从“照相”到“摄影”有多远(戴占军）

     戴占军，现任《中国质量报》副总编，中国海洋摄影协会副秘书长。作家、摄影家，高级编辑，获国务院颁发的政府专家特殊津贴。

        随着经济的发展，数码技术的进步，手持数码相机的人比比皆是，其实照相人人都会，但“照”成摄影作品，却不是一件简单的事。拥有什么样的数码相机？怎样才能用好它并拍出好片子？本期讲堂戴占军老师为大家讲述从“照相”走向“摄影”的基本方法和途径，教你拍出一张“好看又会说话的照片”。
     【戴占军】：我先提出三个问题：第一个问题，你会照相吗？提这个问题就很傻，可能大家会拍我的板砖。因为在数码时代，在技术门槛已经大大降低的时候，人人都会照相。第二个问题，你会摄影吗？可能有一些朋友有些困惑。第三个问题，我们想解决什么问题？就是我们使用消费级的设备，如何让照片拍出摄影的味道。我想今天在座的各位大多数都是要请教这样一个问题的。我想给大家解决的问题，就是我们手持消费级的机器，如何把照片拍好，拍出摄影的味道。
       我经常出去办班，每一次反应都是听摄影课的朋友特别多。为什么会这个样子呢？实际上无论是照相还是摄影，在现在已经成为了一种生活方式，它甚至成为网络时代的一种语言。我们用已有的文字已经不能在网络时代常态或更好的进行沟通了，需要影像元素的介入。那么我们能不能比较直观的描绘出一条从照相到摄影的途径呢？

        好照片所具备的基本要素

    我们为所谓的一张好照片，或者说具备一点摄影要素的照片，进行一个总结。第一，清晰是基础。拍不清楚一切全都不要说。我们有很多摄影家、摄影师拍出来的东西都要放大之后，用于印制。不清楚，再好的照片也白搭。所以清晰是一张照片的基础要义。第二，主体要突出。我们拍摄的主体是什么？我们总想把所有东西都拍进去，但是相机的镜头它的角再大也是有限的。所以必须了解你拍摄的主体是什么。主体往往是主题所见，当然主体和主题不是一回事儿，但是主体往往承载着一张照片主题最重要的信息。第三，曝光要准确，当然做到理想更好。准确的曝光和理想的曝光不是一个概念。第四，操机要熟巧。因为相机相当于我们画画的笔。如果机器不熟巧，一切谈不上。第五，角度要新奇，构图要讲究，信息要正确。第六，近些再近些。就是我们要尽量让我们的相机，让我们的机位贴近被摄主体。第七，设备挺要紧。有人说你不是讲低端数码拍出好照片吗？那设备是不是不要紧？非也。什么样的武器打什么样的仗，什么样的设备拍什么样的片子，所以设备还是很要紧的。最后，创意最重要。
我们主要讲一些拍摄的小的窍门，我们怎么样使用机器，调整机器，最后再讲一下创意的话题，其他的都不讲了。如果大家听着觉得还行，还希望听其他的，主办方的同志们辛苦一下，我愿意再来为大家讲解其他内容。

        照片与摄影作品的差距

    照片与摄影作品的差距到底表现在哪里？我觉得要辩证的看，首先说两者相去甚远。作为一张数码照片是利用数码相机随意获得并通过数码技术轻易读取的影像。而一张数码摄影作品是运用数码相机诸功能元素进行平面造型的创作，并运用相应的数码技术读取的光影艺术品。二者明显差距有很多，我们可以列举一些。首先是数码相机的功能。你没有这个功能，达不成这样一种影像的要素素质，你也不可能拍出相应的作品。第二，运用数码相机的能力。我们现在每人都有一个小卡片机，或者是有一台消费级的单反，但实际上我们很多朋友对相机的开发是非常有限的，也就是你开发你相机的能力有限。第三，它采取了不同的读取技术路径。第四，人不能而我能。说来说去一张好照片就是人家拍着了你拍不着，或者是人家在普通的自然界社会里看出了不普通，拍出了不普通。你的眼睛只看到所有人都看到的东西，人家看到或拍到你应该看到而没有看到的东西。第五，影像与光影艺术的根本之别。
        讲这么多，是不是两者就横着一条不可逾越的鸿沟呢？也不是这样，我们辩证的看，又可以说两者相距很近。首先照相与摄影二者虽然有明显差距，但是本质却是相通的，他们都是依据光的原理和原理相同的技术设备生成的平面固化影像。摄影作品说穿了就是一张好照片，没那么邪乎。拍摄一张摄影作品是非常辛苦的事情，但还没有到我们不可以效仿，不可以学习，或不可以感知它这个程度。它说穿了也就是一张好照片。因此我们也可以说，一张公认的好照片，一定是具备了成为摄影作品的基础。
        为什么要辩证的看远近？首先就是我们要找到我们从照相走向摄影的我们的差别在哪里。其次是坚定我们的信心，我们手持普通的卡片机，手持消费级的单反机，我们一样可以拍出摄影的味道。可能在画质上达不到几十万设备的水平，但是我们一般的使用应该是足够的。摄影是实践的艺术，是通过学习每个人都可以掌握的艺术，也是考验一个人综合能力和素质的艺术。刚才我和几位朋友在外面聊天，他讲了一句话我很赞同，他说学习摄影实际功夫在诗外。

　　认识你的相机

       首先我们讲一点基础的东西，认识你的相机。一些摄影人说技术仍然是门槛，全自动就拍不出好东西，这是经常我们遇到一些专业摄影人给我们讲的。但是不一定的。我们来看两张照片。这张是一位摄影家用单反相机在我工作时候拍的照片；这张是我在喝茶的时候，一个朋友拿一千多块钱的小卡片机拍的照片。我们看这两张照片，如果不考虑到放大印制的情况，我个人感觉好像这张卡片机拍的照片比另一张还要好一些。所以破机器，全自动拍摄不一定拍不出好东西来。又有很多摄影爱好者说现在的数码相机智能化水平已经很高了，全自动已经可以解决大部分拍摄问题，言下之意是我们不用学了，这个也不对的。我们看这两张照片，这两张是老款5D拍摄的。前面这张是全自动拍摄形成的影像，这张是参数调整以后拍出的照片，我们可以看到两者在光感、质感、光影上的不同，所以全自动并不能解决所有问题，因此学习还是很有必要的。
        要了解相机，你不了解你的相机等于是相机在控制你，不是你在控制相机。谁是最好的老师？不是老戴，不是教科书，也不是地理杂志的某某，你的最好的老师就是你的说明书！很多朋友提出一些问题，我说你的说明书上都有啊，为什么不看说明书呢？就没有好好看，就以为它是一台电视一样拿来就用。其实很多拍摄的问题，机器操作的问题在说明书里都有解答，当然有的语焉不详就要向专家请教。所以建议大家回去把你的相机说明书当作最好的老师。我们要超越傻瓜拍摄和一P到底的拍摄模式，丰富你的拍摄模式。
        全自动拍摄，相机完全控制你。P档拍摄，也就是程序自动曝光拍摄，是相机在部分控制你。我们要想办法学会手动曝光，不能有畏难情绪。现在相机操作已经很容易了，手动曝光是很容易学的。很多朋友不能达成理想的曝光，主要就是不会手动曝光，所以建议大家能够学会它。如果你不会手动曝光也没有关系，你不妨使用程序自动曝光的其他模式，比如快门优先和光圈优先。或者有个过度，我们怕出去拍不好，先拿手动拍，拍完用P档拍，拍完之后再试试光圈优先或快门优先。
         快门优先。当快门速度决定照片表现力的时候，这时候我们通常会选定快门优先，它常用于对动态事物的拍摄。这张照片它使用了比较高的快门速度，1/400秒，它对流水记录是点状的记录。同样的机位，我们采用了1/25秒拍摄，得到了流水的虚化效果，这就是快门优先基本作用说明。当你采用快门优先的时候，你设计快门，相机会自动生成一个光圈值匹配你的快门速度，从而获得比较准确的曝光。大家知道曝光实际上就是快门与光圈的互益。虚化流水要根据流水的速度和表现需要设定快门速度，我的经验是再快不能高于1/40秒，有的流水很急，速度很快，另当别论。在拍摄飞鸟的时候，一般速度不要低于1/400秒，如果低于这样的速度，你很难记录下清晰飞鸟的动态影象。
        光圈优先。当光圈大小决定照片表现力的时候，我们通常会选定光圈优先，一般应用于对景深不同的需求。这两张照片，我们看这张，采用了小光圈，光圈越小景深越大，所谓小光圈就是数值大。这张采用大光圈，2.8的光圈，我们看它背景已经完全被虚化。这涉及到景深的问题，什么是景深？我们在对焦的时候，除了焦点清晰之外，在焦点的前后还有一部分影象是清晰的，围绕焦点前后的成像清晰的范围被称为景深，焦点到后边的景物清晰度叫后景深，焦点向前边清晰范围叫前景深。后景深永远大于前景深，这是由于镜头出镜的原理决定的。
       那么景深和什么有关？景深和三大要素有关。我去讲课的时候，都是只讲光圈，其实不是的，光圈只是决定景深的要素之一。景深和光圈、距离、焦距三者有很密切的关系。我们刚才讲过了，光圈越小，也就是光圈的数值越大景深越大。光圈越大，也就是光圈的数值越小景深越小，这是光圈对于景深的关系。那么还有一个距离，距离主要是包括两个概念，一个是拍摄距离，我们相机对于主体之间的距离，对景深会有影响，我们相机离主体越近的时候，所能获得的景深越小。当我们的相机离主体越远的时候，我们获得的景深越大。还有一个就是在拍摄前后两个主体的时候，要特别注意两个主体之间的距离对清晰度的影响。我们看这张图，它使用了很小的光圈，按说它应该清晰，但是由于他们两个物距太远，所以主体后边的玩偶已经完全被虚化了。它使用了比较大的光圈，本来景深很小的，但是由于物距很近，所以两者还都很清晰，这就是物距对景深的影响。两个照片玩偶的距离完全一样，拍摄使用的光圈大小也完全相同，但是由于使用了镜头的不同焦段所获得的景深效果也不同，这就是第三个，景深和焦距有很大关系。我们看这张照片，两个主体距离是一样的，这张照片里面，我们使用了很小的光圈，但是由于焦距使用了长焦起始端，所以后边的玩偶已经被虚化了。而这张照片同样的光圈值并没有变，但是由于焦距我们使用了24的焦距，在焦距比较短的时候，后景依然是清晰的，这就是说我们使用的焦段越长的时候，我们所能获得的景深越小。当我们使用的焦段越短的时候，我们所能获得的景深越大，这是景深和三者之间的关系，其实很要紧。因为我们很多朋友拍照片，经常是拍一些留影照，有朋友觉得留影照很容易拍，其实是很难的。我们经常遇到的情况就是我们拍清了人，但是景致并不清晰，有时候拍清了景致，但我们的人不清晰，实际上是我们对景深的把握不好，主要是这个原因。

        最有用的相机设定方式

        我再讲几个最有用的相机设定，感光度，白平衡，测光模式的选择，还有照片风格的设定，相机参数的调整，对焦模式，还有文件的记录。时间关系下面这些都不讲了，我集中讲讲上面的。
        在讲之前讲一下关于照片的记录格式的选择。大家最常用的是JPG模式记录，JPG有它的优势，它占的空间很小，但是它有它的问题，JPG在拍摄的时候就经过了压缩，因此影象很难生成大画质的影象，我们要放大的时候就比较困难，所以专业的影人很少能见到使用JPG格式记录。如果他是拍作品，几乎不会用到JPG，他会用RAW格式。RAW格式是数码底片格式，很多人说它没有压缩，实际是不对的。它经过了很微不足道的压缩，但它依然是经过了压缩。我们在RAW格式下不能直接生成影像，要把它转化成影像，可以转化成几种。一种转为JPG，一般就可以了。但是要进行印刷的时候，还要把它调整成四色格式。有的摄影家说我拍的照片绝不调整，我跟大家讲，这是不可能的。因为在RAW格式下的调整也是调整，你不能说我在数码底片状态下调整不叫调整，RAW也要一次把它拍好，特别是它转成四色的时候，从三色转成四色，照片都会偏暗一点，当转换成四色一定要提亮一点，这样照片印出来的效果才能达到我们看的比较唯美的光感，所以绝对的不调整是不可能的，当然参加比赛是不允许调的，但是在后期的时候会留下调整空间。因此，当我们拍一副作品的时候，一定要用RAW格式，不要使用JPG格式。
       第二是感光度。ISO感光度是胶片时代胶片的光线敏感度的国际标准规定。你也生产胶片，我也生产胶片，你是这个标准，我是那个标准没法弄，所以要标准化生产才能成为现代工业生产。因此它就是一个标准化规定。数码相机是模仿并借用这一概念，设置了类似的功能，像CCD等感光元件来代表它光感的敏锐度，大致与传统胶片等效，但并不能达到完全等效。有一些商家鼓吹自己完全等效胶片的感光度，那是市场推广营销策略，它达不到的。大家知道，当我们的感光度数值越高的时候，我们能在暗光下获得很清晰的影象，但是它也有问题，当感光度提高的时候，噪点也会持续加大。因此我们在用数码拍摄的时候，一般控制在200以下，很多摄影家都会告诉你要控制在一百以下。但是最近微单相机，最低值设置的就是200度。但无论如何，我给大家建议就是我们能够低感拍摄绝不要高感拍摄，高感拍摄放在电脑上看还行，但一旦放大到海报这么大的时候就没法看了。现在我们大家用到的佳能和尼康，据尼康自己称，说我的高感控制更好一些，我用了一下，似乎比佳能稍好一点。这两个照片就是这样，噪点就已经比较大了。
        第三，讲一下白平衡的设定。我们简要理解一下什么是白平衡，红绿蓝的三原色在光源中是以不同的比例存在的，具体的比例关系取决于色温，色温高时会偏蓝一些，色温低时偏红一些。为什么叫白平衡？是因为白色在任何光源下都具有白的特制，比方我们在绿色的有色光源下，我们对一张白纸进行照射的时候，它一定是白里透红，白里透蓝，白里透绿，而我们用其他颜色，比如用黄叠加的时候，黄的特质本身就走样了，所以它以白作为调节其他颜色色温的标准，所以它不叫绿平衡，不叫红平衡，它叫白平衡。白平衡和色温关系密切，所谓调整白平衡其实就是调整色温。色温不像有的朋友理解那样是颜色的温度，色温是衡量光色的通用指标，它是以多少多少K标定的。颜色说来说去，颜色是光温的存在，是人类对光的视觉效应。如果没有人的眼睛，没有光能量的存在，我们是不能感觉到光的。比如我们现在看到台下五彩缤纷，但是灯一关我什么也看不见。相机有各种白平衡模式，正是以色温为指标设定的，它用于实现相机与被摄对象色温的一致或近似，从而获得正确的色彩还原。
        自动白平衡可以满足大部分情况下色彩还原的基本需求。但是根据光源的具体情况，要使拍出的照片色正，在拍摄时还要对相机的白平衡进行相应调整。有一句话叫摄影家眼里没有色彩，只有色调。色调是一张照片的基调，它跟色彩是两个概念，比如我们照片偏红一点，偏蓝一点，偏黄一点，偏冷一点，偏暖一点等等。照片的色调的生成和白平衡的使用有很大关系。我们一些朋友比较懒惰，把照片往自动白平衡一搁，不管什么光源都用自动白平衡，其实有时候很难还原出正确的色彩。我当时在单位讲课，孩子们说老师怎么回事儿？这是在我办公室用卡片机拍了两张照片，办公室的光源是管灯，我们看自动白平衡，显然没有办法生成正确的色彩。下面这张使用的荧光灯白平衡，与现场光源是一致的，所以生成了比较正确的色彩。
        在弱光下拍摄的时候，现有相机原设定的几种白平衡模式，都难以满足需要。这时候以使用色温为准，对K值做出调整。什么是弱光下？像我们早上起来拍片子，拍雾色。在这种情况下，原场设定的无论是它的自动也好，日光白平衡也好，都很难生成正确影象，就像这张。自动白平衡很难还原原有色彩，这是在色温值调整到8800K的时候得到和现场色彩非常接近的影像。讲一点小窍门，在夕照下拍摄人物、静物、风光时，自动白平衡拍出的照片会偏黄、偏灰。使用日光白平衡会偏蓝、偏红一点，色彩饱和度也会相应更高一一些。当然使用哪种白平衡跟你的创作意图有很大关系。在日光下，特别是在侧光和侧逆光下要突出拍摄白色，更适用于使用日光白平衡。这两张照片就是这样，现在显示的不太好，实际上在全自动下会偏黄一些，这张就会稍稍偏蓝一点。所以在这种情况下，最好使用日光白平衡。
       在比较明媚的阳光下拍摄风景，如果希望调子暖一些，使用自动白平衡，如果希望调子冷一些，使用日光白平衡，拍出的照片偏蓝一点，特别适宜表现碧海蓝天。有一次我们协会带着大家出去拍片子，大家说怎么我们拍的片子有点灰突突的，其他几位老师拍的碧海蓝天非常漂亮。实际上没有别的，除了我们曝光设定之外，很大原因就是他一直在使用自动白平衡，没有使用日光，所以我们在晴天的时候，光色晴朗的时候要对白平衡进行适当的调整。当然讲这么多白平衡，我们也可以在后期制作，在RAW格式下可以比较随意的对白平衡进行重新设定，很多摄影家也是这么玩的，没什么新鲜。但是我想嘱咐大家的，无论如何和你初始的设定还是有差异的，这种差异在电脑上几乎是看不出来的，如果想自己玩玩没有问题，但是一旦放大就会出现色差。
        特别是拍摄云霞、日出、日落这样的建议大家多使用白平衡，这组照片就是在同一个地方，使用了不同的白平衡的模式。实际上我们可以看出，它在光色上，在色彩上的一些差异。和它相关的就是拍摄云彩的时候，很多朋友一般还是把相机的模式，就是风格模式设定在风光的格式下。我建议大家设定在标准模式下，因为如果你要表达云的层次，云丝的细腻，在标准模式下才更容易生成，如果你用风光模式或者其他模式，很容易拍的不好，这个大家要特别注意。
        在人造光源下，要对应使用。比如现在光是钨丝灯或白炽灯，要对应使用白炽灯的模式。当然在光源复杂模式下，用自动的也会生成不错的影像。使用什么白平衡，和你对照片色调的要求有很大关系。错误的白平衡可以使照片产生奇异的色彩，在追求某些特殊效果的时候，不妨将错就错。这张照片是拍摄于同一片竹林里的，下面这张使用了白平衡，很好的适应了现场的光感，它生成的影像非常真实；这张使用的日光白平衡，造成了异样，好像是在日光下拍摄。
       不同测光模式下有它的差异，我们的相机一般给出三种到四种测光模式，评价测光，中央重点平均测光，点测光和局部测光。很多摄影人也讲不清楚这几种侧光模式是怎么回事儿。简单说就是它测光的光区和反映区，它的大小面积是不一样的，电脑生成的数值是不一样的。这是两张同样光感的照片，只是采用了不同的测光模式，由于它获得了相机自动生成的光圈和快门曝光值，所以它获得了不同的影象。
还有一些很有用的功能，这些不都讲了，简单讲一下曝光锁的使用。曝光锁是非常有用的装置。我们在取景框里，由于事物成光不同，事物反射光不同，它对光感的要求是不一样的。所谓理想的曝光，就是我们在创作的时候，我们对于光感的要求，光线的要求。这时候曝光锁就很重要。比如像这张照片在这里测光，在这里测光，在这里测光，在他身上测光，我们所能获得的曝光数据是不一样的。那么大家知道，相机在很大的情况下，如果你是原场设定，就是我们的焦点是和测光点在一起的。像拍这张照片，我们如果把焦点放在这里的话，就是在这里生成的一组曝光值，但是它不一定是理想曝光值。经常出现这种情况，就是我们在这里测光，而我们的焦点在这里。这个时候曝光锁就很有用了，我们在这里测光，然后获得一组我们所需要的一组曝光的数据，然后用曝光锁锁定它，在你拍这张照片之前，它就是这样的曝光，它不会改变，你可以随意的进行调焦、构图等等。如果不是这样，你不用曝光锁锁定它，如果你在这儿获得了理想的曝光值，你要再去对焦，它就生成新的曝光数据了，所以没有办法获得理想的曝光，所以曝光锁是很有用的装置。

　　拍一张好看又会说话的照片

        在我看来，好照片也好，摄影作品也好，没什么悬的，就是它要看上去美，它要看上去好看。第二，照片会说话，它的影象、语言可以达成创作者的意图。这样一种说法主要包括两个方面。所谓好看是指形式美，符合摄影艺术审美的一般规律。在我看来好看有六大标准：第一清晰锐利，第二曝光理想，第三色彩准确，第四色调怡人，第五色彩准确，第六层次丰富。会说话主要是内容美，就是用影象语言表达你的意图和思想感情。美在于发现、期待和捕捉。美的客观存在只有被发现并被主观表现的时候才具有审美的意义。美在于突破常规视角，形式美有时候也是内容美。一定关注视角，反映了你看问题的立场、观点和态度。美在于主题创意，任何艺术品都有一定的主观意图或者是都具备被人理解的内涵，摄影也不例外。
       发现、期待、捕捉。眼光决定镜头的取舍，也就是我们镜头的理想是什么样子的。期待是你对理想的追求和渴望。捕捉是理想的瞬间实现。我们看这张照片，这张照片我不认为它有多好，但是它非常难得，这是珠峰五姊妹。为什么难得？珠峰又名羞女峰，它总是云遮雾罩。珠峰是这样，如果要把五姊妹都看全就更难。它有两个要素，第一个就是它得是没有云彩，第二，你得站在这个位置上，如果去往珠峰，要想把珠峰五姊妹看全，在通往珠峰的道路上只有一个地方，只有一个山口可以能够看全它，同时你到这个山口的时候，它还不能有云彩，所以能把珠峰五姊妹看全非常难得。当时我去的时候，这是第三次去西藏拍照，我们到了平台的地方，一下就拍了，给了我们十八分钟时间，云雾又闭合起来了，珠峰五姊妹没有了。这是珠峰拍摄的一张照片，它经常就是这个样子，珠峰角下比较小的山峰，它的峰头已经被铁灰色的云雾笼罩，要看到珠峰五姊妹是很大的造化。我到雪域高原的时候，四大寺庙的堪布亲自接待了我，把他们自治区的干部羡慕的不得了。
       摄影讲究天时、地利、人和，关键是心有期待、腿脚勤快。这是雾锁塔桥，是欧洲的顶尖级景观，英伦的头一号景观。但是大家知道，从60年代开始起伦敦就没有雾了。我们去英国，当时我住在塔桥，住了七天的时间。后来办了个人展览，叫一个中国记者眼里的伦敦。我们去的几个人，大家三天四天守过来，到第八天要离开了全都睡懒觉了，我就说不行，我到底看看雾有没有。没有想到早上起个大早，一下就被雾包围了，当时所有沿岸站满了伦敦的摄影师，我最惨350D，连三脚架都没有，这张照片是放在栏杆上拍摄的。我试图通过一个中国人的视角，用中国人的构图去看待伦敦的雾。照片拍的好坏不敢说，最起码现在很难拍到，特别是塔桥是很难的。
        突破常规的视角。为了从下面拍到它，我基本上是倒挂在栏杆上，脚勾着栏杆，后来英国的摄影师大卫说，我们没有见过这样去拍这道桥的，其实它就是新的视角对创意生成的影响。艺术本质在于创新，包括理念的创新，技法的创新，主题的创新等等，对于普通爱好者来说，我们选取新的角度，打破常规看事物是使创新成为可能的主要途径。技法创新谈何容易，理念创新谈何容易？但我们在主题上创新是可以的。突破常规的视角让我们重新理解事物或者赋予事物新的内涵。视角和视域的选择，实际上是捕捉事物本身的途径，就是要用影像语言传达事物的特质和摄影者对事物的认知。我们知道在西藏有四大圣湖，其中几个圣湖我都走到了，每个湖有自己的特点，我们看看这三个湖，这是羊卓雍错，这是玛旁雍措，这是纳木措，实际上我力图通过相机的视域，通过相机的视角反映他们的特点，能够通过影象加以呈现，视角的变化也是这样，这张照片是把相机放在脚面上拍摄的，形成了低角度的视角，这张照片是用了窥图法。
        突破常规看事物。尤其适用于为大家熟知或大家都拍摄过的题材。这是沿岸，它为了方便大家拍照片，它在沿河修筑了很多平台，但是最标准的我想也就不是最好的了，我们换个角度去看沿岸会有新的元素，这是沿着河走到没有那么多人拍摄的影像，由于我们机位角度的变化，使光线的走向形成了变化，这张照片形成了典型的侧光，明暗的对比，新旧的对比，中间桥的连接，形成了一个主题的再造。
对创意的理解。创意是我们认识事物、反映事物的创新性思维和手段，关于创意有很多说法，创意是头脑的激荡，创意就是要把锅底砸破，各种各样的说法，但说来说去，创意就是重新认识事物的方法和手段。摄影的创意就是较具新意的影响语汇，表达你被摄对象独到看法。创意的本质属性通俗理解就是打破常规，换一个角度思考问题，解决问题，在司空见惯中创造新颖奇特，摄影是创新的艺术，这种创新更多体现在创意上，即你创造主体和传递主题的创新性和意识和方法。风光摄影的创意往往是通过独特的视角，瞬间的把握，有意识的取舍，非同寻常的构图，赋予景物强烈的主观意识等等方法实现的。对于业余玩家来说，创意是我们打拼专业摄影人的利器。钱咱拼不过人家，技法咱拼不过人家，人家能走到的地方你走不到，人家有时间你没时间，我们还能拼什么？拼情感。赋予我们的照片情感，赋予我们照片新的主题。

　　拍摄创意的重要性

        要有照片的创意，首先要认识理解你所拍摄的对象。这张拍摄于2008年的照片，就是我了解、观察伦敦之后的产物。伦敦是个老牌资本主义，由于它承办奥运会，伦敦这两年由此带出了新的活力。我正是把这样的意识融入到照片当中去，画面当中我使用了几乎伦敦所有标志性的元素，比如说八分钟、大巴士、出租车和伦敦眼。如果我没有对伦敦历史的了解以及对这样一些元素的认知，也就不会有这张照片。所以观察观察、认识、体味你的旅行地、从中获得你独到的见解和感受，是拍摄创意的前提。
        大家经常出去摄影有的时候是跟摄影团队，有的时候是自己在户外。我给大家建议，如果大家去拍片子，一定要对你的拍摄地有所准备，有所知识的了解，知识的储备，我不相信你一点不了解它，蒙能蒙出好照片来。偶尔可以，一定要先对你的拍摄地有所了解，才有可能生成好的影像。
        多一分探寻，多一分创意。这是塞罕坝尽头的景点，塞罕坝我每年最少去一次，去拍片，大家以后谁愿意去可以搭帮，这地方比较近，去也比较方便。这个地方没有人拍它，就是因为它是个坟头，实际上它是有故事的，当我们了解它故事的时候，我对它充满了新的感情，因此我不仅拍它还大拍特拍。也就是说你多了一些了解，多了一些探寻，可能对你的拍摄地过去可能司空见惯的，甚至有些厌恶的，可能会生出新的感觉和创意思想。
        多一分想象，多一分创意，这是伦敦一张照片，题为《牵手》。我们选取了一个角度，使它有手牵手的感受。古代文明和现代文明手拉手呈现在眼前，给人协调感。对于历史和未来，会赋予现实景物以新的意韵。想象力是意识的灵魂，想象无极限是艺术创造无限的空间，面对大家熟悉的景物，如果你展开想象的翅膀，照片的主题和表现力就会给人非同寻常的感受。这是在思溪延村。思溪延村是两个村子，一个是思溪村，一个是延村，这是它的廊桥，这个廊桥很多人去拍它。但是这是唯一一张，没有人这样拍它，我把它想象成一艘船。去过伦敦的人都知道伦敦塔是一座牢固而血腥的监狱，它代表了欧洲历史上最黑暗的时代，这个监狱非常坚固，据介绍没有一个犯人从这里逃脱。那天从伦敦塔出来之后，一线飞机拉出烟雾横在天上，而象征着黑暗的古狱和象征着自由的现代建筑交织在我的视线中，我为自由的渴望而感动。想象力往往是通过象征手法实现的，象征不仅可以传达抽象的思想，意识和情绪，甚至可以使画面语言转化成生命的形象，让我们在视觉当中所谓的聆听音乐的交响。这张照片用影象的长线条呈现蒙古长调的悠远。
        多一分借喻，多一分创意。借喻类似于比喻但是不同于比喻，它是以喻体代替本体。在摄影创意和许多艺术形式中，借喻被经常运用，从而增强艺术的魅力和形象性。这个就是天游峰下拍摄的石刻，就是清代僧人运用借喻的手法创作的石刻作品。这幅作品叫长寿，只有寿字没有长字，它是以寿这个字的长，比喻长寿，这是一张典型的借喻艺术品。这张照片借用了各个时期的建筑，包括古罗马时代的，维多利亚时代的，近期时代的和现代的，这样一组画面的组合，用这种建筑的叠加指带思想的叠加。这张照片叫轮回，也是借用了借喻的手法表达中国的观念，在这个影像里面，它是使喻体具体化，产生轮回的联想。这张照片叫阴阳，用光照的阴阳体现道家阴阳观。这是用荷叶的荷指带和谐的和。
        多一分象形，多一分创意。象形在自然界是以形象的实体方式存在的，但是你要发现它要适当的角度才能获得。魔鬼身材，这是在火车上刚拍的，列车长看完之后他说我在路上走了好几年了，我怎么就没发现，这是唐古拉山的一小块儿山体，魔鬼身材。还有象形物在自然界稍纵即逝，或是在一定光影条件下才能生成，这就需要一定的机会。这张照片天马，这张照片的趣味性就在这里。这是米拉山的主峰，我特别喜欢米拉山，孔雀开屏，这是它的山口，也只有在光影条件下才能出现，这是等来的。找到最佳平衡的创意点。这是错那湖的翅膀。这张也是，只有站在塔桥的中间拍摄，这座桥梁才有羽翼的感觉。这个地方车水马龙，旁边的栏杆是不让人进去的，我玩命一样翻进来拍，也没拿三脚架，就是手持拍摄的，因为只有这样的位置才能拍到它。实际上我们讲创意也就是找角度，找到合适的角度时候，创意是自然生成的。秋窗也是这样，在两棵松树的缝隙之间拍过去，如果我们多拍一点，创意和构图有着很直接的关系。反常。这都是一些比较反常的照片，同一个时间拍的照片，怎么拍的，大桥在震动，高频振动，把相机搁在那儿自动拍摄。这个叫血腥年代，这座建筑的围栏是不让人逾越的围栏，我们拍摄时候去的几位摄影师，都是把镜头探进去这样拍，而我觉得表现古狱把围栏带上恰恰把它的围栏带上更有味道。我们讲角度，讲创意，实际上我认为大家要记住一条，就是我们要形成差异化的视角，只要有差异化的视角，我们就能生成比较特别的影像。什么意思呢？大家都在平视事物的，我们相机哪怕只要放低一点或者放高一点，都会形成和平视不同的差异化视角，所以我建议在大家拍摄风光也好，拍摄景物也好，拍摄鸟也好，尽量避免平视。
        多一分期待，多一分创意。这张照片发表之后他们都说我造假，实际上它是三架飞机，一架飞机在高空飞，一架在中高空飞，这是一架低空飞机，我觉得它很好玩，就等着它，走到这个位置按下快门构成了一张很好玩的照片。所以多一点等待的时候，可能会生成一些不错的影像。这是对于动态事物，对于主题生成的运用。这张照片也是这样，这张照片是在一个道观里边，小道士在走，后边一个小姑娘拿着手机在拍他，他们前边落着一只鸟，等他往前走的时候把鸟惊起来了，我按下快门，构成一个比较有趣的照片，叫追道。
        多一分曲折，多一分创意。风光也好，旅行摄影也好，画面美不是唯一目的，传递你的想法，你的思想情感，或是如人所说提出问题，能够提出这样的问题往往比单纯美更能打动人，在这个时候用曲折表现你的创意，会取得比较好的艺术效果。所谓曲折就是用照片的元素、包括影象、构图、标题等等调动读者的想象力，参与到从视觉到心理的审美过程当中。这些照片都使用了一些古人文法的曲折法，虽说好的照片自己会说话，但标题仍是创意的一个部分，这张照片是晕眩，是从行车当中的感觉，到心理的反映，利用标题生成了创意的意韵。还有一个办法，主体并不出现画面当中，而是通过另一个事物去反映主体的存在或者状态。这两个照片就是用这种方法生成的，这张照片，草原来了生人，生人并没有出现，而是用牦牛定睛看来体现主题。这张照片是主人的脸色，我们可以想象主人的脸色是什么样的。
        总结一下我的摄影观。照相与摄影，人头比镜头更重要，图的是乐趣，玩的是感情，比的是眼光，拼的是头脑。技巧方面很重要，但最好的技巧是让人感觉到所有应该感觉到的一切，却唯独感觉不到技巧的存在。
为今天我和大家交流做一个小节，读懂照片进而拍好照片，是网络时代的一项文化技能或必备素质。摄影的物质依托是相机，但摄影的本质是人的属性。其设备的贵贱优劣并非决定性因素，开发好普通相机的能力，用人头决定镜头，我们一样可以拍出好看又会说话的照片。照相与摄影相去甚远，摄影作为独立的样式依然有其存在的规律。照相与摄影离我们很远，又离我们很近，从技术的原理和层面上说是相同或相通的，只要方法对路，勤于实践，提高素养，我们就能跨过看似难以逾越的鸿沟，从照相走向摄影。