浅景深表现不及FC，这是一个不争的事实。但是，DC的微距时浅景深效果却相当不错。下图就是用D7相机拍摄的微距照片，可以看出照片中的景深非常浅。为什么在微距摄影时，DC的浅景深效果显得与FC有得一拼呢？
在通常情况下，我们是用视觉印象一样的照片来作比较的。如下图所示，三种不同的相机所拍摄的同样场景来作比较才是合理的。很明显，在这种比较时，拍摄时的视角是保持不变的。也就是我们经常所说的35mm相机的等效焦距是一样的，而实际焦距是各不相同的
不同ISO值究竟怎么用?
ISO在传统相机上就是胶片感光速度的意思，通常我们使用的胶卷包装上都能明确看出ISO值，如ISO 100、ISO 200、ISO 400等等，引申到数码相机上就相当于CCD感光速度。通过调节ISO值，可以使CCD的感光敏感度改变，并且ISO越高CCD感光速度越快。也就是说曝光量一定的条件下，ISO越高，曝光需要的时间越短。
不同胶片ISO感光度之间的相对关系与相机快门指数之间或者光圈指数之间的关系一样，即ISO 100胶片的速度为ISO 50胶片速度的两倍，也即前者的感光度为后者感光度的两倍。这就是说，如果你用ISO 200胶片以1/250秒，光圈f 8拍摄景物，那么用ISO 100胶片拍摄同一景物就必须给与两倍的曝光量。为什么？因为ISO 100胶片只有ISO 200胶片一半的感光度。
ISO的提高可以有效减少CCD感光时间，这就为我们在弱光下的拍摄提供了方便。因为通常在弱光或夜晚拍摄时，会需要较长的曝光时间，使用闪光灯不当容易破坏曝光，手持拍摄不得不使用三角架来固定相机才能拍出清晰的相片，特别是对于小型数码相机的使用者而言，怎么可能背一个三角架出去娱乐呢？
用不同的ISO达到几乎相同的拍摄效果，可是快门时间却大大加快了。快门速
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:12 DC用户 花点小钱充专业!-ZT （认为这篇比较变态，呵呵）
1.买了dc后再买个FC，不必买很好的，canon就买eos30、33；美能达的到α5，nikon的到F80就行；
当然，买2手的手动机那是更了不得，更显出专业来我是用不来只好买F80这样的自动相机啊。
也就是说，要显得专业，买2个机身，可以都比较差，哪怕是A202，F65+50 F1.8，总共才4000不到，记住，F65还得买电池座，看起来大一点为什么用标头呢？因为光圈大，F1.8，又便宜，才8xx，canon的更爽，6xx；然后可以说布勒松一辈子也不过用一标头……(当然，当时制造技术还造不出比较好的变焦头，不过，这可别傻乎乎地也告诉别人)
2.出门拍照扛上三脚架，可别买那种很细的象火柴杆似的脚架，最少是伟峰，越重越好，实在背不动的话，就买单脚架，象伟峰这种牌子要1xx，我强烈推荐买曼富图的单脚架，也才2xx，只多花100块就能上一名牌，值啊有事没事就跟人说“作为一个严肃的摄影师，在三脚架的问题上是绝对不能妥协地”
3.FC上最少要有2个镜头，可以都比较差，但必须要2个，还要在别人“喀嚓、喀嚓”拍照时换镜头，一个字“牛”啊！
4.在FC上再装些小配件，如快门线(F80的特便宜，只要10rmb，不过是机械快门线)，滤镜(国产的很便宜)，有点钱的主可以买闪光灯
5.胶卷要用反转片，kodak的EB3就够了，20块钱一卷，再加冲费，差不多是1张1块钱。喊胶卷名字时不能喊“维儿维亚”“浦罗维亚”“阿四提亚”，要喊成阿维批、阿地批、阿爱批，这样就显得专业了
综上所述，一共不到5000块，就能有：
dc一台，Fc一台，镜头两只，附件一堆，三脚架、单脚架各一枝
买摄影包的时候千万不要买那种名牌、新款的，300块搞个2手小银箱，别人大包小包的背来背去的时候，你把银箱往地上一敦，慢条斯理的打开，满满的一箱你刚才说的劣质附件。在使用脚架的时候一定不要忘了把脚架伸到最高，然后你站在银箱上表示你的银箱就是这么用旧的。
别人用闪灯的时候，你再在闪灯上加以个什么柔光罩，还时不时的改变闪灯的照射角度。
再有，买个2手的带液晶数显测光表。的在别人已经在拍摄的时候你东暗一下，西按一下，再去除白色半球若有所思的测量反射光，嘴里还要念念有词的样子。
在普通色友前，哪怕是拿着E20、5700、717、D7i的，看到你也要说“专业”；碰到拿dslr的就说“不喜欢那数码味”；碰到Leica的就说不习惯用旁轴。
最后本人最好留一点胡子和长头发，就像常在星光看到的那些人。买一件摄影马甲，兜里揣满有用或无用的怪东西。。。
上述就是穷人的“专业”经。：）
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:13 DV旅游摄像宝典
当你节假日带着DV去旅游时，是否有感觉拍回来的带子不满意却又说不出差在什么地方的时候，应该如何去改善呢？如果你做到了下面的有关DV旅游摄像的八个注意事项，应该能够达到既玩好又拍好的旅游目的了。
1、做好充分准备
首先要准备好摄像设备，尤其是电池和磁带。外出旅游拍摄，最好准备两块电池，除随机配送的电池(一般时间较短)外，还应再添置一块容量较大(2小时以上)的电池。使用时要节省，如少用液晶显示屏、少倒带，并利用休息时间随时进行充电，晚上一定要把所有电池充满电，以保证第二天拍摄需要。磁带尽量多带些，至少保证一天一盒。
其次要熟悉自己的机子，对各种按钮和功能键做到心中有数，尤其是液晶显示器的亮度和色彩的控制，有时会出现液晶显示器上看起来挺亮，而在电视上观看却偏暗的视觉差别。如果是新买的摄像机，不妨带上使用手册，随时学习提高。
再者要了解旅游目的地的有关情况，熟悉当地的主要景点和古迹，风土人情和历史，生态环境和气候等，现在这方面的书籍很多，在网上也有很多介绍。最好是先看看有关的纪录片，学学人家拍些什么，是如何拍摄的。
2、 明确拍摄主题
旅游摄影要突出游玩过程中愉快轻松的心情和记录秀美迷人的景色这个主题，以此来设定拍摄方案，确定拍摄的内容，把最有意义的场景记录下来。主要把握好人物与景色拍摄的比例和结合问题，既不能光有人物游玩的场景而忽略景色的拍摄，也不能光有景色而没有人物游玩过程和场景的拍摄。拍摄时，要利用不同的景别和拍摄手法来突出主题，比如利用大场面镜头(全景)或摇镜头拍摄介绍景区的大概面貌，用中景或特写表现重点景色和人物活动，用跟镜头拍摄家人朋友游玩的过程等。另外，游玩途中常会碰到一些意外的花絮，要及时抢镜头拍下来，对当地的独特的风俗、奇闻奇事也要尽可能拍摄，以增加片子的趣味性和可观赏性。
3、保持画面稳定
DV摄像上手容易，但拍好不易，其中最容易出现的问题是拍摄的画面抖动，因为 LCD屏幕小，抖动不易察觉，但到电视机上观看时就很明显，画面不稳定，令人的视线无法集中，时间长了就会头晕目眩。
造成画面不稳定的原因：一是没有握稳机身，因为外出旅游一般不会带三脚架，用手握持时，人的呼吸和肌肉颤抖会造成机身的抖动，有的人喜欢一手拿着摄像机，边走边拍摄，这很容易造成画面的不稳定；二是使用长焦或数字放大功能时容易造成画面抖动，因为焦距越长视角越小，轻微的晃动就会使画面颤抖厉害。要保持画面稳定，关键是要用两只手拿稳摄像机，两手肘部贴紧胸肋处，尽量屏住呼吸。摇摄转动时要扭动腰部而不是手部，跟摄时尽量降低重心，步子要平稳均匀。一般不要用数字放大功能，实在要使用时，最好放在墙、石头等固定物上，先调好放大倍数，再按摄录按钮。当然，最好的解决办法是使用三脚架。
4、合理运用技巧
推拉移摇是DV摄像中常用的拍摄技巧，但也常被滥用，许多业余DV摄像者特别喜欢将镜头拉来推去，摇摇移移，画面运动得太厉害，让人看了头昏脑涨的。推拉主要用在景别的调整上，如将全景推到近景，要点是推拉变焦杆时速度要均匀，一次性调整到位，中间不能有停顿，推镜头的落幅应是需要特别强调的场景，而不是变焦杆推到长焦端为止；摇镜头常用于拍摄大的场景，有上下摇摄和左右摇摄之分，如从下往上拍摄陡峭的山峰。在摇摄时要注意不要来回反复地摇，摇过去就不要再摇回来了，只做一次上下或左右的全景拍摄；移镜头是指通过移动摄像机进行拍摄，比如坐在火车上拍摄窗外的田园风光，旅游中常见的边走边拍也是移摄。
在进行推拉移摇时，要明确目的，有情景需要，不为推拉移摇而推拉移摇，不要反复使用同一种手法，避免摇来晃去。拍摄动作要平稳滑顺，画面流畅，中间无停顿：不能忽快忽慢。每个场景要有起幅和落幅，即在开拍处固定画面拍摄几秒钟，然后开始推拉移摇，到结束点再固定画面拍摄一段时间。
5、控制光线色彩
光线和色彩是决定画面质量的主要参数，一般我们使用摄像机提供的自动曝光及自动白平衡功能，在正常环境下能得到比较好的效果，色彩自然，影像清晰。但在旅游摄像中，光线是不受人控制的，有时候会出现曝光过渡或不足的情况：一是画面中有强光源或明暗对比强烈，会出现亮的部分曝光合适而暗的部分曝光不足的现象，这时最好是适当调整构图，减少过亮部分在画面中的比例。或使用手动光圈方式，按所要表现的人物或景物调整光圈。二是在阴影处的人或景物曝光不足，可以使用“曝光补偿”或手动光圈调整曝光量。三是光线严重不足，如在山洞内，可利用摄像机提供的夜景拍摄或超级夜景拍摄功能，不过这样的画面效果不佳。四是当拍摄从亮处到阴影处，如从洞口转向洞内，曝光变化很明显，刚转到阴影处时摄像机还没反映过来，画面较暗，可先调好手动曝光量，当画面变暗时按手动曝光控制键。或者采用分段处理，先拍亮处，暂停，转到阴影处，待摄像机自动曝光正常后再拍。
大多数摄像机提供多种白平衡设置，但切不可望文生义，如SONYDCR-PC115／120E摄像机有INDOOR和OUTDOOR，似乎INDOOR是室内的白平衡，其实正确含义是室内60瓦白炽灯这样特定照明条件下的白平衡设置，否则画面会呈现蓝色。大部分情况下，自动白平衡都能满足拍摄要求，除非要创作某种特定效果(如让灯光呈暖色调)，可手动改变白平衡以达到满意的效果。
6、挖掘内置功能
数码摄像机都有许多内置编辑功能，不仅能提高拍摄质量，也可方便后期制作。如针对特殊环境下，可使用肖像、沙滩与雪地、黄昏、风景等模式；也可应用一些内置编辑功能：如渐变、老电影、反相、马赛克、跳跃、间隔拍摄等特效。
7、防止DV损坏
野外旅游摄像容易遇到雨雾等天气，要注意保护摄像机，毕竟是几千上万元的贵重物品，因此随身要带上塑料袋以防下雨，不要让摄像机被雨淋到。在海边拍摄时要防止海水或水雾溅到摄像机镜头上，海水对镜头有腐蚀性，应立即擦干净。不要直接对着太阳等强光源拍摄，那样很容易损坏数码摄像机的感光器件CCD。一些DV机只有手带，没有挂带，最好自己做一条，挂在脖子上既方便又安全。另外，当发现镜头粘水或灰尘时，最好用专用的镜头清洗液清洁，不要用手纸擦，也不要用口去吹，那样容易损坏镜头镀膜层。
8、确保人身安全
外出旅游的目的是为了自己愉快高兴，拍摄时要注意安全，避免发生意外而伤心而归。特别注意两点：一是尽量不要边走边拍，在宽阔平坦的地方还可以，在有阶梯或凹凸不平的地方，容易发生危险，在山区和野外更要注意。二是不要越出安全警示线去拍摄，旅游部门会在危险的地方设置警示线，在警示线外的安全是没有保障的，所以千万别干傻事，切记安全第一。
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:14 摄影入门（1）
摄影艺术的根源、特性以及表达方式
12点了，咱们开始。。。
咱们开始讨论摄影这个话题。有可能有同学觉得，既然是速成基础知识，上来就讨论摄影的艺术特性是否有点不切实际，好像大多数摄影的基础教材开头都是讲：什么是光圈快门焦距景深等等，讨论艺术一般都是以后提高的事情。。。。。。
其实不然。为什么？因为如果我们不知道我们要达到的目的，又怎么上路呢？我们都有自己的头脑，最忌讳做的事情就是不知道为什么要做一件事而去努力。这样只会吃力不讨好。所以，我们从摄影的目的开始。这就是：摄影的艺术特性。
首先我们来谈谈，什么是艺术。抛开很多玄妙的我也不懂的东西不谈，我的感受：艺术就是信息传递——不是真实的传递，而是夸张的带有强烈主观色彩的传递。
（旁白：就是那个。。。保镖甲：咳，你看到我看到的了么？。。。保镖乙：嗯，我看到你看到的了！。。。。）
在这个过程中，就有信息如何选择，传递和再现的问题。事实上，我们都知道，要做到一个活生生的场面的完整传递是做不到的。这并不是坏事：这正是艺术魅力的源泉。无论是看到的——视觉艺术，听到的——音乐艺术，想到的——文学艺术，尝到的闻到的——厨房艺术。。。。
（瞎扯~~给你一块砖。。。。什么厨房，跟摄影无关。。）
反正都是截取真实生活中间的一部分，然后利用人的生活经验和联想能力拼命扩展，产生通感，从而让别人强烈的感受到作者的感受，从而产生了艺术最基本的特性——感染力，也就是传递信息的能力（不一定保证真实）。
我们来举一个例子：
比如我看到了一只硕大色彩斑斓的鹦鹉，在快乐的飞舞和鸣叫。。。
（旁白：我看prefer你就比较像一只色彩斑斓的猪。。。。）
现在，我要讲我这种感受告诉你。我选择乐器，比如说听觉艺术，那么我使用乐器表现出春风，煦暖的阳光，鹦鹉快乐的鸣叫和飞翔的声音。。。
（旁白：天哪，难道鹦鹉是这么叫的么？我看猪才会这样叫唤。。。）
同时，我让观众产生通感，温暖的阳光。。。和煦的春风。。。欢快的大鹦鹉。。。这就产生了听觉艺术。同理，大家也可以自己感受一下，如果选择了文学艺术是怎样达到类似的效果的。
那么，如果我们选择了视觉艺术呢？
（旁白：那么我就拍摄一只色彩斑斓的猪。。。要点艺术手法？就用对比吧。好像prefer前面有一个飘飘MM正好用来做一个强烈对比，HOHO...）
那么，我们就可以非常形象的给观众一个色彩斑斓的鹦鹉，我可以考虑构图用光来表现色彩和鹦鹉的神采，可以利用环境衬托鹦鹉的生活，可以利用快门速度表达出鹦鹉的动态，可以选择瞬间表达鹦鹉最有特色的举动等等。。。。总之，我给大家带来了一只典型的鹦鹉，来源于生活但是高于生活的鹦鹉，我不仅将我看到的给你看，而且将我想到的融合进作品里面给你看了。这就是艺术的产生，具体一点，就是摄影这种视觉艺术性的源泉。
（旁白：HOHO,怪不得我看到了一只色彩斑斓的猪“融合了自己的想法”“来源于生活而高于生活”）
了解了艺术目的之后，我们要特别了解一下摄影独特的艺术特点。以便利用所谓扬长避短，充分发挥摄影的艺术魅力。
首先，摄影是一种视觉艺术。。。。
（旁白：给prefer一块转。。。如果再这样浪费时间。。。）
作为视觉艺术，要有最基本的特性就是要利用图形的类似，象征以及别的特点，唤起人的视觉感官的认同。同时，要利用好视觉艺术的特点并且认识到其局限性，通过形象，影调，气氛，色彩来让观众通过联想获得整体感受。
其次，摄影是一种平面艺术。。。。
利用两维空间（相片）做三维表达，有一定的困难，同时这种局限性又是摄影艺术特性的重要性质和手法。你可以遮蔽不想要的东西，也可以控制透视进行特别的处理，更可以拥有了欺骗眼睛的能力。具体做法后面讲到但是要注意，一定要注意：摄影是平面艺术，时刻想到这个带来的局限性和可以利用的工具。
（旁白：。。。一头平面的。。色彩斑斓的。。。猪。。。）
再次，摄影是一种减法艺术。。。。
主要是和跟摄影非常类似的绘画艺术相比较得到的结论。绘画的艺术特点来自于添加，而摄影的艺术特性来自于选择，也就是说，画家的本事是在一张白纸上添加出一个又一个形象的图画，而摄影师的本事基本上就是让他所不想要的东西从取景器里面消失。所以，关于摄影，能不要的东西尽量不要，这样才能够真正突出主题和获得艺术魅力。
最后，摄影是一种瞬间艺术。。。。
这是跟摄像想比较得到的结论。由于摄影就是看一眼，心理习惯大概就是1/30秒左右，因此，我们只能固定一点，也就是一瞬。怎么能够选择最能表达主题，最能感染观众的一瞬，是一个很重要的问题。摄影还有一个重要的任务就是如何在这一瞬之间，表达出时光的流失和运行。这样的作品才能留的住观众的眼睛，才真正耐看。
好了，这里主要讨论了摄影的艺术特性和艺术目的。大家知道了目的才好了解如何达到目的。摄影要动脑子也是为了这些。那么，下次我会谈谈如何利用相机实现自己的想法和艺术目的。。。。
（旁白：我听懂啦，原来摄影的目的就是表现一个平面的，瞬间的，减法的色彩斑斓的看得见的猪！。。。哈，你感受到了艺术的感染力了么？）
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:14 摄影入门（2)
上回我们说到需要利用一些工具（相机）和技巧实现我们的艺术目的。那么，我们必须先来看看我们的工具是什么，并且了解一下如何使用。既然是视觉艺术，那么我们比照眼睛来谈谈相机，要知道，相机可是最成功的仿生学的成果之一。
我们开始吧，我们就是那个长着眼睛的打算创造摄影和相机的上帝。
第一日
上帝说：我要截取画面。。。。于是就有了取景框。。。。。
没错，我们正是利用一个或者是长方形或者是正方形的框来将我们要选择的景物和要舍弃的东西隔离开的。这可非常重要而且基本。其实大家如果要锻炼自己的构图能力的话根本不需要一个相机，在黑卡纸上扣一个长方形的小窟窿就够了，带在身上，看到有意思的图形就可
以拿出来练习构图。因为取景器达到了取和舍的最具意义的目的，因此是一台照相机上最有用的东西。为此，提示两点：
1。我们使用的照相机，根据取景方式分为：旁轴取景相机，单镜头反光照相机，双镜头反光照相机等等。其中第一个和第三个取景器看到的范围并非拍摄的实际范围。而第二个，单镜头反光照像机，由于取景和拍摄都是同一个镜头，所以理论上看到的就是拍到的。当然，除了几种专业机型做到100%之外，剩下的也就满足92~97%的水平吧。但是已经在近摄的时候展现出巨大优势。因此，学习摄影能从单反相机开始自然不错。
2。由于取景器具有如此重要的性能，成为上帝制造相机的第一天做的事情，那么取景器的制造水平和舒适程度成为使用相机的很重要的指标，大家挑选相机的时候要严格注意是否满足自己的喜好。事实上，尼康相机最让我满意的就是取景器：舒适明亮也就罢了，不知道为什么一般般的风景通过他的取景器一看就漂亮了许多，看这就像按快门，这感受多棒，越拍越想拍。。。。
其实，第一天我就是想跟你说，相机上有一个取景框，用来选择拍摄景物的，跟咱们眼睛也有个视力界限一样。（更类似于黄斑界限）
第二天
上帝不爽了，上下左右界定了，前后还没有分割呢。
所以，上帝说：还要有景深。于是，就有了景深。景深是什么东西？景深就是在照片上清楚成像的纵深范围。为什么会出现景深？因为肉眼对清晰的判断能力有限，模糊小于一定程度都算是清晰，我们定义这个模糊程度是底片上0。03mm(直径)
景深跟谁有关系？
1． 光圈越大，景深越小，光圈越小，景深越大。记住小光圈可以获得大景深
2． 焦距越长，景深越小，焦距越大，景深越大。记住广角镜可以获得大景深
3． 拍摄距离越近，景深越小，拍摄距离越远景深越大。
基本如此。
那么我们利用取景器和景深两个武器，就可以在自然空间里面割裂出来一个六面体，就是一片空间，然后将它压缩到相片的两维空间中，得到作品。原则不用讲了，选取自己感兴趣的部分，一定不要加入无关的部分，宁可损失部分主题，也不要一点杂乱东西。
这里我也要谈两个问题：
1。超焦距的概念：
总是要对焦，来不及而且烦人，怎么办？
将镜头上无限远的标志对着所选光圈的远端景深刻线，近距离这边的刻线所指示的就是最近清晰距离。这时候景深最大。
同理：如果我拍摄篮球赛，队员最远不过12米，最近不过2。5米，选择一个可以涵盖这个范围的光圈，利用景深表摄定好了就可以不考虑对焦用于抓拍是不是很爽？
2。景深预测：
太多人在版面上问过了什么是景深预测。。。
其实景深预测就是所见即所得，镜头光圈收缩到实际拍摄的时候所处的的位置，让你看看成像效果怎样。当然，肯定比最大光圈的时候暗啦，成像也一定比最大光圈的时候要好了，清楚的范围比最大光圈的时候要扩展了。这就可以仔细看到实际拍摄的时候的景深状态，以便拍摄者选用合适效果的光圈（合适的景深），当然如果没有满足自己的效果可以继续调整。具体效果聚会的时候演示过了。
第三日
上帝拿着一个只有取景器，光圈的相机玩的没有意思了，于是。。。
上帝说：我要有截断时间的东西--于是快门就诞生了。
上次我们说到，摄影是一种瞬间艺术，所以，能截断时间留下一瞬间的感受，图像，是摄影的最根本特征。快门是摄影表达关于时间概念的重要武器
人的心理习惯，看一眼就是1/30，所以1/15~1/125都属于中速快门。这样的快门不带有特别的感情色彩，给人的感受就是看一眼，带有纪实性质，也是我们最常用的快门。如果你要表达的主题跟时间无关，更注重表达图形性质，构成性质和平面性质的话，可以选用这样的快门。
2~1/15秒属于慢速快门,它将一个较慢时间里面发生的事情，压缩到1/30的心理时间给观众看，突出了运动的概念（当然还有别的意味，大家自己观看作品的时候体会吧，基本来源就是让观众觉得反应变慢，恍惚和寂静）。
1/250~1/4000属于高速快门，超过人眼的反应时间。这样就可以通过快门留住影像，将很短的时间延展给观众看，有时间拉长的效果，突出了静态的效果（当然也有别的意味，比如很有超现实主义的感受。请看作品：原子的达利）。
综上所述，快门就是压缩或者延展人眼时间视觉习惯的装置，赋予作品时间感受，从而弥补瞬间特性的局限性，同时创造艺术效果。
关于快门，我也有两点要说一下：
1，快门速度过低，受拍摄者手震影响很大，一般原则为了清晰度快门不要低于镜头焦距的到数，比如使用100毫米镜头，那么快门不要低于1/125秒。否则就应该使用三角架。
2。现代单镜头反光照相机使用的都是焦点平面快门，在某一个快门速度值（一般在1/60~1/300之间）以下，快门是全开的，前叶片走到头，一段时间之后后叶片才跟上，因此可以在这时候使用电子闪光灯。但是超过这个速度（闪光同步速度）前快门叶片没有到头之前后片就跟上了，形成狭缝扫过焦点平面，达到感光量上提高快门速度的目的，这个时候，如果使用发光时间非常短的电子闪光灯的话，只能在胶片上留下一个狭缝的感光部分。这就是闪光不同步。因此，慢速快门配合闪光，是拍摄夜景最好的方式：主体和背景都可以正确感光。
第四日
上帝决定要去买胶卷了。。。。哦不，错，上帝决定要。。。
上帝说：要有胶卷。。。所以有了胶卷
什么是感光度？感光度就是表示这种胶卷，达到正常的效果，所需要的照射光量。也就是说，快速胶卷比较弱的光量就可以达到跟比较慢速的胶卷比较多光量照射一样的效果，或者说：密度。我们可以利用水池子比喻一下：同样是为了填满水池表示满意，感光度高的胶片池子小，一点水就可以装满了，感光度低的池子大，很多水才能装满。
相应的：光圈类似于注水管道的粗细，快门类似于管道注水的阀门，开通多长时间。所以，同样的水量，大光圈（粗管道）所需要的快门（阀门）开启时间短，小光圈（细管道）所需要的快门（阀门）开始时间长，这样胶片才能正常感光。也就是说，在胶片制约下，光圈和快门呈反比关系，而且相机上的表示一档一档是对应的。由于有了胶片的制约，往往我们不能同时拥有大光圈和高速快门或小光圈和低速快门。所以，感光度真是一个坏东西！！！希望未来的胶片可以不这样限制。
这里我还有两个问题要说一下
1． 高感光度的胶片颗粒粗，色彩相对表现要差，反差大，宽容度小（不允许曝光误差）低感光度的胶片颗粒细，色彩浓艳饱和，反差柔和，宽容度大（可以有曝光误差）中速的胶片。。。。便宜！呵呵，比如乐凯100，富士100，柯达100，柯尼卡100等
2。倒易率失效。刚才所说的光圈和快门的制约关系叫做倒易率。当胶卷受光照的时间短于1/6000或者长于10秒，这个规律将不能保持，这是制造无法完全理想的缘故。黑白胶片需要延长曝光量，彩色胶片不仅要加大曝光量还要校色调整。具体数据需要实践试验获得。
第五日
上帝说：我想要有很多的镜头。。。于是有了很多的镜头。。。。
镜头焦距对最后我们获得的结果影响是巨大的。
4，6，8，15，16----〉鱼眼镜头：提供强烈的透视效果，近大远小，边线弯曲
19，20，24。28。35---〉广角镜头：同上，边线是平直的
43，50，58，70，85，100，105---〉中焦镜头：比较合乎人眼透视感受。
135，180，200，210，300，500，1000--〉长焦镜头：望远镜头，压缩透视。
变焦镜头
就是移动透镜租，达到改变透镜f的镜头，使用方便。焦距能决定透视关系和景深大小，是非常有表现能力的工具。大家可以依据自己的需要用好这种工具。上帝为自己的这种发明感到无比自豪。需要注意的事项如下：
1。普遍认为：定焦镜头比变焦镜头成像好，价格低，光圈大；
变焦镜头比定焦镜头使用方便，有利于构图和抓拍。 <
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:15 变焦镜头
就是移动透镜租，达到改变透镜f的镜头，使用方便。焦距能决定透视关系和景深大小，是非常有表现能力的工具。大家可以依据自己的需要用好这种工具。上帝为自己的这种发明感到无比自豪。需要注意的事项如下：
1。普遍认为：定焦镜头比变焦镜头成像好，价格低，光圈大；
变焦镜头比定焦镜头使用方便，有利于构图和抓拍。
昂贵的镜头成像比一般的镜头要好。
每个镜头都有自己的最佳光圈，为中间值，一般是8或者11
初学者应该以50毫米定焦镜头为练习镜头
我认为： 什么镜头都够我们不靠摄影吃饭的人用了，好好用好手里的器材是最实在的。
2。50mm焦距的镜头视角并不等于人眼，仅仅是透视关系跟人眼的感受类似。
3。“调焦”指的是调整v(像距)，“变焦”指的是调整f（焦距），基本上我们无法调整物距u（你总不能把山搬来搬去吧），不过如果你脚下勤快到是可以，（你至少可以将自己搬来搬去，hoho,脚下勤快很重要阿）
第六日
上帝为了刺激市场购买力，给照相机加装了各种各样的测光表，外壳眼控，闪光灯，3D矩阵，眼启动，35分区，自动对焦，自动曝光，高速同步，卷片马达，多衍射镜片，镁铝合金机身，非球面镜，萤石镜片，超声波马达，液晶显示板，发明了光圈优先速度优先程序偏移超级模式，最后上帝对胶卷一怒发明了数码相机。。。。。。
基本上第六天上帝就干这个了。
第七天
上帝给自己放假休息。。。。
prefer将这个叫做相机的的东西偷出来给大家玩，hoho.
看看，相机多么类似于一个眼睛啊！
1。取景框：眼睛的视野
2。光圈：眼睛的瞳孔大小（会随着外界光线强弱变化阿）
3。快门：呵呵眨眨眼睛--其实就是眼睛的瞬间印象。
4。镜头：眼睛的晶状体
5。底片：眼睛的视网膜，其实也分暗视觉（高速卷）明视觉（低速卷）
6。自动对焦，自动曝光，自动白平衡。。。。。hoho
7。休息啦，都可以盖上镜头盖，哈哈，闭上眼睛。
相机的结构功能就是这样，好记吧？
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:16 摄影入门(3)
上回讲完了照相机这个工具，其实按照道理有了想法，有了工具就可以去创作了。怕大家谦虚保留，这里我就麻烦再提醒大家一些基本的艺术创作技法，特别是摄影艺术的基本创作手法。
1.构图
构图是选择和舍弃的过程，构图的时候一定要能够确立主体，并且用一定的方法确立主体地位（即突出主体），比如：大小，兴趣中心，明暗，色彩等等。构图是平衡所选中的图画要素的过程，选中了主体，陪衬，前景，中景，背景，就要围绕兴趣中心进行安排。安排的原则如下：
（1）突出主体
（2）画面平衡
（3）组织活泼不死板
（4）需要表现空间透视的时候，要能够将前景中景和背景安排的体现三维空间结构。
构图基本方法：
（1）黄金分割法
经典的构图方法：0。618体现出来的是经典的，古典的平稳的美，是大多数作品的设置方法，跟三角形构图结合使用稳重和谐。照片画面上中下分成三个部分，坐中右分为三个部分，成了一个井字型。这四个焦点就是兴趣中心，也就是主体的最佳位置。比如人像的眼睛。一般安排主体再这个井字的一个焦点或者一条线上，然后人物面朝的方向多留一点空间（2/3强），人物背后少六点空间（1/3强）。按照黄金分割方法，可以直接获得三角形构图法。底边跟照片平行，高是井字的一条边。可以形成非常稳固的构图，适合表现经典肖像和建筑，高山等等。
（2）对角线构图
构成主体和陪衬的一大一小两个画面因素安排在照片的对角线上，可以构成很有意思的对比，以及突出动感，是很有用的构图方式。
（3）放射构图
花朵，轮辅等等可以形成自然的放射状结构，引得观众目光指向中心，在中心放置主体，以达到突出主体的目的。
（4）O型构图
树枝，草叶，窗户等等会形成天然的框，围住主体，也能达到突出主体的意味要记得黄金分割的原则，不要呆板了。
（5）S型构图
拍摄人流，水流，车流，贯穿对角线的S型往往非常有魅力，值得应用。
构图有最基本的要求，就是：
（1）横平竖直，地平线不平，改竖直的东西歪斜是非常难看的。
（2）画面平衡：仿佛中间有一个支点，色调浓重的密度大，色调暗淡的密度小，最后在中点可以平衡
（3）不留没有意义的空间：构图要饱满，上留天下留地，都不过分.竖型主体使用竖幅，横型主体使用横幅，不要浪费。
（4）不要发生切顶去脚的现象。
2。测光原理以及十一分区曝光法
无论中央重点平均测光，多分区测光，点测光，3D矩阵测光，其实都是一个原理。那就是，测量一个主体的发光光强，给出一个合理的曝光组合，让这部分主体在照片上形成18%的灰度，记我们所感受的中度灰，我们定义这种灰度：第五区灰，同时定义有第零区彻底的白和第十区彻底的黑，一共可以得到十一分区，从百到黑。每个分区受光照射量差一档光圈（在标准传统黑白加工工艺）
那么，根据曝光表所提供的第五分区的测光值（对一个部分测光，测光标只能提供第五分区的曝光组合），我们就可以自由安排了。
比如：我测量了雪的曝光，得到了一个测光值：1/250,F16,这样的曝光会让雪拍摄成中度灰色。但是我想得到很白的雪，稍微有点层次，想处于第二区（第二区很白了），所以我确定拍摄雪的曝光组合是：1/250，F5.6,开大了三档光圈。
同样，我测量了煤炭的曝光，得到了一个测光值：1/125，F2.8,这样的曝光值会将煤炭拍摄成中度灰色。但我想得到很黑的煤炭，也是稍微有点层次，希望将煤炭处于第八区，那么我就缩小三档光圈，或者提高三档速度，这都可以。得到合理曝光值：1/125,F8.
这就是使用曝光表的方法。千万不要让测量值骗了自己。直接用获得的测光值只能得到中等灰度，除非这就是你想要的，否则应该根据情况做出调整。
大多数同学的相机是中央重点平均测光。要记得相机测光标绿灯亮了指示的是现在取景器里面图像的均匀亮度所得到的中等灰度曝光水平。如果你要拍摄的是高调照片或者是低调照片，尤其是背景是耀眼的雪或者大面积的黑暗，或者出现光源（比如太阳），那么曝光值会非常受影响。拍摄者可以凑近主体测光再进行补偿，或者按照经验进行补偿。
下面有补偿经验：
（1）雪地背景，拍摄人像：正补偿1。5~2。5档
（2）逆光人像，正补偿2~3档
（3）暗背景，人脸有光源，负补偿1~2档。
最后的原则，拍摄负片，宁过勿欠，黑白负片+3~-2都可以接受，彩色负片：+2~-1可以接受。拍摄反转片，宁欠勿过，0~-0。5可以接受。刚开始拍摄照片，认真认真思考一下曝光效果，对日后控制影调非常有好处。
3。基础表现手法：
（1）类比与对比(和谐与冲突)
类比用来进行呼应，对比用来进行突出。类比将画面组织起来，对比突出重点，往往是兴趣中心。无论主体的位置，大小，趋向，明暗，色调等等方面均可以进行类比和对比，这样的作品有趣味，耐看。
（2）质感和影调
质感是一幅作品的皮肤，你要给自己作品最后得到怎样的表达，需要通过质感来表现。比如使用粗颗粒的胶片表现风烛残年的老人，枯树等等。使用细腻的胶片表现小女婴儿，应该更合适。影调是一幅作品的骨骼，所谓风韵之致。合理的影调类似与音乐作品，从一开始就决定了摄影作品的基调和运行，给人以美感。基本要求是：一幅作品不能没有纯黑和纯白的地方，否则会让人感到作品松软无力。（没有纯黑纯白的灰调作品也是有的，但是对拍摄者要求极高）
（3）节奏与旋律
这是从音乐通感来的说法。意思是说：通过影调的或者图形元素的重复得到一种节奏的美感。这样的节奏可以是舒缓的，轻漫的，也可以是急促的，浓重的。可以是单向的也可以是二维的，甚至是模拟三维的。光有节奏会让人感觉单调，因此节奏的变化至关重要，这就是旋律。
从序幕，到发展，到高潮（主体，或者兴趣中心）到结束，要有变化，而且变化要给观众美感。
（4）写实与写意
没有写意是可以完全脱离写实而存在的，写实如果没有写意的统帅就会变得没有生命。也就是说，大家摄影的时候要注意主题的刻画。这些方法大多数与别的种类的艺术创作手法类似。所以提高自己的综合艺术修养，是提高摄影艺术创作能力的根本方法。
这些最基本的原则就写到这里了。其实只要抓住艺术创作的根本就不一定要受这些原则的拘束。都是为了表现摄影主题服务，为了表现大家自己眼中的世界而服务。所以，永远要记住，没有客观的艺术，艺术本身就是主观的。所以，摄影创作也是主观的认识过程。摄影技术很简单，但是艺术的磨练需要很长时间。而让自己有一双善于发现美的眼睛和敏锐的心灵，更是难能。
最后，我要说一句，跟从事所有的艺术一样，摄影如做人。摄影作品是作者眼中的事物，所以作者的心灵会自然而然的展现在观众面前。那么是否有一颗追寻美的心灵，做人是否正直热情，都会在作品里面体现，也会在锻炼摄影的过程中逐渐涤荡心灵，成为更加纯粹的人。因此，要提高摄影水平，也勿忘先学做人。不知道大家有没有发现在摄影圈子里面总是遇到好人？呵呵除了兴趣相投以外，我想，同样的艺术追求和对美好的向往塑造了同样晶莹的灵魂。
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:17 摄影入门讲座（4）
前面说了那么多理论，我们现在分析一个实例。
假装。。。。
有一天我来到了一个高山流水的地方，我看到了潺潺的小溪柔柔的流动着，山林的幽静，馨香的湿润的空气，好美啊。尤其是这个小溪，太让我动心了。此时，我看到了一袭白裙的一个姑娘，身形柔美，极具东方美女特征。。。我要表现这样的美景给观众！。。。所以我开始。。。
（旁白：我才不信这人看见美女还有心思拍照呢）
我观察了一下，认为最让我动心的特点，就是一个柔字。重点表现小溪的柔和白裙女孩子的柔和，这样的类比带来了和谐的影调和气氛。小溪边的石头，粗楞的表面是表现小溪柔和与
女孩纤柔的绝佳衬托，这样的对比更加衬托出小溪与女孩的柔和。
然后我要表现小溪的柔和，使用夸张的手法，我觉得应该曝光1秒~2秒，这样小溪流动就会在我的像片上形成类似雾一样的在石头之间缠绕，让女孩舒适的侧卧在岩石上，形成柔和的曲线，带来对比，也比较适合慢门维持。
为了表现风景我需要比较大的景深，为了不变形，我使用了50mm标准镜头或者35mm小广角（为了更大的景深）然后我测量了当地曝光数值，最后确定了曝光组合，使用25度的AGFA APX25胶片（颗粒非常细致，刻画性能好），曝光1秒，光圈F16。
于是我做成了这幅作品。
拍摄完了，我觉得对安静的气氛的表达还不够。所以，我需要别的衬托的物品，我想到了鸟鸣山更幽的说法。所以我决定要找一只青蛙。所以我如下构图：小溪：S型构图，人物处在黄金分割点上，正好有一缕阳光撒下，人物对角线对称处有一只青蛙蹲在那里悠闲的样子。于是我完成了第二副作品。
(旁白：头旁边有个癞蛤蟆这个女的还不跳起来？牛，是不是就是一个蛤蟆精啊。prefer惨了）
这样的一幅作品，有空间感，前中后景和透视。有时间感，溪流流动具有时间因素。给你以恍惚仙境的感受。有类比衬托，有对比突出，溪流的形象有节奏也有韵律。胶片的选择是为了突出质感，一缕阳光撒向美女身上散发出圣洁的光辉自然改善了作品的影调。这样的作品比较耐看。
这仅仅是一个例子，大家在拍摄的时候运用好自己手中的武器，可以得到很好的效果的。只要是经过思考的，都是好的。
hoho,累死我了。
是谁建议发到版上的？赔我的手指头。。。唉呦~~~
对了，写这个讲稿参考乐几本书，很不错。
1。纽约摄影教程
2。亚当斯论摄影
3。简明黑白摄影教程
4。美镜头--摄影审美与表现方法（此书行文极其恶心，但是内容是正确的）
5。摄影的色彩设计
6。现代摄影百科丛书（湖南科学技术出版社）好书，推荐给新上路的朋友。
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:26 “就是没钱”写的富士s602使用心得
买这个相机的时候也看了很多其他相机的资料，一分价钱一分货就这样！602算性比价比较高的相机之一。买了没几天S5000就上柜了，经过了解S5000是304的升级版本，甚至功能没有602强大，心里也不酸了！～毕竟就多了个10X的镜头，以其他功能做代价有点不值得。这两天看了柯达6490的测试报告说存储的时间特别慢嘿嘿～总之买了602一点都没有后悔。
优点：
镜头全段2.8光圈，最小光圈F11，而很多消费级得DC最小F8
色彩真实，除了红色跟绿色表现过分了点外，人像皮肤的颜色表现很令我满意。
拍摄的原图看起来很多颗粒，可冲洗6寸照片上很漂亮，发到论坛里的都是压小了看起来很不错，其实原图很吓人的，不过大多DC如此。（关于成像方面，现在我更加喜欢佳能的软软的风格了）
紫边很少出现，比A70少，可以完全忽略。
快门时滞小，我第一次接触DC是SONY的P系列的一个机器，给我造成了巨大的心理阴影，认为DC的快门时滞都是不可以接受的，S602很不错，抓拍没问题，把LCD预览关了后拍下一张更加快。
手动功能强大，ISO160-1600——这个很重要，尤其是晚上的聚会活动没有这个高ISODC的照片惨不忍睹。尤其在ISO400的躁点可以接受的范围，甚至在ISO800的也不错！～～
镜头6X相当于35MM的210，基本可以满足常用的拍摄了，数码变焦也在接受的范围。
微距拍摄绝对是602的强项，用超微距的时候经常AF对焦到UV镜片上的灰尘了～
LCD和EV都不错，LCD还过分亮了，现在调整到底两档的亮度，减少了被LCD骗的可能性.
而且有局部放大功能，就是对焦时放大中间部分方便仔细观察。这个方面好像比C7X0要好点。
支持SM和CF卡，可以同时用两张卡，同时，这两钟卡都不贵，几乎是XD的一半的价格了。也支持IBM微型硬盘，这个要投资也不错，以后升级到单反的时候也可以用上。
外形比较专业，在一定的场合起点作用。呵呵也可以说是缺点，加了UV转接环后几乎和717差不多大小了，外形方面没有佳能G3做得有味道。
其他的什么什么功能是手动相机的基本的东西，不值一一描述。
缺点方面也不少：
光线不足时，对焦困难，我有个朋友用G5也有抱怨这个 ，这方面除了717做得好外其他一个都差不多
广角端严重变形，不过拍摄时候注意一下，实在不行就用PS调整。
好多用户都把开机时候镜头声音大说成是缺点，我不这么认为，大点就大点不影响使用。
ISO160，没有更底底了！～看着FZ1的ISO50，心里郁闷的很！～
删除照片时候会回到后面得一张，而不回到前面得一张，很不方便，除非是从前面往后删除。
没有想C70X0那样的在相机里直接旋转的功能，到电脑里才可以旋转。
精细度，分为标准；锐利；柔和三种，经查资料发现之有在“柔和”模式下才是没有被机器处理过的图象，而“柔和”模式照片很软，只好在PS中加锐利度了，（PS里后期加锐利比机器本身的效果好很多。
关于漏油和进灰到现在还没有发现，这个就是602的潜伏炸弹，我做好思想准备了，反正在北京修理比较方便。
大多进灰的机器都是用户经常清理镜头的灰尘造成的，我懒！～不清理嘿嘿～有个高手说过：新手不要太在乎镜头上的灰尘和指纹，这东西给照片造成的影响远不如曝光或其他技巧使用不当造成对照片的影响大。
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:27 初学摄影常见失误18例
作者：何永翔 来源：《人民摄影》
在摄影实践中，经验不足的初学者，常会出现一些失误。笔者把初学者常见的18种失误分别列出，并简要分析失误原因，提出防止方法，供初学者参考。
1、用广角镜头拍出的照片四角发黑
主要是由于闪光灯覆盖面与广角镜头的视场角不匹配。老式闪光灯设计的闪光覆盖面大都只能与35mm的小广角镜头配套，28mm广角镜头的视场角比35mm镜头大12度，因此使画面四周受不到光而发黑。防止的办法有二条，一是在灯光上加散光罩，使闪光成为散射光，以扩大覆盖面；二是用白纱布蒙住灯头，让光线散射，使整个画面都能均匀受光。
2、 画面影调模糊
在排除了相机无故障和手震等原因后，就要检查镜头是否被灰尘覆盖或被污渍染涂。如遇到这种情况，切忌用嘴吹或毛巾擦。应用吹气球吹去镜头上的尘土，再用镜头刷拂去杂物，最后用镜头纸擦拭，使镜片明亮如新。如仍有汗渍、指纹和油垢，就要送相机维修店用镜头清洁液仔细清除。
3、 主体人物模糊，背景清晰可辨
有两种可能，一是手动对焦相机对焦时，焦点没有对着主体或是主体对焦后，在构图中又移动了位置，未重新对焦，使主体不在景深范围之内；二是使用自动对焦相机时，没有按快门“锁定”焦点再重新构图，使焦点在构图中向别处飘移。
4、 团体合影照片前几排清晰，后几排模糊
凡是多排合影照，要保证每个人影像清楚，就要做到三点：一是选择性对焦。五排人合影，选择第二排的对焦；七排人合影，选择第三排人对焦。二是光圈不要设定太大，一般以f4－8为宜，以保证有足够的景深。三是快门速度不要低于1/60秒，以免有人头部转动使影像发虚。
5、 胶卷没有曝光
主要原因有二：一是傍轴取景相机拍摄时忘记揭镜头盖，取景器中景物清晰，但成像光线没有进入镜头，胶片没有感光。二是手动卷片的135单反相机装片不到位，卷片时没有注意看暗盒片轴是否在相应转动。由于片头滑脱，搬动卷片把手时，虽然快门上了弦，计数器照常计数，但胶片在暗盒中纹丝未动，计数器虽显示36张拍完，实际上没有一张胶片感光。
6、照片四角有黑影
主要原因有二：一是遮光罩与镜头焦距不匹配。把50mm标准镜头的遮光罩用于28mm焦距的广角镜头就会阻挡进入镜头的光线。因标头的视场角为47度，而28mm广角镜头的视场角为75度。二是用28mm广角镜头拍摄时，原已在镜头上戴有一块UV镜，如再戴一块偏光镜的话，由于偏光镜是两片玻璃叠合而成，边框很厚，再加在UV镜的边框，必然遮挡进入镜头的光线，使照片四角发黑。用广角镜拍摄时如需用偏光镜，一定要先卸下UV镜后再装偏光镜，才能使画面均匀受光。
7、 影调死白或晦黑，缺乏影纹层次
无论照片是黑白或是彩色，只有曝光准确，才能获得明快的影调和丰富的层次。照片死白是曝光过度；照片晦黑是曝光不足。机内测光系统是按18％的中灰反光率设计的，它可以使大多数景物曝光准确，色彩还原，但遇到某些特殊光线或景物，就需要在测光的基础上进行修正。如拍摄雪景如不增加1.5－2级曝光量，白雪就会成为灰白色；如拍摄煤炭，如不减少1.5－2级的曝光量，黑色煤炭就会变成深灰色。因为无论多么高级的相机，也没有思维功能，只会把一切景物千篇一律地按反光率为18％的中灰色调处理。
8、 用电子闪光灯摄的照片仍然曝光不足
原因有二：一是光圈设定过小。闪光灯的闪光速度一般都在1/1000秒以上，快门已失去控光作用，主要靠光圈大小控制曝光量。没有自动档的闪光灯拍照，要先计算光圈系数 。二是闪光灯电力不足。新买的闪光灯要经过十余次的充、放电，让灯内电容活跃后再正式使用。旧闪光灯充电信号灯点燃只充了70％，在点燃10秒钟后才能真正充满电能，供正常使用。
9、单反相机用闪光灯拍出的照片，有半幅画面是黑影
这是由于单反相机的帘幕快门与闪光灯不同步所致。单反相机用闪光灯拍照，要注意相机的闪光同步（各相机速度不同）。
10、 人像照片背景清晰艳丽，人物脸膛昏黑
一是逆光拍摄时使用了平均测光，又没有对人物面部补光；二是背景明亮（雪景、沙漠、海滩），使用了内测光推荐的数据进行曝光，背景曝光适度，人物曝光不足。对此有三种办法解决：一是用闪光灯对人物进行补光；二是在测光的基础上加大1－2级曝光量；三是走近人物对准脸部测光，“锁定”曝光量后（用测光记忆钮或改为手动曝光），再退回原位构图，对焦，拍摄。
11、 团体合影，周边人物残缺
这有两种情况，一是用平视取景相机拍摄时忽略了视差，画面装得过满；二是使用单反相机虽无视差，但画面四周没留余地，扩印时四周压掉了一些画面，彩扩机只扩印出底片画面的95％左右。所以无论使用什么相机，构图时都要留有一定的余地。切忌人物顶天立地，塞满画面。
12、 照片有划痕
如果是底片上有划痕，可能是两种情况造成的。一是大盘片分装卷使用的旧暗盒被污染，出片口绒布上夹有砂粒，划伤了胶片；二是相机背后的压片板上有毛刺，卷片划伤了胶片。使用分装卷前，最好把片头缩进暗盒，用吹气球和毛刷仔细对出片口的绒布进行清洁处理后，再引出片头使用。如相机压片板有毛刺，可用一小块0号砂纸小心地磨掉（注意不要磨伤压板上的漆膜）。
13、 整幅照片影调偏蓝
一是色温很高造成的。阴天或薄云蔽日的天气，自然光色温高达7000－12000K，没有使用校色温滤镜；二是四周有茂密的林荫或巨幅蓝色广告、幕墙等环境反射光的影响。解决办法是在拍摄时，使用一块雷登85B降色温滤镜，如附近有蓝色环境光反射，尽可能移往开阔场地拍摄。
14、 整幅照片影调偏橙红
以下3种情况都可能使照片影调偏红。（1）日光型彩色胶卷在灯光下使用，又没有使用雷登80B色温转换型滤镜；（2）早晚阳光的色温只有3200K，低色温造成橙红色调；（3）周围有巨幅红色广告或红色建筑物，反射红色光。
15、 用闪光灯拍摄人像时，背后投影浓重
机位闪光拍摄，如人物离背景很近，就会有黑色投影映在背景上。解决办法有三：一是人物离背景远一些，让投影落于地面；二是拆下闪光灯用软线连接进行侧位闪光拍摄；三是利用浅色的天花板或墙壁进行反射闪光拍摄。
16、 使用闪光灯，人像眼球血红
红眼现象在弱光中进行机位闪光容易出现。原因是黑暗光线下，人眼瞳孔放大，闪光灯的强光突然照射，瞳孔来不及收缩，强光直射视网膜，视觉神经的血红色就会出现在照片上形成“红眼”。克服的办法有四：一是拆下闪光灯用软线连接进行侧位闪光；二是让被摄者目光不要直视照相机镜头；三是拍摄前让被摄者注视电灯、窗口等强光源三分钟或预闪一次再拍；四是使用有防红眼功能的闪光灯。
17、 拍摄的电视画面上有快门条纹
我国电视系统每秒传送25幅画面，如果快门速度高于1/30秒，就会出现快门条纹。普通相机拍摄电视画面，快门以1/15秒为宜。
18、雪景影调灰暗，白雪不白
这是由于曝光不足造成的。雪天地面反光很强，测光表仍按18％反光率设定曝光组合，会把雪景还原成中灰调。如按平均测光或偏中央重点测光曝光，就欠曝1－2级，白雪就成为浅灰色调 。防止办法是，按测光读数增加1－2级曝光量（开大1－2档光圈或降低1－2档快门速度）进行补偿。
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:27 [分享]传神的人像摄影技巧
人像的造型:
如果你在日落之后不久的黄昏拍摄城市景色，那么浅色的天空将成为灯火通明建筑物的漂亮背景。漆黑的天空可以为夜间照片增添戏剧性，但需要等较长的时间。
用照相机面对面地与人们交流，记录他们的喜怒哀乐，恐怕是摄影题材最生动有趣又变化多姿的一个方面。
我们在拍摄人像时，不管他的动作、神态是否自然真切，照相机镜头捕捉的总是某一瞬间的人物形象，包括脸部的神态、身体的造型以及与周围环境的默契。离开了人物形象的塑造，进入人的心灵也就成了一句空话。
从人像摄影的造型分类来说，头像最宜于表达人物的表情，半身人像最宜于表现人物的性格和姿态，而全身人像的最大优点是能让人物与周围的环境构成有机的联系，便于营造画面的情调与气氛。
我们先来看脸部的造型。脸部的基本角度，从水平面上看，一般可以分为正面、四分之三侧面和正侧面三种。
正面像如同一张证件照，表情容易显得呆板，但是正面像很容易描绘那双沟通心灵的眼睛，如果被摄者有一张椭圆形匀称的脸，正面像也能获得满意的造型效果。
如果让脸往左或右侧一些，让另一面的耳朵刚好看不到，就是摄影中最常拍摄的四分之三侧面。这时既能比较全面地表现一个人的脸部形象，又会因脸部的变化而显得较为生动。由于受发型和其他因素的影响，向左还是向右转，对造型效果也会产生影响。
侧面肖像有一种戏剧性效果，由于人们平时看不到自己的侧面，所以会对自己的侧面像感到新奇，也容易感到失望。特别是一般人的侧面像并不太美，选择时就应该慎重。
除了水平面上的转动之外，人脸俯仰的角度变化也很有讲究。头部稍微俯低些，适合于脸型比较胖的人，使脸型变得瘦削些，也容易产生柔和谨慎的造型效果。如果头部稍为仰高些，适合于脸型比较瘦的人，使脸部变得胖些，同时能表现一种高傲感，并给人以坚强自信的印象。
接下来看看身体的姿势安排。记住一个有用的原则：头部和身体不要形成一条直线，也就是当身体正面对着镜头时，头部应稍微向左或右转一些；而当双眼正视镜头时，应让双肩转动一定的角度，或是让双肩上下倾斜些，这样会使画面更富有动感。比如拍摄坐着的半身像，不妨让人物侧坐呈45°或90°，然后让上身转向镜头，通过扭动产生理想的曲线。全身的人像也应该避免下面的站立姿势，同时对两条腿的重心支撑也要有所侧重。
在人物的姿势中千万不要忽略了手的安排，手的变化丰富多样，它既可以强化人物的神情，也可以起到装饰画面的作用。在以脸部为主的肖像中，手可以放在脸的一侧，或轻托，或斜倚，但与脸部的接触不要太用力，以避免脸部变形。在半身和全身像中，可以将双手抱在胸前，或以手抚过头发，或者轻抵下颚，也可以拿些小道具，以活泼画面。常言道，“手之善于表达感情，仅次于脸”，可以作为拍摄时的参考。
人像的用光:
除了形体造型，用光也是人像摄影中的一个重要因素。比起风光摄影，人像摄影的用光更为自由，因为自然光的变化只有等待才可能得到，而人是可以走动的，不同的角度可以营造不同的光线造型效果，更何况室内的灯光人像还可以调动各种光源，创造出变幻莫测的我影效果。
如果从光的照射方向来看，正面光是人像摄影中用得比较多的一种光线。尽管下面光比较平，很难表现立体感，但正面光对色彩的还原比较有利，特别适于表现女性皮肤的光洁。正面的光照不仅使肤色显得洁白细腻，而且使瘦削的脸庞显得较为丰满。有经验的摄影师在运用正面光拍摄女性肖像时，常将主灯的位置放高一点，使人物的眉骨和鼻子底下产生小的投影，既利用正面光掩饰了人脸的皮肤瑕疵，也因投影产生了有效的立体感，这种被称为蝶形布光的方法在女性摄影中非常流行。但在实际拍摄中应注意一点，蝶形布光法不适合脸庞太瘦或是颧骨太高的女性，否则容易使人脸变得更瘦。
45°的前侧光在人像摄影中用得很广泛，它既有一定的照明面积，也使脸部有了凹凸的立体感，影调层次、线条轮廓等都更为丰富。如果脸部呈四分之三的侧面，光线从另一面射来，照亮了四分之一脸的全部和四分之三脸的局部，这种用光就是典型的伦伯朗用光法。这种光线，加上深色的背景，会使人物熠熠生辉。伦伯朗用光法较多地用于男性形象，表现一种刚毅有力的气质。
人像摄影还经常运用逆光将人物与背景分离。强烈的逆光可以将人物的脸部和变化经多姿的发型勾苗出手动的轮廓线，将人物推到观众的面前。逆光作为主光使用时，人脸往往比较暗，需要另外补光，但补光不要太强，以免冲淡了逆光效果。
拍摄家庭室内人像，可以自己动手准备一些简单的照明设备，比如找几个灯架，装上300瓦—500瓦的灯泡，加上反光罩，就能在室内营造各种光照的气氛，拍出较理想的人像照片。由于这些灯光的亮度不是很高，因此在拍摄时最好用三脚架把照相机支稳了。另外，在这种灯光条件下用彩色胶卷拍摄，由于色温关系，颜色会偏黄、偏红。最理想的光源当然是同步闪光灯了，只是价格比较高。
在室外拍摄人像，上午9—10时和下午3—4时是最理想的时机，人物可以转动身体或脸部，获得理想的光照效果。
除了光照角度，还要注意摄影用光的质感，也就是直射光和散射光的区别。摄影室中的聚光灯和室外强烈的阳光都是直射光，这种光线的造型质感充满了力度，特别适合拍摄男性和老人，并通过逆光和侧逆光形成厚重的造型效果。而加了柔光罩、反光伞的影室灯以多云天气的室外自然光就是一种散射光，它的造型质感柔和细腻，层次丰富，特别适合拍摄女性和儿童。我们可以根据这些特点使人像摄影获得最佳的光照效果。
人像的传神:
拍好人像照片既要掌握摄影技术，还要懂得被摄者的心理，通过捕捉人物姿态与表情充分表现他们的个性。我们镜头中的人物，大都不是专业演员，不少人一至镜头前，就会紧张得手足无措，如果不加以有效的引导，就可以有得到一张呆板造作或千人一面的人像照片。
要使被摄者去掉拘谨的神色，关键是要分散他的注意力，使他忘记自己是在拍照，这样才有真情流露的可能。比如要消除人物不安的情绪，应该多加鼓励，增强他的自信心；如果他的姿态与表情不到位，也不要急于纠正，应在不断鼓励的过程中逐步加以引导，哪怕浪费几张胶卷也是值得的。在引导的过程中，有时还可以找一些共同的话题一起闲聊，当他精神放松、神情专注时，最佳的拍摄时机也就到了，因为专注的眼神是最真实的，没有虚伪和陌生。
在捕捉人物的神情时，常常牵涉到嘴部的表现力，也就是笑与不笑的问题。如果在拍摄时一味地要求被摄者“笑一笑，再笑一笑”，其结果往往使人物失去了个性。我们不排斥所有的笑，但作为肖像，们应该追求的是常态的美，笑与不笑之间，对任何人来说都是奥妙的，只要放松自然，真情流露，笑与不笑就都是次要的了。
身体的姿态造型也与神情表现密切相关，首先要求人体姿态尽可能放松，接着可以进一步引导。比如当人物坐着，身体微微前倾时，往往会给人亲切随和的感觉，这果可以诱导他露出轻松的微笑；反之，当人物微微后仰时，通常给人以高傲的印象，这时不妨让他明白自己所处的角以，增强他的自信心，高傲的表情就会自然流露。
真情流露在于引导，而最后的居功在于捕捉。记住加拿大著名人像摄影家卡希的这段话：“人物内在的思想、精神和灵魂，有时会在一瞬间通过他的眼睛、双手和体态表现出来——这就是需要紧紧抓住的、稍纵即逝的最重要的瞬间。
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:27 从传统走向数码
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■Lei GAO
第一次触摸摄影术是在法国东部的勃根涅，1826年涅普斯（Nicephore Niépce）在他的阁楼拍摄了鸽笼和谷仓。这张模糊的影像就是世界上第一张用化学成像并保留下来的照片。我站在阁楼的窗口，看着如同近两个世纪前一般的景象，心里很清楚：我要学习用银盐、光和思维来表达一个观点。
黑白摄影永远像看不透的影调一样，是个谜。一幅剥离了纷杂，只有灰度变化的图像，居然是读不懂但可以共鸣的世界。我带着对上帝一样虔诚的心情遇到了我的老师Georges Fevre，他名声不大，但在他印出的黑白照片上你可以看到摄影师的签名：Cartier-Bresson, Salgado, Brassaï……听到Goerges说的最多的一句话是：你还能做得更好。要他满意绝对困难，当他在3秒钟内指出你精心印制的“完美无瑕”的照片某个地方有问题时，你总会惊讶地问：我怎么没发现呢？一起工作一年后，我发现一般做一张满意的照片，需要印制20张左右。“我最需要的是一个巨大的垃圾桶。”我不止一次地向他抱怨。
什么是最好用的黑白胶片？这样的问题没有实际意义。发现不同的胶片的表现力与要表达什么，怎么表达之间的亲和关系才最重要。我很喜欢两种黑白胶片：Kodak Tri-x 400/320和Ilford Delta 100。我遇到的摄影师似乎大多数热衷于这两种胶片。Tri-x给你在曝光，显影和印相过程中最大的自由度。即使曝光过度/不足三级，通过显影时的调整，也能获取满意的图像，同时给你意外的惊喜。“天哪，他的皮肤是金属感的！”你经常可以听到你的朋友发出的惊叹，这就是Tri-x带给你的一个礼物。Ilford Delta 100是梦幻制造工具，看看相片上高光部分的银粉感，似乎用湿湿的手指可以把它们粘下来一样。这两种胶片我一直用D-76显影，只在显影液浓度和时间上做调整，效果非常好。用精一种东西比四下张顾要好。
一位严肃的摄影师在按下快门以前必须要考虑的是：要表达什么？以此决定形式和内容的关系，以及后期选择不同光源的放大机、显影方式、相纸种类、保存方式等等。越来越多的人认同，黑白摄影30%在按下快门的瞬间，70%在后期的暗房。在暗房里会有一种强烈的自由感，你感觉到你正在把按下快门时的冲动推向极点。Georges开玩笑地说过：“没有废片，只有不称职的摄影师。”在一次我把一张要丢弃的底片上的云放在建筑的背景时，我再一次想起了Georges的这段话。现在使用Photoshop可以轻易地制作不同的云彩，但当时我捍卫传统，一切是在暗房里做的。黑白暗房是另外一个世界，似乎影像从显影液里慢慢出现的时候，意味着你的创造已经大功告成了。实际上这种想法是错误的，还有更多的工作要做，难到谁会愿意放弃后面魔法般的创造机会？
后面要做的事多少带有一些愉悦感，不需要在红光下费力地辨别徘徊了。很重要的一步是在此审视印出来的照片是否还有瑕疵。一个非常有效的方法是，将照片放到灯箱上让光透过纸基来判读和印证层次细节之类的要素。一些隐藏在阴影里的丰富层次会在这个时候跳出来，我第一次看到的时候不敢相信自己的眼睛。这个时候需要你来决定要保留或隐藏多少阴影里的细节，记住了在哪个部位需要多少浓度多长时间的消色（bleach）处理。也是在这个时候，用聚光式放大机（Condenser）印出来的相片，在放大镜下每个颗粒像水晶般地变化多端，对人的视觉带有蛮不讲理的攻击性。我总是期待意外的收获。令人讨厌的白点也是在这个阶段用细软笔修去的，我通常是在第二天心情很愉快的情况下来做这件事，并用锋利的刀片勾刻出轮廓分明的物体边缘，这在建筑摄影上尤其重要。
最后，用45度的裁纸刀割出完美的90度接角，就可以把相片装起来，挂在墙上，坐下，看着想一个问题：“我在按快门的时候是否需要考虑更多？”
法国人Elene Vedrenne个子小巧，言谈中会表现出丰富的肢体语言和面部表情。她给我的第一印象是个小男生，短发。与她同时出现的总是巨型的三角架和大幅相机，她是个成功的摄影师。今天看她1999年拍摄的4×5正片时一定会联想到Photoshop的许多功能，每一张正片的背后都隐含着技术和艰辛的份量。她是个传统技术的捍卫者，并不断地在数码领域以外创造不同凡响的视觉效果，直到最近，Elene突然对我说：Johnnie, Digital photography is probably quite something（Johnnie，也许数码摄影真的很棒）。我很清楚这句话对她的意义，这意味着她向与之共事多年的印刷商宣战了。
生活经常跟我们开玩笑，在摄影术发明地和高端数码技术的集结地欧洲，拒绝数码的势力依然很强大，他们来自博物馆，收藏家，商业印刷商和一些画廊。我第一次与数码擦肩而过的经历是与Pascale Maigre 的一次不友好的谈话：
我：我是否可以不来上您的课？因为我无法忍受Canon D30给我带来的游戏感。
Pascale：我知道它剥夺了你后期暗房的乐趣，但数码给你立刻改正错误的机会，是个很好的练习工具。你应该来上课。
我：在影棚里我不会犯错，有宝丽来作参考，不会任意按快门的，很抱歉我不能接受您的劝导。
Pascale：你是在排斥一种新的纪录方式，数码与发挥你的想象力之间没有矛盾，相反具有另外一种形式的再创造，更加自由，你还是应该来上课。
我：您是在给摄影下新的定义吗？您说的数码再创造这与摄影纪录真实是相矛盾的，数码的创造力是对崇尚真实的道德标准的蔑视。我不能接受您的说法。
Pascal：你说的问题已经超越了我们谈话的范围，你可以去跟Jean Vasseur谈，我同意你用自己的方法去纪录真实，你是否愿意尝试用数码的方式来记录时装呢？
很凑巧，没过几天我到Porte de Versailles国际内衣展拍摄 Barbara公司的内衣，我可能是全场唯一使用黑白胶片的。事后，Barbara主管广告的Corinne找到我，那次的谈话让我走向了数码。
Corinne：“Johnnie， 这款新内衣的颜色你能说出名称来吗？”
我：“我不能精确表达我闻到的味道，颜色也一样。”
Corinne：“所有的摄影师都试过了，他们都很棒，但是他们照片上的颜色总是跟实物不一样，你能试试吗？”
我看到的是一种无法形容的浅绿色，介于浅绿与湖蓝之间的颜色，随着光线角度的变化曾现不同的色彩深度。我立刻意识到问题的复杂性。
我：“我试试，需要时间，但样片要在恒定色温的环境中看。”
接下来的一个月恶梦不断，巴黎最专业的冲印店Janjac的技术人员差点被我逼疯，我觉得。
我要做的第一件事是：确定使用何种胶卷与采用何种照明方法来准确表现色彩，同时要让负责后期输出的冲印店非常清楚地知道我需要什么。
摄影师可以把每一种专业胶片的技术数据烂熟于胸，但在每次拍摄前还必须对胶片作出选择。先要理解专业胶片批号的概念。同厂牌，同片速，同型号的专业胶片无可避免地在生产的时候要遇到生产线调整的问题，更换涂布药液的过程，使非同批胶片的感光药膜产生细微的差异；这种差异在经冲洗，印相工序后会被放大，这是不能接受的。专业冲印店会提供同一批号的胶卷，这似乎可以帮助你避免由于批号不同而导致的样片与成品间的差异，但事情不是那么简单。显影过程中时间，温度，显影液浓度，搅拌次数等任何一项差异会使一切前功尽弃。如果说冲洗设备已经先进到100% 保证显影条件绝对标准的话，那么在印相过程中100%绝对标准是根本做不到的（如果拍摄的是彩色负片的话）。首先需要极力做到的是完美的曝光，尽量避免在后期彩色放大时的遮挡（dodge）和加光（burn in），因为这两种在黑白暗房屡试不爽的手段，在彩色暗房会带来灾难性的后果----色偏。
选择了胶片以后需要对胶片的感光速度和色感性进行测试。每种胶片（除红外胶片）标定的感光速度只能参考。必须测试出该胶卷在你布置的灯光条件下的表现，一般采用1/3级的包围曝光，跨越测光表读数的+/-2级，同时测试每种滤镜组合的效果。从135毫米到大幅用不同的采样方法。这些样片每张都必须详细纪录与拍摄条件相关的数据，并在工作日的相同时间交冲印店显影。在此之前，我非常清楚地知道Jinjac冲印店每天换药液的时间，并得到他们的保证，我的样片一定是在每天第200个或220个送入吊挂机的，同时Jiniac的工作人员会填写好我预先准备好的显影条件纪录表格。
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:29 在保持摄影棚灯光位置不变的条件下，这样的测试用了一个星期，没有找出满意的颜色效果来。我停下这项工作，开始思考原因：灯光，胶片，测试方案，显影时间，搅拌次数，温度等都没有问题，唯一就是显影液的浓度可能会导致无法产生满意的效果。在与Jinjac商量多次没能让他们接受我要求改变显影液浓度的情况下，我决定从头开始，选择了只有6道工序的Tetenal的E-6配方手工冲洗并调节浓度。第二个星期是在陪伴Jobo（冲印机品牌）的日子了里渡过的，我终于制造出了一张满意的样片！在交给Corinne审核的时候，她很高兴：你是怎么做到的？她一直在嘟囔着。接着就是同样颜色的不同款色的内衣交到了我手上……
兴高采烈地回到摄影棚，半个月的辛苦没有白费，详细的测试纪录使我很快地进入严谨的拍摄和后期程序。拍摄完整套胶片并手工冲洗出来后，我目瞪口呆：几乎没有两张是完全一样的颜色表现！再拍摄，冲洗……不一样！再拍摄，冲洗……还是不一样！！我不得不打电话给Corinne：“可能有点问题，如果有更多的时间我会解决的。”我在说这话的时候其实并不知道自己在说什么。
在绝望之中，我找到Jean Vasseur。与他交谈总会发生一些臆想不到的事，他是我遇到的最不像老师的老师。在开学的头一天，校长指着站在角落阴影里的相貌慈善的中年男人简单地说了一句：Jean，他是本字典。唯一的一次，Jean给我们上色彩理论，开头的两句话我至今还记得：“色彩学很简单，简单到让你们睡着。”居然在讲课进行到第二小时的时候，睡倒了一大片。
我：Jean， 想向您请教……
Jean仔细地擦着烟斗，笑眯眯地看着我：我知道你会来，其实只要5分钟就能说服你，Pascale谈起过你拒绝数码的事，现在我想我不需要再说什么了。
我：难道只有用数码才能解决我的问题吗？
Jean：当然不是，不过以今天的科技而言，只有数码才有解决你的问题的可能性。数码也有数码解决不了的问题，但它毕竟比银盐更便利，更直观也更精确，我是指复制颜色。
我把产品递了过去：我就是想要请教如何用数码的方式准确表现颜色。
Jean非常兴奋地说：我可以告诉你如何做，甚至跟你一起做，如果你想了解为什么要这么做的话，这很简单……
我非常严肃地回答：我能坚持三个小时不睡倒。
Jean 开心地笑了。
使用数码是从一张GretagMacbeth色卡开始的，通过ProfileMaker Pro软件轻易地建立了从影棚环境光、数码相机、Mac电脑到Pictrography4000打印机的色彩管理标准。Adobe RGB(1998)的彩色模式涵盖了所要表现的产品颜色，屏幕效果让人振奋，但在打印输出前，photoshop的gamut warning指出Pictrography4000的CMYK模式无法准确在纸上输出我们想要的“绿色”，最终Jean还是巧妙地利用人眼分辨能力的局限，找到了解决的办法。就这么简单。Jinjac是巴黎唯一一家自己配制打印墨水的冲印店，在对多种不同材质的纸张作出选择以后，Jinjac向我们证明了他们卓越的输出能力。我们在纸上的输出结果，几乎与原物颜色没有什么区别，同时也做了在传统正片上的输出以适应顽固的商业印刷商。这些工作仅用了一天的时间！
这次尝试，让我开始接触色彩学，ICC Profile，Photoshop和与之相关的数码器材，以及涉及到应用方面的IPTC规范等。这些与我概念中的摄影术大相径庭。
与Jean在一起的一个星期使我改变了对摄影术约定成俗的看法，这种改变不仅表现在对全新的后期制作方式的接受，同时也影响了我在按下快门前的思维。我从此不会再为了等到所有元素到位而放弃转瞬即逝的云彩了。耳边又一次回响起Elene 的话：Johnnie，也许数码摄影真的很棒。数码技术为Fine Art提供了前所未有的创作空间，至少思维的表达突破了技术的限制，我接受了这种新的创作方式。
后记：数码黑白目前不能超越传统黑白的原因在于输出。数码影像可以模拟包括Polaroid的Emulsion Lift表现手段，但无法达到最终表面的立体感表现。相当长的一段时间内，数码摄影与传统摄影会并存。
作者后记：
很多人对数码的抗拒态度是来自对一个新的系统的不熟悉以及对老的系统的眷恋。这些人包括我接触到的Epson公司的技术人员，他们居然与我当初一样对数码持怀疑态度。
一些事物需要印证才能很快被接受。而这种印证通过网络是无法完全具有说服力的。只有当场做，你当场做，输出后不相信自己竟然能这么快地达到极高品质。惊讶之余再开始研习数码。
我不反对传统暗房，但在用传统暗房无法保证质量的时候（比如对某些颜色的极端要求），我会不加考虑地采用数码。今天的数码高端技术已经超越了135甚至120的质量。在控制某些环节上超越了大幅（比如色彩）。
我尊重硬骨头（哪怕是Rocks滚在粪堆里我也一样尊重）。我认为看待一幅作品需要首先校正自己的视角。对于追求极端工艺美感的作品，我不会去评价它的社会意义或者能给失学儿童带来什么好处，只会注重它的影调和画面质量。对于人文纪录的作品，我不会去评价它是否包含了几个区或者反差是否还可以调整一下，只会注重摄影者的观察角度以及作品本身的可传递性。对于发泄自身情感的作品，我不会把它当作一个摄影作品来评价，只会透过作品去揣摩作者是否“精神失常”而在Brain Masturbating。可惜的是网络评论家和批评家们总是采用指鹿为马的方式来维护他们言论的一贯准确性。
技术性很强的图片是有其市场价值的，毕竟有人需要把自家生产的座便器美轮美奂地放大到2层楼那么高。我觉得还是按图片的分类尽量采用不同的标准来衡量它们，如果我们能找到这个标准的话。
我做过一些恶作剧：我的一些数码的图片没有被传统捍卫者发觉，而当他们严肃指出“这一定是Photoshop做出来的”的时候，我已经准备了扫描的原始底片送到他眼前。不就是为了让他们说话时嗓门小一点嘛。化学药水的味道很好闻，其实鼠标的触感也不错（只要不是埃塞俄比亚生产的就行）。
评论人：14683005 评论日期：2005-9-27 9:29 令人惊奇的镜头
20世纪30年代第一款35毫米单反相机诞生以后的数十年中，制造商曾为各式各样的135相机生产出一些令人惊奇的镜头。
这其中有2种超广角镜头在最近几年里已经停止生产。它们是：尼康6mm F2.8鱼眼Nikkor镜头，具有220°视角；尼康13mmF5.6AIS镜头，具有118°视角；还有最快的镜头，蔡司210mm N－Mirotar折反射镜头，有3级电子影像增强器，具有F0.03的大光圈———比一个F1.4镜头大了11级。
然而今天仍有一些相当令人惊奇的镜头。从实用的角度看，你可以花相对少的钱，从相机制造公司或镜头制造商那儿买到很好的镜头———包括成像非常清晰的变焦镜头。下面介绍的是当今10款最奇特的35mm单反相机镜头。
1.最圆的镜头（鱼眼镜头）
适马8mm F4 EX圆形鱼眼镜头，是惟一的圆形鱼眼镜头，可以广泛地用在大多数自动对焦35毫米单反相机上。这是一款手动对焦镜头，可在24mm×36mm画框中央生成一个直径为22mm的圆形影像，视角可覆盖180°。镜头为7组11片，光圈范围从F4－22，最近对焦距离约20cm，规格尺寸为直径73.66mm×58.42mm，重量374.2克。
2.最宽的非鱼眼镜头（超广角非鱼眼镜头）
这里有4种相同距离超广角非鱼眼镜头：佳能EF14mm F2.8L U镜头，尼康14mm F2.8ED AF－Nikkor镜头，适马14mm F2.8EX Aspherical和腾龙SP AF14mm F2.8镜头。这4款镜头都具有114°视角。佳能14mm镜头是10组14片结构，最近对焦距离254mm，规格尺寸76.2mm×88.9mm，重量为561.32克。尼康14mm镜头，是10组12片结构，最近对焦距离203.2mm，规格尺寸为直径86.36mm×83.82mm，重量为669克。适马14mm镜头，是10组14片结构，最近对焦距离180.34mm，规格尺寸81.28mm×91.44mm。腾龙14mm镜头是12组14片结构，最近对焦距离198.12mm，规格尺寸86.36mm×88.9mm，重量为660.5克。佳能和尼康的14mm镜头，只配用各自的机身，而适马和腾龙镜头可用于佳能、美能达、尼康和宾得自动对焦单反相机。
3.最长的自动对焦镜头
最长的自动对焦镜头是佳能EF1200mm F5.6L U镜头，10组13片结构，最近对焦距离13716mm，滤镜48mm，该头直径为287.02mm（以获得远距离高速拍摄的较大光圈），长度835.66mm，重16465克。EF1200mm与50mm标准镜头相比有24倍的放大率，但仅限用于佳能EOS相机。
4.超广角变焦镜头
超广角变焦镜头是宾得17－28mm F3.5－4.5鱼眼变焦镜头，在17mm处，具有180°视角，此时凡未通过图像中央的直线均会发生弯曲。镜头为9组9片，最近拍摄距离为444.5mm，直径66.04mm，长度60.96mm，重252克。可用于所有的K型卡口的相机机身。
5.超广角非鱼眼变焦镜头
最广的非鱼眼镜头是适马15－30mm F3.5-4.5 EX Aspherical DG DF镜头。为13组17片结构，最近对焦距离为299.72mm，直径为86.36mm，长度129.54mm，重量618克，此款镜头所具有的对焦机械装置意味着对焦环在自动对焦期间不会转动，更易掌握。由于使用数码相机时，镜头焦距会增长1倍多，因此，这款镜头相对于数码相机的使用者来说，是最合适不过的。
6.最长的变焦镜头
当今35mm单反相机中最大的变焦镜头是低价位的手动对焦650－1300mm F8－16镜头，此头由凤凰提供。最近对焦距离为4877mm，采用95mm滤镜，镜筒直径为104.14mm，长焦462.28mm，重1996克。适用于大多数安装有T型卡口转接器的单反相机。
如果你想拍摄的物体不能太靠近（例如野生动物），这种镜头将会是最好的选择。
7.最大倍率变焦镜头
佳能EF35－350mm F3.5-5.6L USM （35mm单反相机的第一个10∶1变焦镜头）、适马AF50－500mm F4-6.3 APO EX RF HSM（最长的10∶1变焦镜头）和适马的10.7∶1比率28－300mm变焦镜头。腾龙和威达则排在最大倍率变焦镜头之外，这些多用途镜头从广角到超远摄，没有超出人们的意料。适马实际提供了两种28-300mm超变焦镜头：新的适马28－300mm F3.5-6.3 Compact和28－300mm F3.5-6.3DL镜头。前者15组17片结构，最近对焦距离为914mm。采用67mm滤镜，规格尺寸78.7mm×78.7mm，重538.6克；后者16组18片结构，最近对焦距离为830.6mm，采用72mm滤镜，规格尺寸78.7mm×91.4mm，重564克。腾龙AF28-300mm F3.5-6.3 IF LDASL，14组15片结构，采用72mm滤镜，规格尺寸81.28mm×81.28mm，重量584克。
8.真正的微距变焦镜头
许多变焦镜头被称为“微距变焦”，这里只有一种1∶1微距变焦镜头可以从1∶1放大到3∶1（3倍于原物尺寸），美能达3X－1X F1.7-2.8（它可用于所有的美能达机身），拍摄范围25.4－40.6mm，能够进行高倍率的近摄。在1倍放大倍率时，光圈为F2.8-2.7。在3倍放大倍率时，光圈为F1.7-1.6，滤镜尺寸46mm，规格尺寸为83.82mm×116.8mm×93.98mm，重1100克。镜头延伸（对焦时）和水平、垂直拍摄时为电动，变焦为手动。拍摄中三脚架的使用是必要的。
9.最快的镜头
佳能EF50mm F1.0L USM仍然是最快的35mm相机镜头，此镜头的直径为91mm，9组11片结构，987克重。如此大光圈的镜头，当然价格不菲。其最近对焦距离609.6mm，滤镜72mm，可用于所有EOS机身。
10.最丰富的系列镜头
对于徕卡R系列单反相机来说，最非同寻常的远摄镜头是徕卡的APO－Telyt－R Module系列对接镜头，其最大的特点是可用不同的方式将5种组件组合成6种不同焦距的手动徕卡Apo-Telyt镜头。APO－Telyt 280/400/560/和400/560/800镜头。前组可以和任何三种对焦后组（2.8/280/400，4/400/560或5.6/560/800）组合成所需的镜头：280mm F2.8，400mm F2.8，400mm F4，560mm F4，560mm F5.6和800mm F5.6，所有的组合均表现出了徕卡传奇性的标准。这5款镜头组件可分开购买。
作者：14683005 提交日期：2005-9-27 9:10:00 最重要的，当然是拍摄者的颜色观，既然是色盲目——也能拍出最经典的
因为往往最经典的照片都是黑白的_____风暴语录。
很多朋友在拍摄出一些作品后总觉得有所欠缺，觉得画面与自己想表达的意境有所差别，这有可能是色彩运用失当的原因。
色彩能反映人的感情，在长期的生产和生活实践中，色彩被赋予了感情，成为代表某种事物和思想情绪的象征。不同的色彩能给人以心理上的不同影响，能激发人们情感。在心理上情绪上产生共鸣。同时拍摄照片时，要研究色彩与人心理的关系，发挥色彩的作用。如红色象征喜悦，黄色象征高贵，绿色象征生命，蓝色象征宁静，白色像征坦率，黑色象征恐怖等。在摄影中必须懂得色彩与感情的联系，有目的的运用色彩，进一步表达好作品的主题。
色彩是多种多样的，除了光谱中所表现的红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种光外，还有若干中间色，能用肉眼辨别出来的大约有180余种。通过观察测试，各种色彩给人的一般感觉是：
红色：热烈、喜庆、温暖、奋进、热情。
绿色：生机、和平、凉爽、平静、希望。
蓝色：广阔、清新、冷清、宁静、静寂。
黄色：高贵、庄重、光辉、温顺、光明。
青色：坚强、圆顺、冷清。
橙色：华美、丰硕、甜蜜、享乐。
紫色：深沉、稳重、神密、寒冷。
白色：神圣、纯洁、素静、稚嫩。
黑色：神密、悲哀、稳重、力度、死亡。
灰色：平和、浑厚、温存、稳重。
褐色：沉稳、淳厚、严密、深沉。
金黄色：贵重、高雅、华丽、正统。
银白色：高洁、素雅、柔软、明亮。
品红色：温柔、朴实、坦率、平和。
摄影中对色彩的应用，要合理、确切，强调与人的感情相吻合，强调对主题的衬托。
如拍结婚照片，红色越多，气氛越浓。而丧事照片，则正好相反，应以素白为主，出现几个穿红衣的人，就会破坏气氛。同时处理色彩，要符合人的心理状态，符合人们的生活习惯和欣赏习惯，就能提高色彩的表现力。对摄影中色彩的配置，要按照艺术规律要求进行色彩的配置，要烘托气氛，突出主题。严格的取景构图，巧妙的运用光线，合理的配置色彩，达到以色传神。以色写意，以色抒情的目的。
在彩色摄影中，画面上不一定色彩越多越美。切不可堆砌罗列，给人以杂乱无章的感觉。必须有所弃才能有所取。要善于在色彩运用中敢弃敢取，善于对色彩提炼，概括和加工，把色彩处理得艳而不俗，雅而不凡，寓秀美于平淡之中，使摄影照片达到绘画着色的艺术效果。
#日志日期：2005-9-27 星期二(Tuesday) 晴 副县长女儿“炫富门”几大疑点
所以定DC扫盲班这个题目，是因为春卷刚得知身边几名同事居然连光圈，快门都一点儿不明白。等再调查询问一圈下来，春卷头上冷汗潺潺而下：公司里虽然DC拥有量不低，但竟鲜有人了解数码变焦和光学变焦的区别；没几人明白EVF其实并没有SLR光学取景器效果好，ISO越高画面颗粒就越粗。。。呜呼！在春卷大做特做相机评测的时候，却根本没料到其实对我们评测中熟捻的参数缩写，很多网友根本是茫然不解的。痛定思痛我立即翻箱倒柜，为大家奉献上这个“DC扫盲”专题，但愿我下次做DC知识普及调查的时候不必再拿着毛巾擦冷汗了
DC扫盲班 什么是光圈/快门优先
照片的好坏与暴光量有关，也就是说应该通多少的光线使ccd能够得到清晰的图像。暴光量与通光时间(快门速度决定)，通光面积(光圈大小决定)有关。
那么，为了得到正确的暴光量，就需要正确的快门与光圈的组合。快门快时，光圈就要大些；快门慢时，光圈就要小些。
快门优先是指由机器自动测光系统计算出暴光量的值，然后根据你选定的快门速度自动决定用多大的光圈。
光圈优先是指由机器自动测光系统计算出暴光量的值，然后根据你选定的光圈大小自动决定用多少的快门。
手动模式是指你自己指定光圈的大小与快门的速度。
光圈越大，则单位时间内通过的光线越多，反之则越少。光圈的一般表示方法为字母“F+数值”，例如F5.6、F4等等。这里需要注意的是数值越小，表示光圈越大，比如F4就要比F5.6的光圈大，并且两个相邻的光圈值之间相差两倍，也就是说F4比F5.6所通过的光线要大两倍。相对来说快门的定义就很简单了，也就是允许光通过光圈的时间，表示的方式就是数值，例如1/30秒、1/60秒等，同样两个相邻快门之间也相差两倍。
光圈和快门的组合就形成了曝光量，在曝光量一定的情况下，这个组合不是惟一的。例如当前测出正常的曝光组合为F5.6、1/30秒，如果将光圈增大一级也就是F4，那么此时的快门值将变为1/60，这样的组合同样也能达到正常的曝光量。不同的组合虽然可以达到相同的曝光量，但是所拍摄出来的图片效果是不相同的
这里就涉及到“景深”的概念，所谓景深就是指当镜头对焦于被摄体时，被摄体及其前后的景物有一段清晰的范围，这个范围就叫景深。
了解了光圈、快门以及景深这些基本概念之后，何时使用光圈有限还是快门优先就不难了。
光圈优先就是手动定义光圈的大小，然后利用相机的测光获取相应的快门值。由于光圈的大小直接影响着景深，因此在平常的拍摄中此模式使用最为广泛。在拍摄人像时，我们一般采用大光圈长焦距而达到虚化背景获取较浅景深的作用，这样可以突出主体。同时较大的光圈，也能得到较快的快门值，从而提高手持拍摄的稳定。在拍摄风景这一类的照片时，我们往往采用较小的光圈值，这样景深的范围比较广，可以使远处和近处的景物都清晰，同样这一点在拍摄夜景时也适用。
与光圈优先相反，快门优先是在手动定义快门的情况下通过相机测光而获取光圈值。快门优先多用于拍摄运动的物体上，特别是在体育运动拍摄中最常用。很多朋友在拍摄运动物体时发现，往往拍摄出来的主体是模糊的，这多半就是因为快门的速度不够快。在这种情况下你可以使用快门优先模式，大概确定一个快门值，然后进行拍摄。并且物体的运行一般都是有规律的，那么快门的数值也可以大概估计，例如拍摄行人，快门速度只需要1/125秒就差不多了，而拍摄下落的水滴则需要1/1000秒。
在光圈优先的情况下，我们可以通过改变光圈的大小来轻松地控制景深，而在快门优先的情况下，利用不同的光圈对运动的物体能达到很好的拍摄效果。这两者都要灵活运用，满足我们不同情况下的拍摄要求
实用DC闪光灯操作技巧揭密
微距拍摄要减光
现在的数码相机一般都有内置闪光灯，使用内置闪光灯时要注意相机与被摄对象之间的距离。距离太近会导致曝光过度，而距离太远会使得光线分布不均匀，导致曝光不足。用户最好查阅数码相机的使用手册，了解内置闪光灯的使用范围，在这个范围内使用一般都能起到很好的效果。利用数码相机进行微距拍摄，由于距离拍摄物很近，此时使用内置闪光灯只会导致曝光过度，所以需要进行减光处理。
减光就是减少闪光的输出强度，你可以在数码相机中进行调节，但这样还是不够的，光线依然很强。你可以用手遮住闪光灯，注意手指要靠紧，这在一定程度上可以减少光线强度。在实际使用中发现，简单的利用餐巾纸这一类柔软的纸张遮挡也能起到很好的效果，让光线变得柔和。
改变闪光的角度
很多人在使用闪光灯进行拍摄时，习惯性地将闪光灯与被摄物体平行，以便让光线变得均匀。但是在拍摄具有反光性的物体时，例如玻璃、各种电脑板卡时，会在物体上产生亮斑，破坏画面的和谐。这个时候应适当改变数码相机的拍摄角度，从侧面进行拍摄，这样就能避免产生亮斑。
主体与背景反差大时适当补光
不要以为只有在光线较暗的情况下才需要使用闪光灯，有时在光线充足的情况下，也必须使用闪光灯进行补光。在进行逆光拍摄时，主体与背景的反差很大。如果顾及主体进行曝光，那么背景必然曝光过度，而正常还原了背景，主体又曝光不足，这时就需要用闪光灯进行补光了。
补光不是直接打开闪光灯就可以了，还需要掌握一定的技巧。你可以将相机设置成光圈优先模式，设定光圈的数值，利用点测光对背景进行测光，记下测得的快门值。然后切换到手动模式，设置成刚才所测得的光圈和快门值，再将闪光灯设置成强制闪光进行拍摄。这样就能兼顾主体和背景，照片的背景还原正常，主体也可以得到很好的表现。
慢速闪光
一般来说，夜景的拍摄不宜使用闪光灯，利用小光圈和长时间的曝光，能表现出美丽的夜景。在夜晚拍摄人像一般都要使用闪光灯，如果直接打开闪光灯拍摄人像，人物还原是正常了，但是后面的夜景却很暗，无法还原，那么此时就需要使用慢速闪光功能。慢速闪光会使用较长的快门时间，以闪光灯照亮主体，然后配合慢快门保证背景也能够表现。如果你的相机已经具有慢速闪光功能，直接使用就可以了，没有的话可以在手动模式下设定较长的曝光时间，也可以达到同样的效果。
外闪的使用
外闪，也就是外接闪光灯，既然有了内置闪光灯为何还需要外闪呢？主要原因是内置闪光灯功率小，所拍摄的范围小，而外闪的功率大，自然拍摄的范围也广一些。内置闪光灯已经固定，无法调节方向，而外闪可以灵活地进行上下、左右的调节，使用上更方便。不过，不是所有的数码相机都可以配置外闪，数码相机要具有热靴或者同步接口才能使用外闪。
闪光指数（GN）是外闪的一个重要参数，指数的大小决定着外闪功率的大小，一般来说GN值在20～30之间的外闪就能满足我们的基本要求。建议你选择原厂的闪光灯，这样搭配能达到很好的效果，并且这些闪光灯具有自动功能，使用起来也很方便。如果你选择手动的外闪，那么在拍摄时就需要设定合适的光圈值。GN=F（光圈）×L（距离），你需要根据相机与被摄者的距离设定光圈的大小。例如外闪的闪光指数为24，你距离被摄者为3米，那么你的光圈就应该设置在F8。由于闪光灯的闪光时间很短，此时快门设置就不太重要了，设置成为安全快门（也就是此时镜头焦距的倒数）就可以了。
在平时使用闪光灯的拍摄中，闪光灯一般直接对着被摄者，这样很容易造成阴影，而利用跳闪就可以很好地解决这个问题。跳闪是外闪中一个很常见的使用方式，也就是说闪光灯不直接对着被摄者，而是成一定的角度。利用墙壁、天花板进行反光，这样能使光线变得自然、柔和。
闪光灯还有很多应用技巧，由于篇幅的限制不可能面面俱到，只能列举其中一些最常见的使用方法，很多应用技巧还需要你自己去发现。
奇!为什么DC微距景深效果特别好?
DC的浅景深表现不及FC，这是一个不争的事实。但是，DC的微距时浅景深效果却相当不错。下图就是用D7相机拍摄的微距照片，可以看出照片中的景深非常浅。为什么在微距摄影时，DC的浅景深效果显得与FC有得一拼呢？
在通常情况下，我们是用视觉印象一样的照片来作比较的。如下图所示，三种不同的相机所拍摄的同样场景来作比较才是合理的。很明显，在这种比较时，拍摄时的视角是保持不变的。也就是我们经常所说的35mm相机的等效焦距是一样的，而实际焦距是各不相同的
不同ISO值究竟怎么用?
ISO在传统相机上就是胶片感光速度的意思，通常我们使用的胶卷包装上都能明确看出ISO值，如ISO 100、ISO 200、ISO 400等等，引申到数码相机上就相当于CCD感光速度。通过调节ISO值，可以使CCD的感光敏感度改变，并且ISO越高CCD感光速度越快。也就是说曝光量一定的条件下，ISO越高，曝光需要的时间越短。
不同胶片ISO感光度之间的相对关系与相机快门指数之间或者光圈指数之间的关系一样，即ISO 100胶片的速度为ISO 50胶片速度的两倍，也即前者的感光度为后者感光度的两倍。这就是说，如果你用ISO 200胶片以1/250秒，光圈f 8拍摄景物，那么用ISO 100胶片拍摄同一景物就必须给与两倍的曝光量。为什么？因为ISO 100胶片只有ISO 200胶片一半的感光度。
ISO的提高可以有效减少CCD感光时间，这就为我们在弱光下的拍摄提供了方便。因为通常在弱光或夜晚拍摄时，会需要较长的曝光时间，使用闪光灯不当容易破坏曝光，手持拍摄不得不使用三角架来固定相机才能拍出清晰的相片，特别是对于小型数码相机的使用者而言，怎么可能背一个三角架出去娱乐呢？
用不同的ISO达到几乎相同的拍摄效果，可是快门时间却大大加快了。快门速
1.买了dc后再买个FC，不必买很好的，canon就买eos30、33；美能达的到α5，nikon的到F80就行；
当然，买2手的手动机那是更了不得，更显出专业来我是用不来只好买F80这样的自动相机啊。
也就是说，要显得专业，买2个机身，可以都比较差，哪怕是A202，F65+50 F1.8，总共才4000不到，记住，F65还得买电池座，看起来大一点为什么用标头呢？因为光圈大，F1.8，又便宜，才8xx，canon的更爽，6xx；然后可以说布勒松一辈子也不过用一标头……(当然，当时制造技术还造不出比较好的变焦头，不过，这可别傻乎乎地也告诉别人)
2.出门拍照扛上三脚架，可别买那种很细的象火柴杆似的脚架，最少是伟峰，越重越好，实在背不动的话，就买单脚架，象伟峰这种牌子要1xx，我强烈推荐买曼富图的单脚架，也才2xx，只多花100块就能上一名牌，值啊有事没事就跟人说“作为一个严肃的摄影师，在三脚架的问题上是绝对不能妥协地”
3.FC上最少要有2个镜头，可以都比较差，但必须要2个，还要在别人“喀嚓、喀嚓”拍照时换镜头，一个字“牛”啊！
4.在FC上再装些小配件，如快门线(F80的特便宜，只要10rmb，不过是机械快门线)，滤镜(国产的很便宜)，有点钱的主可以买闪光灯
5.胶卷要用反转片，kodak的EB3就够了，20块钱一卷，再加冲费，差不多是1张1块钱。喊胶卷名字时不能喊“维儿维亚”“浦罗维亚”“阿四提亚”，要喊成阿维批、阿地批、阿爱批，这样就显得专业了
综上所述，一共不到5000块，就能有：
dc一台，Fc一台，镜头两只，附件一堆，三脚架、单脚架各一枝
买摄影包的时候千万不要买那种名牌、新款的，300块搞个2手小银箱，别人大包小包的背来背去的时候，你把银箱往地上一敦，慢条斯理的打开，满满的一箱你刚才说的劣质附件。在使用脚架的时候一定不要忘了把脚架伸到最高，然后你站在银箱上表示你的银箱就是这么用旧的。
别人用闪灯的时候，你再在闪灯上加以个什么柔光罩，还时不时的改变闪灯的照射角度。
再有，买个2手的带液晶数显测光表。的在别人已经在拍摄的时候你东暗一下，西按一下，再去除白色半球若有所思的测量反射光，嘴里还要念念有词的样子。
在普通色友前，哪怕是拿着E20、5700、717、D7i的，看到你也要说“专业”；碰到拿dslr的就说“不喜欢那数码味”；碰到Leica的就说不习惯用旁轴。
最后本人最好留一点胡子和长头发，就像常在星光看到的那些人。买一件摄影马甲，兜里揣满有用或无用的怪东西。。。
上述就是穷人的“专业”经。：）
当你节假日带着DV去旅游时，是否有感觉拍回来的带子不满意却又说不出差在什么地方的时候，应该如何去改善呢？如果你做到了下面的有关DV旅游摄像的八个注意事项，应该能够达到既玩好又拍好的旅游目的了。
1、做好充分准备
首先要准备好摄像设备，尤其是电池和磁带。外出旅游拍摄，最好准备两块电池，除随机配送的电池(一般时间较短)外，还应再添置一块容量较大(2小时以上)的电池。使用时要节省，如少用液晶显示屏、少倒带，并利用休息时间随时进行充电，晚上一定要把所有电池充满电，以保证第二天拍摄需要。磁带尽量多带些，至少保证一天一盒。
其次要熟悉自己的机子，对各种按钮和功能键做到心中有数，尤其是液晶显示器的亮度和色彩的控制，有时会出现液晶显示器上看起来挺亮，而在电视上观看却偏暗的视觉差别。如果是新买的摄像机，不妨带上使用手册，随时学习提高。
再者要了解旅游目的地的有关情况，熟悉当地的主要景点和古迹，风土人情和历史，生态环境和气候等，现在这方面的书籍很多，在网上也有很多介绍。最好是先看看有关的纪录片，学学人家拍些什么，是如何拍摄的。
2、 明确拍摄主题
旅游摄影要突出游玩过程中愉快轻松的心情和记录秀美迷人的景色这个主题，以此来设定拍摄方案，确定拍摄的内容，把最有意义的场景记录下来。主要把握好人物与景色拍摄的比例和结合问题，既不能光有人物游玩的场景而忽略景色的拍摄，也不能光有景色而没有人物游玩过程和场景的拍摄。拍摄时，要利用不同的景别和拍摄手法来突出主题，比如利用大场面镜头(全景)或摇镜头拍摄介绍景区的大概面貌，用中景或特写表现重点景色和人物活动，用跟镜头拍摄家人朋友游玩的过程等。另外，游玩途中常会碰到一些意外的花絮，要及时抢镜头拍下来，对当地的独特的风俗、奇闻奇事也要尽可能拍摄，以增加片子的趣味性和可观赏性。
3、保持画面稳定
DV摄像上手容易，但拍好不易，其中最容易出现的问题是拍摄的画面抖动，因为 LCD屏幕小，抖动不易察觉，但到电视机上观看时就很明显，画面不稳定，令人的视线无法集中，时间长了就会头晕目眩。
造成画面不稳定的原因：一是没有握稳机身，因为外出旅游一般不会带三脚架，用手握持时，人的呼吸和肌肉颤抖会造成机身的抖动，有的人喜欢一手拿着摄像机，边走边拍摄，这很容易造成画面的不稳定；二是使用长焦或数字放大功能时容易造成画面抖动，因为焦距越长视角越小，轻微的晃动就会使画面颤抖厉害。要保持画面稳定，关键是要用两只手拿稳摄像机，两手肘部贴紧胸肋处，尽量屏住呼吸。摇摄转动时要扭动腰部而不是手部，跟摄时尽量降低重心，步子要平稳均匀。一般不要用数字放大功能，实在要使用时，最好放在墙、石头等固定物上，先调好放大倍数，再按摄录按钮。当然，最好的解决办法是使用三脚架。
4、合理运用技巧
推拉移摇是DV摄像中常用的拍摄技巧，但也常被滥用，许多业余DV摄像者特别喜欢将镜头拉来推去，摇摇移移，画面运动得太厉害，让人看了头昏脑涨的。推拉主要用在景别的调整上，如将全景推到近景，要点是推拉变焦杆时速度要均匀，一次性调整到位，中间不能有停顿，推镜头的落幅应是需要特别强调的场景，而不是变焦杆推到长焦端为止；摇镜头常用于拍摄大的场景，有上下摇摄和左右摇摄之分，如从下往上拍摄陡峭的山峰。在摇摄时要注意不要来回反复地摇，摇过去就不要再摇回来了，只做一次上下或左右的全景拍摄；移镜头是指通过移动摄像机进行拍摄，比如坐在火车上拍摄窗外的田园风光，旅游中常见的边走边拍也是移摄。
在进行推拉移摇时，要明确目的，有情景需要，不为推拉移摇而推拉移摇，不要反复使用同一种手法，避免摇来晃去。拍摄动作要平稳滑顺，画面流畅，中间无停顿：不能忽快忽慢。每个场景要有起幅和落幅，即在开拍处固定画面拍摄几秒钟，然后开始推拉移摇，到结束点再固定画面拍摄一段时间。
5、控制光线色彩
光线和色彩是决定画面质量的主要参数，一般我们使用摄像机提供的自动曝光及自动白平衡功能，在正常环境下能得到比较好的效果，色彩自然，影像清晰。但在旅游摄像中，光线是不受人控制的，有时候会出现曝光过渡或不足的情况：一是画面中有强光源或明暗对比强烈，会出现亮的部分曝光合适而暗的部分曝光不足的现象，这时最好是适当调整构图，减少过亮部分在画面中的比例。或使用手动光圈方式，按所要表现的人物或景物调整光圈。二是在阴影处的人或景物曝光不足，可以使用“曝光补偿”或手动光圈调整曝光量。三是光线严重不足，如在山洞内，可利用摄像机提供的夜景拍摄或超级夜景拍摄功能，不过这样的画面效果不佳。四是当拍摄从亮处到阴影处，如从洞口转向洞内，曝光变化很明显，刚转到阴影处时摄像机还没反映过来，画面较暗，可先调好手动曝光量，当画面变暗时按手动曝光控制键。或者采用分段处理，先拍亮处，暂停，转到阴影处，待摄像机自动曝光正常后再拍。
大多数摄像机提供多种白平衡设置，但切不可望文生义，如SONYDCR-PC115／120E摄像机有INDOOR和OUTDOOR，似乎INDOOR是室内的白平衡，其实正确含义是室内60瓦白炽灯这样特定照明条件下的白平衡设置，否则画面会呈现蓝色。大部分情况下，自动白平衡都能满足拍摄要求，除非要创作某种特定效果(如让灯光呈暖色调)，可手动改变白平衡以达到满意的效果。
6、挖掘内置功能
数码摄像机都有许多内置编辑功能，不仅能提高拍摄质量，也可方便后期制作。如针对特殊环境下，可使用肖像、沙滩与雪地、黄昏、风景等模式；也可应用一些内置编辑功能：如渐变、老电影、反相、马赛克、跳跃、间隔拍摄等特效。
7、防止DV损坏
野外旅游摄像容易遇到雨雾等天气，要注意保护摄像机，毕竟是几千上万元的贵重物品，因此随身要带上塑料袋以防下雨，不要让摄像机被雨淋到。在海边拍摄时要防止海水或水雾溅到摄像机镜头上，海水对镜头有腐蚀性，应立即擦干净。不要直接对着太阳等强光源拍摄，那样很容易损坏数码摄像机的感光器件CCD。一些DV机只有手带，没有挂带，最好自己做一条，挂在脖子上既方便又安全。另外，当发现镜头粘水或灰尘时，最好用专用的镜头清洗液清洁，不要用手纸擦，也不要用口去吹，那样容易损坏镜头镀膜层。
8、确保人身安全
外出旅游的目的是为了自己愉快高兴，拍摄时要注意安全，避免发生意外而伤心而归。特别注意两点：一是尽量不要边走边拍，在宽阔平坦的地方还可以，在有阶梯或凹凸不平的地方，容易发生危险，在山区和野外更要注意。二是不要越出安全警示线去拍摄，旅游部门会在危险的地方设置警示线，在警示线外的安全是没有保障的，所以千万别干傻事，切记安全第一。
摄影艺术的根源、特性以及表达方式
12点了，咱们开始。。。
咱们开始讨论摄影这个话题。有可能有同学觉得，既然是速成基础知识，上来就讨论摄影的艺术特性是否有点不切实际，好像大多数摄影的基础教材开头都是讲：什么是光圈快门焦距景深等等，讨论艺术一般都是以后提高的事情。。。。。。
其实不然。为什么？因为如果我们不知道我们要达到的目的，又怎么上路呢？我们都有自己的头脑，最忌讳做的事情就是不知道为什么要做一件事而去努力。这样只会吃力不讨好。所以，我们从摄影的目的开始。这就是：摄影的艺术特性。
首先我们来谈谈，什么是艺术。抛开很多玄妙的我也不懂的东西不谈，我的感受：艺术就是信息传递——不是真实的传递，而是夸张的带有强烈主观色彩的传递。
（旁白：就是那个。。。保镖甲：咳，你看到我看到的了么？。。。保镖乙：嗯，我看到你看到的了！。。。。）
在这个过程中，就有信息如何选择，传递和再现的问题。事实上，我们都知道，要做到一个活生生的场面的完整传递是做不到的。这并不是坏事：这正是艺术魅力的源泉。无论是看到的——视觉艺术，听到的——音乐艺术，想到的——文学艺术，尝到的闻到的——厨房艺术。。。。
（瞎扯~~给你一块砖。。。。什么厨房，跟摄影无关。。）
反正都是截取真实生活中间的一部分，然后利用人的生活经验和联想能力拼命扩展，产生通感，从而让别人强烈的感受到作者的感受，从而产生了艺术最基本的特性——感染力，也就是传递信息的能力（不一定保证真实）。
我们来举一个例子：
比如我看到了一只硕大色彩斑斓的鹦鹉，在快乐的飞舞和鸣叫。。。
（旁白：我看prefer你就比较像一只色彩斑斓的猪。。。。）
现在，我要讲我这种感受告诉你。我选择乐器，比如说听觉艺术，那么我使用乐器表现出春风，煦暖的阳光，鹦鹉快乐的鸣叫和飞翔的声音。。。
（旁白：天哪，难道鹦鹉是这么叫的么？我看猪才会这样叫唤。。。）
同时，我让观众产生通感，温暖的阳光。。。和煦的春风。。。欢快的大鹦鹉。。。这就产生了听觉艺术。同理，大家也可以自己感受一下，如果选择了文学艺术是怎样达到类似的效果的。
那么，如果我们选择了视觉艺术呢？
（旁白：那么我就拍摄一只色彩斑斓的猪。。。要点艺术手法？就用对比吧。好像prefer前面有一个飘飘MM正好用来做一个强烈对比，HOHO...）
那么，我们就可以非常形象的给观众一个色彩斑斓的鹦鹉，我可以考虑构图用光来表现色彩和鹦鹉的神采，可以利用环境衬托鹦鹉的生活，可以利用快门速度表达出鹦鹉的动态，可以选择瞬间表达鹦鹉最有特色的举动等等。。。。总之，我给大家带来了一只典型的鹦鹉，来源于生活但是高于生活的鹦鹉，我不仅将我看到的给你看，而且将我想到的融合进作品里面给你看了。这就是艺术的产生，具体一点，就是摄影这种视觉艺术性的源泉。
（旁白：HOHO,怪不得我看到了一只色彩斑斓的猪“融合了自己的想法”“来源于生活而高于生活”）
了解了艺术目的之后，我们要特别了解一下摄影独特的艺术特点。以便利用所谓扬长避短，充分发挥摄影的艺术魅力。
首先，摄影是一种视觉艺术。。。。
（旁白：给prefer一块转。。。如果再这样浪费时间。。。）
作为视觉艺术，要有最基本的特性就是要利用图形的类似，象征以及别的特点，唤起人的视觉感官的认同。同时，要利用好视觉艺术的特点并且认识到其局限性，通过形象，影调，气氛，色彩来让观众通过联想获得整体感受。
其次，摄影是一种平面艺术。。。。
利用两维空间（相片）做三维表达，有一定的困难，同时这种局限性又是摄影艺术特性的重要性质和手法。你可以遮蔽不想要的东西，也可以控制透视进行特别的处理，更可以拥有了欺骗眼睛的能力。具体做法后面讲到但是要注意，一定要注意：摄影是平面艺术，时刻想到这个带来的局限性和可以利用的工具。
（旁白：。。。一头平面的。。色彩斑斓的。。。猪。。。）
再次，摄影是一种减法艺术。。。。
主要是和跟摄影非常类似的绘画艺术相比较得到的结论。绘画的艺术特点来自于添加，而摄影的艺术特性来自于选择，也就是说，画家的本事是在一张白纸上添加出一个又一个形象的图画，而摄影师的本事基本上就是让他所不想要的东西从取景器里面消失。所以，关于摄影，能不要的东西尽量不要，这样才能够真正突出主题和获得艺术魅力。
最后，摄影是一种瞬间艺术。。。。
这是跟摄像想比较得到的结论。由于摄影就是看一眼，心理习惯大概就是1/30秒左右，因此，我们只能固定一点，也就是一瞬。怎么能够选择最能表达主题，最能感染观众的一瞬，是一个很重要的问题。摄影还有一个重要的任务就是如何在这一瞬之间，表达出时光的流失和运行。这样的作品才能留的住观众的眼睛，才真正耐看。
好了，这里主要讨论了摄影的艺术特性和艺术目的。大家知道了目的才好了解如何达到目的。摄影要动脑子也是为了这些。那么，下次我会谈谈如何利用相机实现自己的想法和艺术目的。。。。
（旁白：我听懂啦，原来摄影的目的就是表现一个平面的，瞬间的，减法的色彩斑斓的看得见的猪！。。。哈，你感受到了艺术的感染力了么？）
上回我们说到需要利用一些工具（相机）和技巧实现我们的艺术目的。那么，我们必须先来看看我们的工具是什么，并且了解一下如何使用。既然是视觉艺术，那么我们比照眼睛来谈谈相机，要知道，相机可是最成功的仿生学的成果之一。
我们开始吧，我们就是那个长着眼睛的打算创造摄影和相机的上帝。
第一日
上帝说：我要截取画面。。。。于是就有了取景框。。。。。
没错，我们正是利用一个或者是长方形或者是正方形的框来将我们要选择的景物和要舍弃的东西隔离开的。这可非常重要而且基本。其实大家如果要锻炼自己的构图能力的话根本不需要一个相机，在黑卡纸上扣一个长方形的小窟窿就够了，带在身上，看到有意思的图形就可
以拿出来练习构图。因为取景器达到了取和舍的最具意义的目的，因此是一台照相机上最有用的东西。为此，提示两点：
1。我们使用的照相机，根据取景方式分为：旁轴取景相机，单镜头反光照相机，双镜头反光照相机等等。其中第一个和第三个取景器看到的范围并非拍摄的实际范围。而第二个，单镜头反光照像机，由于取景和拍摄都是同一个镜头，所以理论上看到的就是拍到的。当然，除了几种专业机型做到100%之外，剩下的也就满足92~97%的水平吧。但是已经在近摄的时候展现出巨大优势。因此，学习摄影能从单反相机开始自然不错。
2。由于取景器具有如此重要的性能，成为上帝制造相机的第一天做的事情，那么取景器的制造水平和舒适程度成为使用相机的很重要的指标，大家挑选相机的时候要严格注意是否满足自己的喜好。事实上，尼康相机最让我满意的就是取景器：舒适明亮也就罢了，不知道为什么一般般的风景通过他的取景器一看就漂亮了许多，看这就像按快门，这感受多棒，越拍越想拍。。。。
其实，第一天我就是想跟你说，相机上有一个取景框，用来选择拍摄景物的，跟咱们眼睛也有个视力界限一样。（更类似于黄斑界限）
第二天
上帝不爽了，上下左右界定了，前后还没有分割呢。
所以，上帝说：还要有景深。于是，就有了景深。景深是什么东西？景深就是在照片上清楚成像的纵深范围。为什么会出现景深？因为肉眼对清晰的判断能力有限，模糊小于一定程度都算是清晰，我们定义这个模糊程度是底片上0。03mm(直径)
景深跟谁有关系？
1． 光圈越大，景深越小，光圈越小，景深越大。记住小光圈可以获得大景深
2． 焦距越长，景深越小，焦距越大，景深越大。记住广角镜可以获得大景深
3． 拍摄距离越近，景深越小，拍摄距离越远景深越大。
基本如此。
那么我们利用取景器和景深两个武器，就可以在自然空间里面割裂出来一个六面体，就是一片空间，然后将它压缩到相片的两维空间中，得到作品。原则不用讲了，选取自己感兴趣的部分，一定不要加入无关的部分，宁可损失部分主题，也不要一点杂乱东西。
这里我也要谈两个问题：
1。超焦距的概念：
总是要对焦，来不及而且烦人，怎么办？
将镜头上无限远的标志对着所选光圈的远端景深刻线，近距离这边的刻线所指示的就是最近清晰距离。这时候景深最大。
同理：如果我拍摄篮球赛，队员最远不过12米，最近不过2。5米，选择一个可以涵盖这个范围的光圈，利用景深表摄定好了就可以不考虑对焦用于抓拍是不是很爽？
2。景深预测：
太多人在版面上问过了什么是景深预测。。。
其实景深预测就是所见即所得，镜头光圈收缩到实际拍摄的时候所处的的位置，让你看看成像效果怎样。当然，肯定比最大光圈的时候暗啦，成像也一定比最大光圈的时候要好了，清楚的范围比最大光圈的时候要扩展了。这就可以仔细看到实际拍摄的时候的景深状态，以便拍摄者选用合适效果的光圈（合适的景深），当然如果没有满足自己的效果可以继续调整。具体效果聚会的时候演示过了。
第三日
上帝拿着一个只有取景器，光圈的相机玩的没有意思了，于是。。。
上帝说：我要有截断时间的东西--于是快门就诞生了。
上次我们说到，摄影是一种瞬间艺术，所以，能截断时间留下一瞬间的感受，图像，是摄影的最根本特征。快门是摄影表达关于时间概念的重要武器
人的心理习惯，看一眼就是1/30，所以1/15~1/125都属于中速快门。这样的快门不带有特别的感情色彩，给人的感受就是看一眼，带有纪实性质，也是我们最常用的快门。如果你要表达的主题跟时间无关，更注重表达图形性质，构成性质和平面性质的话，可以选用这样的快门。
2~1/15秒属于慢速快门,它将一个较慢时间里面发生的事情，压缩到1/30的心理时间给观众看，突出了运动的概念（当然还有别的意味，大家自己观看作品的时候体会吧，基本来源就是让观众觉得反应变慢，恍惚和寂静）。
1/250~1/4000属于高速快门，超过人眼的反应时间。这样就可以通过快门留住影像，将很短的时间延展给观众看，有时间拉长的效果，突出了静态的效果（当然也有别的意味，比如很有超现实主义的感受。请看作品：原子的达利）。
综上所述，快门就是压缩或者延展人眼时间视觉习惯的装置，赋予作品时间感受，从而弥补瞬间特性的局限性，同时创造艺术效果。
关于快门，我也有两点要说一下：
1，快门速度过低，受拍摄者手震影响很大，一般原则为了清晰度快门不要低于镜头焦距的到数，比如使用100毫米镜头，那么快门不要低于1/125秒。否则就应该使用三角架。
2。现代单镜头反光照相机使用的都是焦点平面快门，在某一个快门速度值（一般在1/60~1/300之间）以下，快门是全开的，前叶片走到头，一段时间之后后叶片才跟上，因此可以在这时候使用电子闪光灯。但是超过这个速度（闪光同步速度）前快门叶片没有到头之前后片就跟上了，形成狭缝扫过焦点平面，达到感光量上提高快门速度的目的，这个时候，如果使用发光时间非常短的电子闪光灯的话，只能在胶片上留下一个狭缝的感光部分。这就是闪光不同步。因此，慢速快门配合闪光，是拍摄夜景最好的方式：主体和背景都可以正确感光。
第四日
上帝决定要去买胶卷了。。。。哦不，错，上帝决定要。。。
上帝说：要有胶卷。。。所以有了胶卷
什么是感光度？感光度就是表示这种胶卷，达到正常的效果，所需要的照射光量。也就是说，快速胶卷比较弱的光量就可以达到跟比较慢速的胶卷比较多光量照射一样的效果，或者说：密度。我们可以利用水池子比喻一下：同样是为了填满水池表示满意，感光度高的胶片池子小，一点水就可以装满了，感光度低的池子大，很多水才能装满。
相应的：光圈类似于注水管道的粗细，快门类似于管道注水的阀门，开通多长时间。所以，同样的水量，大光圈（粗管道）所需要的快门（阀门）开启时间短，小光圈（细管道）所需要的快门（阀门）开始时间长，这样胶片才能正常感光。也就是说，在胶片制约下，光圈和快门呈反比关系，而且相机上的表示一档一档是对应的。由于有了胶片的制约，往往我们不能同时拥有大光圈和高速快门或小光圈和低速快门。所以，感光度真是一个坏东西！！！希望未来的胶片可以不这样限制。
这里我还有两个问题要说一下
1． 高感光度的胶片颗粒粗，色彩相对表现要差，反差大，宽容度小（不允许曝光误差）低感光度的胶片颗粒细，色彩浓艳饱和，反差柔和，宽容度大（可以有曝光误差）中速的胶片。。。。便宜！呵呵，比如乐凯100，富士100，柯达100，柯尼卡100等
2。倒易率失效。刚才所说的光圈和快门的制约关系叫做倒易率。当胶卷受光照的时间短于1/6000或者长于10秒，这个规律将不能保持，这是制造无法完全理想的缘故。黑白胶片需要延长曝光量，彩色胶片不仅要加大曝光量还要校色调整。具体数据需要实践试验获得。
第五日
上帝说：我想要有很多的镜头。。。于是有了很多的镜头。。。。
镜头焦距对最后我们获得的结果影响是巨大的。
4，6，8，15，16----〉鱼眼镜头：提供强烈的透视效果，近大远小，边线弯曲
19，20，24。28。35---〉广角镜头：同上，边线是平直的
43，50，58，70，85，100，105---〉中焦镜头：比较合乎人眼透视感受。
135，180，200，210，300，500，1000--〉长焦镜头：望远镜头，压缩透视。
变焦镜头
就是移动透镜租，达到改变透镜f的镜头，使用方便。焦距能决定透视关系和景深大小，是非常有表现能力的工具。大家可以依据自己的需要用好这种工具。上帝为自己的这种发明感到无比自豪。需要注意的事项如下：
1。普遍认为：定焦镜头比变焦镜头成像好，价格低，光圈大；
变焦镜头比定焦镜头使用方便，有利于构图和抓拍。 <
就是移动透镜租，达到改变透镜f的镜头，使用方便。焦距能决定透视关系和景深大小，是非常有表现能力的工具。大家可以依据自己的需要用好这种工具。上帝为自己的这种发明感到无比自豪。需要注意的事项如下：
1。普遍认为：定焦镜头比变焦镜头成像好，价格低，光圈大；
变焦镜头比定焦镜头使用方便，有利于构图和抓拍。
昂贵的镜头成像比一般的镜头要好。
每个镜头都有自己的最佳光圈，为中间值，一般是8或者11
初学者应该以50毫米定焦镜头为练习镜头
我认为： 什么镜头都够我们不靠摄影吃饭的人用了，好好用好手里的器材是最实在的。
2。50mm焦距的镜头视角并不等于人眼，仅仅是透视关系跟人眼的感受类似。
3。“调焦”指的是调整v(像距)，“变焦”指的是调整f（焦距），基本上我们无法调整物距u（你总不能把山搬来搬去吧），不过如果你脚下勤快到是可以，（你至少可以将自己搬来搬去，hoho,脚下勤快很重要阿）
第六日
上帝为了刺激市场购买力，给照相机加装了各种各样的测光表，外壳眼控，闪光灯，3D矩阵，眼启动，35分区，自动对焦，自动曝光，高速同步，卷片马达，多衍射镜片，镁铝合金机身，非球面镜，萤石镜片，超声波马达，液晶显示板，发明了光圈优先速度优先程序偏移超级模式，最后上帝对胶卷一怒发明了数码相机。。。。。。
基本上第六天上帝就干这个了。
第七天
上帝给自己放假休息。。。。
prefer将这个叫做相机的的东西偷出来给大家玩，hoho.
看看，相机多么类似于一个眼睛啊！
1。取景框：眼睛的视野
2。光圈：眼睛的瞳孔大小（会随着外界光线强弱变化阿）
3。快门：呵呵眨眨眼睛--其实就是眼睛的瞬间印象。
4。镜头：眼睛的晶状体
5。底片：眼睛的视网膜，其实也分暗视觉（高速卷）明视觉（低速卷）
6。自动对焦，自动曝光，自动白平衡。。。。。hoho
7。休息啦，都可以盖上镜头盖，哈哈，闭上眼睛。
相机的结构功能就是这样，好记吧？
上回讲完了照相机这个工具，其实按照道理有了想法，有了工具就可以去创作了。怕大家谦虚保留，这里我就麻烦再提醒大家一些基本的艺术创作技法，特别是摄影艺术的基本创作手法。
1.构图
构图是选择和舍弃的过程，构图的时候一定要能够确立主体，并且用一定的方法确立主体地位（即突出主体），比如：大小，兴趣中心，明暗，色彩等等。构图是平衡所选中的图画要素的过程，选中了主体，陪衬，前景，中景，背景，就要围绕兴趣中心进行安排。安排的原则如下：
（1）突出主体
（2）画面平衡
（3）组织活泼不死板
（4）需要表现空间透视的时候，要能够将前景中景和背景安排的体现三维空间结构。
构图基本方法：
（1）黄金分割法
经典的构图方法：0。618体现出来的是经典的，古典的平稳的美，是大多数作品的设置方法，跟三角形构图结合使用稳重和谐。照片画面上中下分成三个部分，坐中右分为三个部分，成了一个井字型。这四个焦点就是兴趣中心，也就是主体的最佳位置。比如人像的眼睛。一般安排主体再这个井字的一个焦点或者一条线上，然后人物面朝的方向多留一点空间（2/3强），人物背后少六点空间（1/3强）。按照黄金分割方法，可以直接获得三角形构图法。底边跟照片平行，高是井字的一条边。可以形成非常稳固的构图，适合表现经典肖像和建筑，高山等等。
（2）对角线构图
构成主体和陪衬的一大一小两个画面因素安排在照片的对角线上，可以构成很有意思的对比，以及突出动感，是很有用的构图方式。
（3）放射构图
花朵，轮辅等等可以形成自然的放射状结构，引得观众目光指向中心，在中心放置主体，以达到突出主体的目的。
（4）O型构图
树枝，草叶，窗户等等会形成天然的框，围住主体，也能达到突出主体的意味要记得黄金分割的原则，不要呆板了。
（5）S型构图
拍摄人流，水流，车流，贯穿对角线的S型往往非常有魅力，值得应用。
构图有最基本的要求，就是：
（1）横平竖直，地平线不平，改竖直的东西歪斜是非常难看的。
（2）画面平衡：仿佛中间有一个支点，色调浓重的密度大，色调暗淡的密度小，最后在中点可以平衡
（3）不留没有意义的空间：构图要饱满，上留天下留地，都不过分.竖型主体使用竖幅，横型主体使用横幅，不要浪费。
（4）不要发生切顶去脚的现象。
2。测光原理以及十一分区曝光法
无论中央重点平均测光，多分区测光，点测光，3D矩阵测光，其实都是一个原理。那就是，测量一个主体的发光光强，给出一个合理的曝光组合，让这部分主体在照片上形成18%的灰度，记我们所感受的中度灰，我们定义这种灰度：第五区灰，同时定义有第零区彻底的白和第十区彻底的黑，一共可以得到十一分区，从百到黑。每个分区受光照射量差一档光圈（在标准传统黑白加工工艺）
那么，根据曝光表所提供的第五分区的测光值（对一个部分测光，测光标只能提供第五分区的曝光组合），我们就可以自由安排了。
比如：我测量了雪的曝光，得到了一个测光值：1/250,F16,这样的曝光会让雪拍摄成中度灰色。但是我想得到很白的雪，稍微有点层次，想处于第二区（第二区很白了），所以我确定拍摄雪的曝光组合是：1/250，F5.6,开大了三档光圈。
同样，我测量了煤炭的曝光，得到了一个测光值：1/125，F2.8,这样的曝光值会将煤炭拍摄成中度灰色。但我想得到很黑的煤炭，也是稍微有点层次，希望将煤炭处于第八区，那么我就缩小三档光圈，或者提高三档速度，这都可以。得到合理曝光值：1/125,F8.
这就是使用曝光表的方法。千万不要让测量值骗了自己。直接用获得的测光值只能得到中等灰度，除非这就是你想要的，否则应该根据情况做出调整。
大多数同学的相机是中央重点平均测光。要记得相机测光标绿灯亮了指示的是现在取景器里面图像的均匀亮度所得到的中等灰度曝光水平。如果你要拍摄的是高调照片或者是低调照片，尤其是背景是耀眼的雪或者大面积的黑暗，或者出现光源（比如太阳），那么曝光值会非常受影响。拍摄者可以凑近主体测光再进行补偿，或者按照经验进行补偿。
下面有补偿经验：
（1）雪地背景，拍摄人像：正补偿1。5~2。5档
（2）逆光人像，正补偿2~3档
（3）暗背景，人脸有光源，负补偿1~2档。
最后的原则，拍摄负片，宁过勿欠，黑白负片+3~-2都可以接受，彩色负片：+2~-1可以接受。拍摄反转片，宁欠勿过，0~-0。5可以接受。刚开始拍摄照片，认真认真思考一下曝光效果，对日后控制影调非常有好处。
3。基础表现手法：
（1）类比与对比(和谐与冲突)
类比用来进行呼应，对比用来进行突出。类比将画面组织起来，对比突出重点，往往是兴趣中心。无论主体的位置，大小，趋向，明暗，色调等等方面均可以进行类比和对比，这样的作品有趣味，耐看。
（2）质感和影调
质感是一幅作品的皮肤，你要给自己作品最后得到怎样的表达，需要通过质感来表现。比如使用粗颗粒的胶片表现风烛残年的老人，枯树等等。使用细腻的胶片表现小女婴儿，应该更合适。影调是一幅作品的骨骼，所谓风韵之致。合理的影调类似与音乐作品，从一开始就决定了摄影作品的基调和运行，给人以美感。基本要求是：一幅作品不能没有纯黑和纯白的地方，否则会让人感到作品松软无力。（没有纯黑纯白的灰调作品也是有的，但是对拍摄者要求极高）
（3）节奏与旋律
这是从音乐通感来的说法。意思是说：通过影调的或者图形元素的重复得到一种节奏的美感。这样的节奏可以是舒缓的，轻漫的，也可以是急促的，浓重的。可以是单向的也可以是二维的，甚至是模拟三维的。光有节奏会让人感觉单调，因此节奏的变化至关重要，这就是旋律。
从序幕，到发展，到高潮（主体，或者兴趣中心）到结束，要有变化，而且变化要给观众美感。
（4）写实与写意
没有写意是可以完全脱离写实而存在的，写实如果没有写意的统帅就会变得没有生命。也就是说，大家摄影的时候要注意主题的刻画。这些方法大多数与别的种类的艺术创作手法类似。所以提高自己的综合艺术修养，是提高摄影艺术创作能力的根本方法。
这些最基本的原则就写到这里了。其实只要抓住艺术创作的根本就不一定要受这些原则的拘束。都是为了表现摄影主题服务，为了表现大家自己眼中的世界而服务。所以，永远要记住，没有客观的艺术，艺术本身就是主观的。所以，摄影创作也是主观的认识过程。摄影技术很简单，但是艺术的磨练需要很长时间。而让自己有一双善于发现美的眼睛和敏锐的心灵，更是难能。
最后，我要说一句，跟从事所有的艺术一样，摄影如做人。摄影作品是作者眼中的事物，所以作者的心灵会自然而然的展现在观众面前。那么是否有一颗追寻美的心灵，做人是否正直热情，都会在作品里面体现，也会在锻炼摄影的过程中逐渐涤荡心灵，成为更加纯粹的人。因此，要提高摄影水平，也勿忘先学做人。不知道大家有没有发现在摄影圈子里面总是遇到好人？呵呵除了兴趣相投以外，我想，同样的艺术追求和对美好的向往塑造了同样晶莹的灵魂。
前面说了那么多理论，我们现在分析一个实例。
假装。。。。
有一天我来到了一个高山流水的地方，我看到了潺潺的小溪柔柔的流动着，山林的幽静，馨香的湿润的空气，好美啊。尤其是这个小溪，太让我动心了。此时，我看到了一袭白裙的一个姑娘，身形柔美，极具东方美女特征。。。我要表现这样的美景给观众！。。。所以我开始。。。
（旁白：我才不信这人看见美女还有心思拍照呢）
我观察了一下，认为最让我动心的特点，就是一个柔字。重点表现小溪的柔和白裙女孩子的柔和，这样的类比带来了和谐的影调和气氛。小溪边的石头，粗楞的表面是表现小溪柔和与
女孩纤柔的绝佳衬托，这样的对比更加衬托出小溪与女孩的柔和。
然后我要表现小溪的柔和，使用夸张的手法，我觉得应该曝光1秒~2秒，这样小溪流动就会在我的像片上形成类似雾一样的在石头之间缠绕，让女孩舒适的侧卧在岩石上，形成柔和的曲线，带来对比，也比较适合慢门维持。
为了表现风景我需要比较大的景深，为了不变形，我使用了50mm标准镜头或者35mm小广角（为了更大的景深）然后我测量了当地曝光数值，最后确定了曝光组合，使用25度的AGFA APX25胶片（颗粒非常细致，刻画性能好），曝光1秒，光圈F16。
于是我做成了这幅作品。
拍摄完了，我觉得对安静的气氛的表达还不够。所以，我需要别的衬托的物品，我想到了鸟鸣山更幽的说法。所以我决定要找一只青蛙。所以我如下构图：小溪：S型构图，人物处在黄金分割点上，正好有一缕阳光撒下，人物对角线对称处有一只青蛙蹲在那里悠闲的样子。于是我完成了第二副作品。
(旁白：头旁边有个癞蛤蟆这个女的还不跳起来？牛，是不是就是一个蛤蟆精啊。prefer惨了）
这样的一幅作品，有空间感，前中后景和透视。有时间感，溪流流动具有时间因素。给你以恍惚仙境的感受。有类比衬托，有对比突出，溪流的形象有节奏也有韵律。胶片的选择是为了突出质感，一缕阳光撒向美女身上散发出圣洁的光辉自然改善了作品的影调。这样的作品比较耐看。
这仅仅是一个例子，大家在拍摄的时候运用好自己手中的武器，可以得到很好的效果的。只要是经过思考的，都是好的。
hoho,累死我了。
是谁建议发到版上的？赔我的手指头。。。唉呦~~~
对了，写这个讲稿参考乐几本书，很不错。
1。纽约摄影教程
2。亚当斯论摄影
3。简明黑白摄影教程
4。美镜头--摄影审美与表现方法（此书行文极其恶心，但是内容是正确的）
5。摄影的色彩设计
6。现代摄影百科丛书（湖南科学技术出版社）好书，推荐给新上路的朋友。
买这个相机的时候也看了很多其他相机的资料，一分价钱一分货就这样！602算性比价比较高的相机之一。买了没几天S5000就上柜了，经过了解S5000是304的升级版本，甚至功能没有602强大，心里也不酸了！～毕竟就多了个10X的镜头，以其他功能做代价有点不值得。这两天看了柯达6490的测试报告说存储的时间特别慢嘿嘿～总之买了602一点都没有后悔。
优点：
镜头全段2.8光圈，最小光圈F11，而很多消费级得DC最小F8
色彩真实，除了红色跟绿色表现过分了点外，人像皮肤的颜色表现很令我满意。
拍摄的原图看起来很多颗粒，可冲洗6寸照片上很漂亮，发到论坛里的都是压小了看起来很不错，其实原图很吓人的，不过大多DC如此。（关于成像方面，现在我更加喜欢佳能的软软的风格了）
紫边很少出现，比A70少，可以完全忽略。
快门时滞小，我第一次接触DC是SONY的P系列的一个机器，给我造成了巨大的心理阴影，认为DC的快门时滞都是不可以接受的，S602很不错，抓拍没问题，把LCD预览关了后拍下一张更加快。
手动功能强大，ISO160-1600——这个很重要，尤其是晚上的聚会活动没有这个高ISODC的照片惨不忍睹。尤其在ISO400的躁点可以接受的范围，甚至在ISO800的也不错！～～
镜头6X相当于35MM的210，基本可以满足常用的拍摄了，数码变焦也在接受的范围。
微距拍摄绝对是602的强项，用超微距的时候经常AF对焦到UV镜片上的灰尘了～
LCD和EV都不错，LCD还过分亮了，现在调整到底两档的亮度，减少了被LCD骗的可能性.
而且有局部放大功能，就是对焦时放大中间部分方便仔细观察。这个方面好像比C7X0要好点。
支持SM和CF卡，可以同时用两张卡，同时，这两钟卡都不贵，几乎是XD的一半的价格了。也支持IBM微型硬盘，这个要投资也不错，以后升级到单反的时候也可以用上。
外形比较专业，在一定的场合起点作用。呵呵也可以说是缺点，加了UV转接环后几乎和717差不多大小了，外形方面没有佳能G3做得有味道。
其他的什么什么功能是手动相机的基本的东西，不值一一描述。
缺点方面也不少：
光线不足时，对焦困难，我有个朋友用G5也有抱怨这个 ，这方面除了717做得好外其他一个都差不多
广角端严重变形，不过拍摄时候注意一下，实在不行就用PS调整。
好多用户都把开机时候镜头声音大说成是缺点，我不这么认为，大点就大点不影响使用。
ISO160，没有更底底了！～看着FZ1的ISO50，心里郁闷的很！～
删除照片时候会回到后面得一张，而不回到前面得一张，很不方便，除非是从前面往后删除。
没有想C70X0那样的在相机里直接旋转的功能，到电脑里才可以旋转。
精细度，分为标准；锐利；柔和三种，经查资料发现之有在“柔和”模式下才是没有被机器处理过的图象，而“柔和”模式照片很软，只好在PS中加锐利度了，（PS里后期加锐利比机器本身的效果好很多。
关于漏油和进灰到现在还没有发现，这个就是602的潜伏炸弹，我做好思想准备了，反正在北京修理比较方便。
大多进灰的机器都是用户经常清理镜头的灰尘造成的，我懒！～不清理嘿嘿～有个高手说过：新手不要太在乎镜头上的灰尘和指纹，这东西给照片造成的影响远不如曝光或其他技巧使用不当造成对照片的影响大。
作者：何永翔 来源：《人民摄影》
在摄影实践中，经验不足的初学者，常会出现一些失误。笔者把初学者常见的18种失误分别列出，并简要分析失误原因，提出防止方法，供初学者参考。
1、用广角镜头拍出的照片四角发黑
主要是由于闪光灯覆盖面与广角镜头的视场角不匹配。老式闪光灯设计的闪光覆盖面大都只能与35mm的小广角镜头配套，28mm广角镜头的视场角比35mm镜头大12度，因此使画面四周受不到光而发黑。防止的办法有二条，一是在灯光上加散光罩，使闪光成为散射光，以扩大覆盖面；二是用白纱布蒙住灯头，让光线散射，使整个画面都能均匀受光。
2、 画面影调模糊
在排除了相机无故障和手震等原因后，就要检查镜头是否被灰尘覆盖或被污渍染涂。如遇到这种情况，切忌用嘴吹或毛巾擦。应用吹气球吹去镜头上的尘土，再用镜头刷拂去杂物，最后用镜头纸擦拭，使镜片明亮如新。如仍有汗渍、指纹和油垢，就要送相机维修店用镜头清洁液仔细清除。
3、 主体人物模糊，背景清晰可辨
有两种可能，一是手动对焦相机对焦时，焦点没有对着主体或是主体对焦后，在构图中又移动了位置，未重新对焦，使主体不在景深范围之内；二是使用自动对焦相机时，没有按快门“锁定”焦点再重新构图，使焦点在构图中向别处飘移。
4、 团体合影照片前几排清晰，后几排模糊
凡是多排合影照，要保证每个人影像清楚，就要做到三点：一是选择性对焦。五排人合影，选择第二排的对焦；七排人合影，选择第三排人对焦。二是光圈不要设定太大，一般以f4－8为宜，以保证有足够的景深。三是快门速度不要低于1/60秒，以免有人头部转动使影像发虚。
5、 胶卷没有曝光
主要原因有二：一是傍轴取景相机拍摄时忘记揭镜头盖，取景器中景物清晰，但成像光线没有进入镜头，胶片没有感光。二是手动卷片的135单反相机装片不到位，卷片时没有注意看暗盒片轴是否在相应转动。由于片头滑脱，搬动卷片把手时，虽然快门上了弦，计数器照常计数，但胶片在暗盒中纹丝未动，计数器虽显示36张拍完，实际上没有一张胶片感光。
6、照片四角有黑影
主要原因有二：一是遮光罩与镜头焦距不匹配。把50mm标准镜头的遮光罩用于28mm焦距的广角镜头就会阻挡进入镜头的光线。因标头的视场角为47度，而28mm广角镜头的视场角为75度。二是用28mm广角镜头拍摄时，原已在镜头上戴有一块UV镜，如再戴一块偏光镜的话，由于偏光镜是两片玻璃叠合而成，边框很厚，再加在UV镜的边框，必然遮挡进入镜头的光线，使照片四角发黑。用广角镜拍摄时如需用偏光镜，一定要先卸下UV镜后再装偏光镜，才能使画面均匀受光。
7、 影调死白或晦黑，缺乏影纹层次
无论照片是黑白或是彩色，只有曝光准确，才能获得明快的影调和丰富的层次。照片死白是曝光过度；照片晦黑是曝光不足。机内测光系统是按18％的中灰反光率设计的，它可以使大多数景物曝光准确，色彩还原，但遇到某些特殊光线或景物，就需要在测光的基础上进行修正。如拍摄雪景如不增加1.5－2级曝光量，白雪就会成为灰白色；如拍摄煤炭，如不减少1.5－2级的曝光量，黑色煤炭就会变成深灰色。因为无论多么高级的相机，也没有思维功能，只会把一切景物千篇一律地按反光率为18％的中灰色调处理。
8、 用电子闪光灯摄的照片仍然曝光不足
原因有二：一是光圈设定过小。闪光灯的闪光速度一般都在1/1000秒以上，快门已失去控光作用，主要靠光圈大小控制曝光量。没有自动档的闪光灯拍照，要先计算光圈系数 。二是闪光灯电力不足。新买的闪光灯要经过十余次的充、放电，让灯内电容活跃后再正式使用。旧闪光灯充电信号灯点燃只充了70％，在点燃10秒钟后才能真正充满电能，供正常使用。
9、单反相机用闪光灯拍出的照片，有半幅画面是黑影
这是由于单反相机的帘幕快门与闪光灯不同步所致。单反相机用闪光灯拍照，要注意相机的闪光同步（各相机速度不同）。
10、 人像照片背景清晰艳丽，人物脸膛昏黑
一是逆光拍摄时使用了平均测光，又没有对人物面部补光；二是背景明亮（雪景、沙漠、海滩），使用了内测光推荐的数据进行曝光，背景曝光适度，人物曝光不足。对此有三种办法解决：一是用闪光灯对人物进行补光；二是在测光的基础上加大1－2级曝光量；三是走近人物对准脸部测光，“锁定”曝光量后（用测光记忆钮或改为手动曝光），再退回原位构图，对焦，拍摄。
11、 团体合影，周边人物残缺
这有两种情况，一是用平视取景相机拍摄时忽略了视差，画面装得过满；二是使用单反相机虽无视差，但画面四周没留余地，扩印时四周压掉了一些画面，彩扩机只扩印出底片画面的95％左右。所以无论使用什么相机，构图时都要留有一定的余地。切忌人物顶天立地，塞满画面。
12、 照片有划痕
如果是底片上有划痕，可能是两种情况造成的。一是大盘片分装卷使用的旧暗盒被污染，出片口绒布上夹有砂粒，划伤了胶片；二是相机背后的压片板上有毛刺，卷片划伤了胶片。使用分装卷前，最好把片头缩进暗盒，用吹气球和毛刷仔细对出片口的绒布进行清洁处理后，再引出片头使用。如相机压片板有毛刺，可用一小块0号砂纸小心地磨掉（注意不要磨伤压板上的漆膜）。
13、 整幅照片影调偏蓝
一是色温很高造成的。阴天或薄云蔽日的天气，自然光色温高达7000－12000K，没有使用校色温滤镜；二是四周有茂密的林荫或巨幅蓝色广告、幕墙等环境反射光的影响。解决办法是在拍摄时，使用一块雷登85B降色温滤镜，如附近有蓝色环境光反射，尽可能移往开阔场地拍摄。
14、 整幅照片影调偏橙红
以下3种情况都可能使照片影调偏红。（1）日光型彩色胶卷在灯光下使用，又没有使用雷登80B色温转换型滤镜；（2）早晚阳光的色温只有3200K，低色温造成橙红色调；（3）周围有巨幅红色广告或红色建筑物，反射红色光。
15、 用闪光灯拍摄人像时，背后投影浓重
机位闪光拍摄，如人物离背景很近，就会有黑色投影映在背景上。解决办法有三：一是人物离背景远一些，让投影落于地面；二是拆下闪光灯用软线连接进行侧位闪光拍摄；三是利用浅色的天花板或墙壁进行反射闪光拍摄。
16、 使用闪光灯，人像眼球血红
红眼现象在弱光中进行机位闪光容易出现。原因是黑暗光线下，人眼瞳孔放大，闪光灯的强光突然照射，瞳孔来不及收缩，强光直射视网膜，视觉神经的血红色就会出现在照片上形成“红眼”。克服的办法有四：一是拆下闪光灯用软线连接进行侧位闪光；二是让被摄者目光不要直视照相机镜头；三是拍摄前让被摄者注视电灯、窗口等强光源三分钟或预闪一次再拍；四是使用有防红眼功能的闪光灯。
17、 拍摄的电视画面上有快门条纹
我国电视系统每秒传送25幅画面，如果快门速度高于1/30秒，就会出现快门条纹。普通相机拍摄电视画面，快门以1/15秒为宜。
18、雪景影调灰暗，白雪不白
这是由于曝光不足造成的。雪天地面反光很强，测光表仍按18％反光率设定曝光组合，会把雪景还原成中灰调。如按平均测光或偏中央重点测光曝光，就欠曝1－2级，白雪就成为浅灰色调 。防止办法是，按测光读数增加1－2级曝光量（开大1－2档光圈或降低1－2档快门速度）进行补偿。
人像的造型:
如果你在日落之后不久的黄昏拍摄城市景色，那么浅色的天空将成为灯火通明建筑物的漂亮背景。漆黑的天空可以为夜间照片增添戏剧性，但需要等较长的时间。
用照相机面对面地与人们交流，记录他们的喜怒哀乐，恐怕是摄影题材最生动有趣又变化多姿的一个方面。
我们在拍摄人像时，不管他的动作、神态是否自然真切，照相机镜头捕捉的总是某一瞬间的人物形象，包括脸部的神态、身体的造型以及与周围环境的默契。离开了人物形象的塑造，进入人的心灵也就成了一句空话。
从人像摄影的造型分类来说，头像最宜于表达人物的表情，半身人像最宜于表现人物的性格和姿态，而全身人像的最大优点是能让人物与周围的环境构成有机的联系，便于营造画面的情调与气氛。
我们先来看脸部的造型。脸部的基本角度，从水平面上看，一般可以分为正面、四分之三侧面和正侧面三种。
正面像如同一张证件照，表情容易显得呆板，但是正面像很容易描绘那双沟通心灵的眼睛，如果被摄者有一张椭圆形匀称的脸，正面像也能获得满意的造型效果。
如果让脸往左或右侧一些，让另一面的耳朵刚好看不到，就是摄影中最常拍摄的四分之三侧面。这时既能比较全面地表现一个人的脸部形象，又会因脸部的变化而显得较为生动。由于受发型和其他因素的影响，向左还是向右转，对造型效果也会产生影响。
侧面肖像有一种戏剧性效果，由于人们平时看不到自己的侧面，所以会对自己的侧面像感到新奇，也容易感到失望。特别是一般人的侧面像并不太美，选择时就应该慎重。
除了水平面上的转动之外，人脸俯仰的角度变化也很有讲究。头部稍微俯低些，适合于脸型比较胖的人，使脸型变得瘦削些，也容易产生柔和谨慎的造型效果。如果头部稍为仰高些，适合于脸型比较瘦的人，使脸部变得胖些，同时能表现一种高傲感，并给人以坚强自信的印象。
接下来看看身体的姿势安排。记住一个有用的原则：头部和身体不要形成一条直线，也就是当身体正面对着镜头时，头部应稍微向左或右转一些；而当双眼正视镜头时，应让双肩转动一定的角度，或是让双肩上下倾斜些，这样会使画面更富有动感。比如拍摄坐着的半身像，不妨让人物侧坐呈45°或90°，然后让上身转向镜头，通过扭动产生理想的曲线。全身的人像也应该避免下面的站立姿势，同时对两条腿的重心支撑也要有所侧重。
在人物的姿势中千万不要忽略了手的安排，手的变化丰富多样，它既可以强化人物的神情，也可以起到装饰画面的作用。在以脸部为主的肖像中，手可以放在脸的一侧，或轻托，或斜倚，但与脸部的接触不要太用力，以避免脸部变形。在半身和全身像中，可以将双手抱在胸前，或以手抚过头发，或者轻抵下颚，也可以拿些小道具，以活泼画面。常言道，“手之善于表达感情，仅次于脸”，可以作为拍摄时的参考。
人像的用光:
除了形体造型，用光也是人像摄影中的一个重要因素。比起风光摄影，人像摄影的用光更为自由，因为自然光的变化只有等待才可能得到，而人是可以走动的，不同的角度可以营造不同的光线造型效果，更何况室内的灯光人像还可以调动各种光源，创造出变幻莫测的我影效果。
如果从光的照射方向来看，正面光是人像摄影中用得比较多的一种光线。尽管下面光比较平，很难表现立体感，但正面光对色彩的还原比较有利，特别适于表现女性皮肤的光洁。正面的光照不仅使肤色显得洁白细腻，而且使瘦削的脸庞显得较为丰满。有经验的摄影师在运用正面光拍摄女性肖像时，常将主灯的位置放高一点，使人物的眉骨和鼻子底下产生小的投影，既利用正面光掩饰了人脸的皮肤瑕疵，也因投影产生了有效的立体感，这种被称为蝶形布光的方法在女性摄影中非常流行。但在实际拍摄中应注意一点，蝶形布光法不适合脸庞太瘦或是颧骨太高的女性，否则容易使人脸变得更瘦。
45°的前侧光在人像摄影中用得很广泛，它既有一定的照明面积，也使脸部有了凹凸的立体感，影调层次、线条轮廓等都更为丰富。如果脸部呈四分之三的侧面，光线从另一面射来，照亮了四分之一脸的全部和四分之三脸的局部，这种用光就是典型的伦伯朗用光法。这种光线，加上深色的背景，会使人物熠熠生辉。伦伯朗用光法较多地用于男性形象，表现一种刚毅有力的气质。
人像摄影还经常运用逆光将人物与背景分离。强烈的逆光可以将人物的脸部和变化经多姿的发型勾苗出手动的轮廓线，将人物推到观众的面前。逆光作为主光使用时，人脸往往比较暗，需要另外补光，但补光不要太强，以免冲淡了逆光效果。
拍摄家庭室内人像，可以自己动手准备一些简单的照明设备，比如找几个灯架，装上300瓦—500瓦的灯泡，加上反光罩，就能在室内营造各种光照的气氛，拍出较理想的人像照片。由于这些灯光的亮度不是很高，因此在拍摄时最好用三脚架把照相机支稳了。另外，在这种灯光条件下用彩色胶卷拍摄，由于色温关系，颜色会偏黄、偏红。最理想的光源当然是同步闪光灯了，只是价格比较高。
在室外拍摄人像，上午9—10时和下午3—4时是最理想的时机，人物可以转动身体或脸部，获得理想的光照效果。
除了光照角度，还要注意摄影用光的质感，也就是直射光和散射光的区别。摄影室中的聚光灯和室外强烈的阳光都是直射光，这种光线的造型质感充满了力度，特别适合拍摄男性和老人，并通过逆光和侧逆光形成厚重的造型效果。而加了柔光罩、反光伞的影室灯以多云天气的室外自然光就是一种散射光，它的造型质感柔和细腻，层次丰富，特别适合拍摄女性和儿童。我们可以根据这些特点使人像摄影获得最佳的光照效果。
人像的传神:
拍好人像照片既要掌握摄影技术，还要懂得被摄者的心理，通过捕捉人物姿态与表情充分表现他们的个性。我们镜头中的人物，大都不是专业演员，不少人一至镜头前，就会紧张得手足无措，如果不加以有效的引导，就可以有得到一张呆板造作或千人一面的人像照片。
要使被摄者去掉拘谨的神色，关键是要分散他的注意力，使他忘记自己是在拍照，这样才有真情流露的可能。比如要消除人物不安的情绪，应该多加鼓励，增强他的自信心；如果他的姿态与表情不到位，也不要急于纠正，应在不断鼓励的过程中逐步加以引导，哪怕浪费几张胶卷也是值得的。在引导的过程中，有时还可以找一些共同的话题一起闲聊，当他精神放松、神情专注时，最佳的拍摄时机也就到了，因为专注的眼神是最真实的，没有虚伪和陌生。
在捕捉人物的神情时，常常牵涉到嘴部的表现力，也就是笑与不笑的问题。如果在拍摄时一味地要求被摄者“笑一笑，再笑一笑”，其结果往往使人物失去了个性。我们不排斥所有的笑，但作为肖像，们应该追求的是常态的美，笑与不笑之间，对任何人来说都是奥妙的，只要放松自然，真情流露，笑与不笑就都是次要的了。
身体的姿态造型也与神情表现密切相关，首先要求人体姿态尽可能放松，接着可以进一步引导。比如当人物坐着，身体微微前倾时，往往会给人亲切随和的感觉，这果可以诱导他露出轻松的微笑；反之，当人物微微后仰时，通常给人以高傲的印象，这时不妨让他明白自己所处的角以，增强他的自信心，高傲的表情就会自然流露。
真情流露在于引导，而最后的居功在于捕捉。记住加拿大著名人像摄影家卡希的这段话：“人物内在的思想、精神和灵魂，有时会在一瞬间通过他的眼睛、双手和体态表现出来——这就是需要紧紧抓住的、稍纵即逝的最重要的瞬间。
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■Lei GAO
第一次触摸摄影术是在法国东部的勃根涅，1826年涅普斯（Nicephore Niépce）在他的阁楼拍摄了鸽笼和谷仓。这张模糊的影像就是世界上第一张用化学成像并保留下来的照片。我站在阁楼的窗口，看着如同近两个世纪前一般的景象，心里很清楚：我要学习用银盐、光和思维来表达一个观点。
黑白摄影永远像看不透的影调一样，是个谜。一幅剥离了纷杂，只有灰度变化的图像，居然是读不懂但可以共鸣的世界。我带着对上帝一样虔诚的心情遇到了我的老师Georges Fevre，他名声不大，但在他印出的黑白照片上你可以看到摄影师的签名：Cartier-Bresson, Salgado, Brassaï……听到Goerges说的最多的一句话是：你还能做得更好。要他满意绝对困难，当他在3秒钟内指出你精心印制的“完美无瑕”的照片某个地方有问题时，你总会惊讶地问：我怎么没发现呢？一起工作一年后，我发现一般做一张满意的照片，需要印制20张左右。“我最需要的是一个巨大的垃圾桶。”我不止一次地向他抱怨。
什么是最好用的黑白胶片？这样的问题没有实际意义。发现不同的胶片的表现力与要表达什么，怎么表达之间的亲和关系才最重要。我很喜欢两种黑白胶片：Kodak Tri-x 400/320和Ilford Delta 100。我遇到的摄影师似乎大多数热衷于这两种胶片。Tri-x给你在曝光，显影和印相过程中最大的自由度。即使曝光过度/不足三级，通过显影时的调整，也能获取满意的图像，同时给你意外的惊喜。“天哪，他的皮肤是金属感的！”你经常可以听到你的朋友发出的惊叹，这就是Tri-x带给你的一个礼物。Ilford Delta 100是梦幻制造工具，看看相片上高光部分的银粉感，似乎用湿湿的手指可以把它们粘下来一样。这两种胶片我一直用D-76显影，只在显影液浓度和时间上做调整，效果非常好。用精一种东西比四下张顾要好。
一位严肃的摄影师在按下快门以前必须要考虑的是：要表达什么？以此决定形式和内容的关系，以及后期选择不同光源的放大机、显影方式、相纸种类、保存方式等等。越来越多的人认同，黑白摄影30%在按下快门的瞬间，70%在后期的暗房。在暗房里会有一种强烈的自由感，你感觉到你正在把按下快门时的冲动推向极点。Georges开玩笑地说过：“没有废片，只有不称职的摄影师。”在一次我把一张要丢弃的底片上的云放在建筑的背景时，我再一次想起了Georges的这段话。现在使用Photoshop可以轻易地制作不同的云彩，但当时我捍卫传统，一切是在暗房里做的。黑白暗房是另外一个世界，似乎影像从显影液里慢慢出现的时候，意味着你的创造已经大功告成了。实际上这种想法是错误的，还有更多的工作要做，难到谁会愿意放弃后面魔法般的创造机会？
后面要做的事多少带有一些愉悦感，不需要在红光下费力地辨别徘徊了。很重要的一步是在此审视印出来的照片是否还有瑕疵。一个非常有效的方法是，将照片放到灯箱上让光透过纸基来判读和印证层次细节之类的要素。一些隐藏在阴影里的丰富层次会在这个时候跳出来，我第一次看到的时候不敢相信自己的眼睛。这个时候需要你来决定要保留或隐藏多少阴影里的细节，记住了在哪个部位需要多少浓度多长时间的消色（bleach）处理。也是在这个时候，用聚光式放大机（Condenser）印出来的相片，在放大镜下每个颗粒像水晶般地变化多端，对人的视觉带有蛮不讲理的攻击性。我总是期待意外的收获。令人讨厌的白点也是在这个阶段用细软笔修去的，我通常是在第二天心情很愉快的情况下来做这件事，并用锋利的刀片勾刻出轮廓分明的物体边缘，这在建筑摄影上尤其重要。
最后，用45度的裁纸刀割出完美的90度接角，就可以把相片装起来，挂在墙上，坐下，看着想一个问题：“我在按快门的时候是否需要考虑更多？”
法国人Elene Vedrenne个子小巧，言谈中会表现出丰富的肢体语言和面部表情。她给我的第一印象是个小男生，短发。与她同时出现的总是巨型的三角架和大幅相机，她是个成功的摄影师。今天看她1999年拍摄的4×5正片时一定会联想到Photoshop的许多功能，每一张正片的背后都隐含着技术和艰辛的份量。她是个传统技术的捍卫者，并不断地在数码领域以外创造不同凡响的视觉效果，直到最近，Elene突然对我说：Johnnie, Digital photography is probably quite something（Johnnie，也许数码摄影真的很棒）。我很清楚这句话对她的意义，这意味着她向与之共事多年的印刷商宣战了。
生活经常跟我们开玩笑，在摄影术发明地和高端数码技术的集结地欧洲，拒绝数码的势力依然很强大，他们来自博物馆，收藏家，商业印刷商和一些画廊。我第一次与数码擦肩而过的经历是与Pascale Maigre 的一次不友好的谈话：
我：我是否可以不来上您的课？因为我无法忍受Canon D30给我带来的游戏感。
Pascale：我知道它剥夺了你后期暗房的乐趣，但数码给你立刻改正错误的机会，是个很好的练习工具。你应该来上课。
我：在影棚里我不会犯错，有宝丽来作参考，不会任意按快门的，很抱歉我不能接受您的劝导。
Pascale：你是在排斥一种新的纪录方式，数码与发挥你的想象力之间没有矛盾，相反具有另外一种形式的再创造，更加自由，你还是应该来上课。
我：您是在给摄影下新的定义吗？您说的数码再创造这与摄影纪录真实是相矛盾的，数码的创造力是对崇尚真实的道德标准的蔑视。我不能接受您的说法。
Pascal：你说的问题已经超越了我们谈话的范围，你可以去跟Jean Vasseur谈，我同意你用自己的方法去纪录真实，你是否愿意尝试用数码的方式来记录时装呢？
很凑巧，没过几天我到Porte de Versailles国际内衣展拍摄 Barbara公司的内衣，我可能是全场唯一使用黑白胶片的。事后，Barbara主管广告的Corinne找到我，那次的谈话让我走向了数码。
Corinne：“Johnnie， 这款新内衣的颜色你能说出名称来吗？”
我：“我不能精确表达我闻到的味道，颜色也一样。”
Corinne：“所有的摄影师都试过了，他们都很棒，但是他们照片上的颜色总是跟实物不一样，你能试试吗？”
我看到的是一种无法形容的浅绿色，介于浅绿与湖蓝之间的颜色，随着光线角度的变化曾现不同的色彩深度。我立刻意识到问题的复杂性。
我：“我试试，需要时间，但样片要在恒定色温的环境中看。”
接下来的一个月恶梦不断，巴黎最专业的冲印店Janjac的技术人员差点被我逼疯，我觉得。
我要做的第一件事是：确定使用何种胶卷与采用何种照明方法来准确表现色彩，同时要让负责后期输出的冲印店非常清楚地知道我需要什么。
摄影师可以把每一种专业胶片的技术数据烂熟于胸，但在每次拍摄前还必须对胶片作出选择。先要理解专业胶片批号的概念。同厂牌，同片速，同型号的专业胶片无可避免地在生产的时候要遇到生产线调整的问题，更换涂布药液的过程，使非同批胶片的感光药膜产生细微的差异；这种差异在经冲洗，印相工序后会被放大，这是不能接受的。专业冲印店会提供同一批号的胶卷，这似乎可以帮助你避免由于批号不同而导致的样片与成品间的差异，但事情不是那么简单。显影过程中时间，温度，显影液浓度，搅拌次数等任何一项差异会使一切前功尽弃。如果说冲洗设备已经先进到100% 保证显影条件绝对标准的话，那么在印相过程中100%绝对标准是根本做不到的（如果拍摄的是彩色负片的话）。首先需要极力做到的是完美的曝光，尽量避免在后期彩色放大时的遮挡（dodge）和加光（burn in），因为这两种在黑白暗房屡试不爽的手段，在彩色暗房会带来灾难性的后果----色偏。
选择了胶片以后需要对胶片的感光速度和色感性进行测试。每种胶片（除红外胶片）标定的感光速度只能参考。必须测试出该胶卷在你布置的灯光条件下的表现，一般采用1/3级的包围曝光，跨越测光表读数的+/-2级，同时测试每种滤镜组合的效果。从135毫米到大幅用不同的采样方法。这些样片每张都必须详细纪录与拍摄条件相关的数据，并在工作日的相同时间交冲印店显影。在此之前，我非常清楚地知道Jinjac冲印店每天换药液的时间，并得到他们的保证，我的样片一定是在每天第200个或220个送入吊挂机的，同时Jiniac的工作人员会填写好我预先准备好的显影条件纪录表格。
兴高采烈地回到摄影棚，半个月的辛苦没有白费，详细的测试纪录使我很快地进入严谨的拍摄和后期程序。拍摄完整套胶片并手工冲洗出来后，我目瞪口呆：几乎没有两张是完全一样的颜色表现！再拍摄，冲洗……不一样！再拍摄，冲洗……还是不一样！！我不得不打电话给Corinne：“可能有点问题，如果有更多的时间我会解决的。”我在说这话的时候其实并不知道自己在说什么。
在绝望之中，我找到Jean Vasseur。与他交谈总会发生一些臆想不到的事，他是我遇到的最不像老师的老师。在开学的头一天，校长指着站在角落阴影里的相貌慈善的中年男人简单地说了一句：Jean，他是本字典。唯一的一次，Jean给我们上色彩理论，开头的两句话我至今还记得：“色彩学很简单，简单到让你们睡着。”居然在讲课进行到第二小时的时候，睡倒了一大片。
我：Jean， 想向您请教……
Jean仔细地擦着烟斗，笑眯眯地看着我：我知道你会来，其实只要5分钟就能说服你，Pascale谈起过你拒绝数码的事，现在我想我不需要再说什么了。
我：难道只有用数码才能解决我的问题吗？
Jean：当然不是，不过以今天的科技而言，只有数码才有解决你的问题的可能性。数码也有数码解决不了的问题，但它毕竟比银盐更便利，更直观也更精确，我是指复制颜色。
我把产品递了过去：我就是想要请教如何用数码的方式准确表现颜色。
Jean非常兴奋地说：我可以告诉你如何做，甚至跟你一起做，如果你想了解为什么要这么做的话，这很简单……
我非常严肃地回答：我能坚持三个小时不睡倒。
Jean 开心地笑了。
使用数码是从一张GretagMacbeth色卡开始的，通过ProfileMaker Pro软件轻易地建立了从影棚环境光、数码相机、Mac电脑到Pictrography4000打印机的色彩管理标准。Adobe RGB(1998)的彩色模式涵盖了所要表现的产品颜色，屏幕效果让人振奋，但在打印输出前，photoshop的gamut warning指出Pictrography4000的CMYK模式无法准确在纸上输出我们想要的“绿色”，最终Jean还是巧妙地利用人眼分辨能力的局限，找到了解决的办法。就这么简单。Jinjac是巴黎唯一一家自己配制打印墨水的冲印店，在对多种不同材质的纸张作出选择以后，Jinjac向我们证明了他们卓越的输出能力。我们在纸上的输出结果，几乎与原物颜色没有什么区别，同时也做了在传统正片上的输出以适应顽固的商业印刷商。这些工作仅用了一天的时间！
这次尝试，让我开始接触色彩学，ICC Profile，Photoshop和与之相关的数码器材，以及涉及到应用方面的IPTC规范等。这些与我概念中的摄影术大相径庭。
与Jean在一起的一个星期使我改变了对摄影术约定成俗的看法，这种改变不仅表现在对全新的后期制作方式的接受，同时也影响了我在按下快门前的思维。我从此不会再为了等到所有元素到位而放弃转瞬即逝的云彩了。耳边又一次回响起Elene 的话：Johnnie，也许数码摄影真的很棒。数码技术为Fine Art提供了前所未有的创作空间，至少思维的表达突破了技术的限制，我接受了这种新的创作方式。
后记：数码黑白目前不能超越传统黑白的原因在于输出。数码影像可以模拟包括Polaroid的Emulsion Lift表现手段，但无法达到最终表面的立体感表现。相当长的一段时间内，数码摄影与传统摄影会并存。
作者后记：
很多人对数码的抗拒态度是来自对一个新的系统的不熟悉以及对老的系统的眷恋。这些人包括我接触到的Epson公司的技术人员，他们居然与我当初一样对数码持怀疑态度。
一些事物需要印证才能很快被接受。而这种印证通过网络是无法完全具有说服力的。只有当场做，你当场做，输出后不相信自己竟然能这么快地达到极高品质。惊讶之余再开始研习数码。
我不反对传统暗房，但在用传统暗房无法保证质量的时候（比如对某些颜色的极端要求），我会不加考虑地采用数码。今天的数码高端技术已经超越了135甚至120的质量。在控制某些环节上超越了大幅（比如色彩）。
我尊重硬骨头（哪怕是Rocks滚在粪堆里我也一样尊重）。我认为看待一幅作品需要首先校正自己的视角。对于追求极端工艺美感的作品，我不会去评价它的社会意义或者能给失学儿童带来什么好处，只会注重它的影调和画面质量。对于人文纪录的作品，我不会去评价它是否包含了几个区或者反差是否还可以调整一下，只会注重摄影者的观察角度以及作品本身的可传递性。对于发泄自身情感的作品，我不会把它当作一个摄影作品来评价，只会透过作品去揣摩作者是否“精神失常”而在Brain Masturbating。可惜的是网络评论家和批评家们总是采用指鹿为马的方式来维护他们言论的一贯准确性。
技术性很强的图片是有其市场价值的，毕竟有人需要把自家生产的座便器美轮美奂地放大到2层楼那么高。我觉得还是按图片的分类尽量采用不同的标准来衡量它们，如果我们能找到这个标准的话。
我做过一些恶作剧：我的一些数码的图片没有被传统捍卫者发觉，而当他们严肃指出“这一定是Photoshop做出来的”的时候，我已经准备了扫描的原始底片送到他眼前。不就是为了让他们说话时嗓门小一点嘛。化学药水的味道很好闻，其实鼠标的触感也不错（只要不是埃塞俄比亚生产的就行）。
20世纪30年代第一款35毫米单反相机诞生以后的数十年中，制造商曾为各式各样的135相机生产出一些令人惊奇的镜头。
这其中有2种超广角镜头在最近几年里已经停止生产。它们是：尼康6mm F2.8鱼眼Nikkor镜头，具有220°视角；尼康13mmF5.6AIS镜头，具有118°视角；还有最快的镜头，蔡司210mm N－Mirotar折反射镜头，有3级电子影像增强器，具有F0.03的大光圈———比一个F1.4镜头大了11级。
然而今天仍有一些相当令人惊奇的镜头。从实用的角度看，你可以花相对少的钱，从相机制造公司或镜头制造商那儿买到很好的镜头———包括成像非常清晰的变焦镜头。下面介绍的是当今10款最奇特的35mm单反相机镜头。
1.最圆的镜头（鱼眼镜头）
适马8mm F4 EX圆形鱼眼镜头，是惟一的圆形鱼眼镜头，可以广泛地用在大多数自动对焦35毫米单反相机上。这是一款手动对焦镜头，可在24mm×36mm画框中央生成一个直径为22mm的圆形影像，视角可覆盖180°。镜头为7组11片，光圈范围从F4－22，最近对焦距离约20cm，规格尺寸为直径73.66mm×58.42mm，重量374.2克。
2.最宽的非鱼眼镜头（超广角非鱼眼镜头）
这里有4种相同距离超广角非鱼眼镜头：佳能EF14mm F2.8L U镜头，尼康14mm F2.8ED AF－Nikkor镜头，适马14mm F2.8EX Aspherical和腾龙SP AF14mm F2.8镜头。这4款镜头都具有114°视角。佳能14mm镜头是10组14片结构，最近对焦距离254mm，规格尺寸76.2mm×88.9mm，重量为561.32克。尼康14mm镜头，是10组12片结构，最近对焦距离203.2mm，规格尺寸为直径86.36mm×83.82mm，重量为669克。适马14mm镜头，是10组14片结构，最近对焦距离180.34mm，规格尺寸81.28mm×91.44mm。腾龙14mm镜头是12组14片结构，最近对焦距离198.12mm，规格尺寸86.36mm×88.9mm，重量为660.5克。佳能和尼康的14mm镜头，只配用各自的机身，而适马和腾龙镜头可用于佳能、美能达、尼康和宾得自动对焦单反相机。
3.最长的自动对焦镜头
最长的自动对焦镜头是佳能EF1200mm F5.6L U镜头，10组13片结构，最近对焦距离13716mm，滤镜48mm，该头直径为287.02mm（以获得远距离高速拍摄的较大光圈），长度835.66mm，重16465克。EF1200mm与50mm标准镜头相比有24倍的放大率，但仅限用于佳能EOS相机。
4.超广角变焦镜头
超广角变焦镜头是宾得17－28mm F3.5－4.5鱼眼变焦镜头，在17mm处，具有180°视角，此时凡未通过图像中央的直线均会发生弯曲。镜头为9组9片，最近拍摄距离为444.5mm，直径66.04mm，长度60.96mm，重252克。可用于所有的K型卡口的相机机身。
5.超广角非鱼眼变焦镜头
最广的非鱼眼镜头是适马15－30mm F3.5-4.5 EX Aspherical DG DF镜头。为13组17片结构，最近对焦距离为299.72mm，直径为86.36mm，长度129.54mm，重量618克，此款镜头所具有的对焦机械装置意味着对焦环在自动对焦期间不会转动，更易掌握。由于使用数码相机时，镜头焦距会增长1倍多，因此，这款镜头相对于数码相机的使用者来说，是最合适不过的。
6.最长的变焦镜头
当今35mm单反相机中最大的变焦镜头是低价位的手动对焦650－1300mm F8－16镜头，此头由凤凰提供。最近对焦距离为4877mm，采用95mm滤镜，镜筒直径为104.14mm，长焦462.28mm，重1996克。适用于大多数安装有T型卡口转接器的单反相机。
如果你想拍摄的物体不能太靠近（例如野生动物），这种镜头将会是最好的选择。
7.最大倍率变焦镜头
佳能EF35－350mm F3.5-5.6L USM （35mm单反相机的第一个10∶1变焦镜头）、适马AF50－500mm F4-6.3 APO EX RF HSM（最长的10∶1变焦镜头）和适马的10.7∶1比率28－300mm变焦镜头。腾龙和威达则排在最大倍率变焦镜头之外，这些多用途镜头从广角到超远摄，没有超出人们的意料。适马实际提供了两种28-300mm超变焦镜头：新的适马28－300mm F3.5-6.3 Compact和28－300mm F3.5-6.3DL镜头。前者15组17片结构，最近对焦距离为914mm。采用67mm滤镜，规格尺寸78.7mm×78.7mm，重538.6克；后者16组18片结构，最近对焦距离为830.6mm，采用72mm滤镜，规格尺寸78.7mm×91.4mm，重564克。腾龙AF28-300mm F3.5-6.3 IF LDASL，14组15片结构，采用72mm滤镜，规格尺寸81.28mm×81.28mm，重量584克。
8.真正的微距变焦镜头
许多变焦镜头被称为“微距变焦”，这里只有一种1∶1微距变焦镜头可以从1∶1放大到3∶1（3倍于原物尺寸），美能达3X－1X F1.7-2.8（它可用于所有的美能达机身），拍摄范围25.4－40.6mm，能够进行高倍率的近摄。在1倍放大倍率时，光圈为F2.8-2.7。在3倍放大倍率时，光圈为F1.7-1.6，滤镜尺寸46mm，规格尺寸为83.82mm×116.8mm×93.98mm，重1100克。镜头延伸（对焦时）和水平、垂直拍摄时为电动，变焦为手动。拍摄中三脚架的使用是必要的。
9.最快的镜头
佳能EF50mm F1.0L USM仍然是最快的35mm相机镜头，此镜头的直径为91mm，9组11片结构，987克重。如此大光圈的镜头，当然价格不菲。其最近对焦距离609.6mm，滤镜72mm，可用于所有EOS机身。
10.最丰富的系列镜头
对于徕卡R系列单反相机来说，最非同寻常的远摄镜头是徕卡的APO－Telyt－R Module系列对接镜头，其最大的特点是可用不同的方式将5种组件组合成6种不同焦距的手动徕卡Apo-Telyt镜头。APO－Telyt 280/400/560/和400/560/800镜头。前组可以和任何三种对焦后组（2.8/280/400，4/400/560或5.6/560/800）组合成所需的镜头：280mm F2.8，400mm F2.8，400mm F4，560mm F4，560mm F5.6和800mm F5.6，所有的组合均表现出了徕卡传奇性的标准。这5款镜头组件可分开购买。
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