飞乐音响停牌分析:芭蕾入门的20个实用小贴士

芭蕾入门的20个实用小贴士

    芭蕾的五个脚位是自1700年固定并沿用至今的。在脚的五个位置中，大腿必须从髋关节开始向外打开，以便使两只脚的脚趾都能准确的面对左右两侧达到180度的角。芭蕾的脚位堪称是奠基性的，身体其他部位的一切规范位置和审美理想都是以此为基础发生出来的。

脚部的五个基本位置：

第一位 : 两脚跟紧靠在一直线上,脚尖向外180度

第二位 : 两脚跟相距一足的长度,脚部向外扭开,两足在一直线上

第三位 : 两脚跟前后重叠放置,足尖向外张开

第四位 : 两脚前后保持一足的距离,两足趾踵相对成两直线,腿向外转

第五位 : 两脚前后重叠,两足趾踵互触,腿向外转 

2、芭蕾的手位

芭蕾手位学习手的位置之前必须学好手的形态：大拇指尖要轻轻地碰到中指的指根处，其它的手指稍弯一些挨在一起放好。这种形态只是在初学时才要求这样做。因为那时学生还不能有意识地支配，控制自己的动作，因而手指容易紧张。以后，手的形态变得比较自然，大拇指不必碰中指，而是朝向手心既可。我国至今延用的是下面介绍的七个手位：一位手手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。二位手手保持椭圆型，抬到横隔膜的高度。（上半身的中部，腰以上，胸以下的位置）但在动作过程中，要注意保持胳膊肘和手指这两个支撑点的稳定。三位手在二位的基础继续上抬，放在额头的前上方，不要过分的向后摆，三位手就象是把头放在椭圆形的框子里。四位手左手不动，右手切回到二位，组成四位。它已是舞姿了。五位手左手不动，右手保持弯度成椭圆形。从手指尖开始慢慢向旁打开。在过程中胳膊肘和手指两个支撑点要保持在一个水平面上。手要放在身体的前面一点，不要过分向后打开，起到一个延续双肩线条的作用。六位手右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。七位手右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。结束双手从七位（手心朝前）划一个小半圈，手心朝下，向两边伸长后，胳膊肘先弯曲下垂，逐渐收回到一位。结束。六位手右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。七位手右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。结束双手从七位（手心朝前）划一个小半圈，手心朝下，向两边伸长后，胳膊肘先弯曲下垂，逐渐收回到一位。

2、芭蕾的审美原则是什么？

“开”“绷”“直”“立”是芭蕾的基本审美原则。所谓“开”是指芭蕾舞者需要从肩、胸、胯、膝、踝五大关节部位，左右对称向外打开，尤其是双脚应该向外打开呈180度。所谓“绷”指芭蕾舞者需将肢体各个部位绷紧，尤其是膝关节和踝关节，以及脊柱和颈椎关节。所谓“直”指芭蕾舞者要是背部向门板一样向上挺直。所谓“立”指芭蕾舞者要使头颈、躯干和四肢作为一个整体，傲然挺立。使真个身体能量内聚，重心上提，以便在较高的空间层面上发射能量。 

3、芭蕾有哪些程式化的动作？

所谓程式化动作，指那些经受了长期历史考验之后固定下来的动作，这种动作具有严格的标准和频繁的使用率。芭蕾技术大致可以分为动态技术和静态技术两大部分，而动态技术又可以分为跳、转、跳转结合和连接动作这四类。男舞者常用的一个跳跃动作叫“交织击腿跳”：舞者在一次腾空中，左右脚要在空中连续前后交织打击若干次，然后落到地面。尼金斯基曾创造出相互打击5次的记录，而另外一位名叫玛肖夫的俄国演员则留下了8次的惊人记录。转的技术中，“挥鞭转”（法语Foutte）是女舞者常用的难度较大的动作，即舞者以任意一条腿为轴，在半脚尖或全脚尖之间连续起落，而另一条腿连续屈伸，以划圈的方式带动整个身体在原地旋转。这个动作在古典芭蕾舞剧《灰姑娘》《天鹅湖》中得到充分运用，尤其是在后者的“黑天鹅双人舞”中，连转32圈成为演出全剧能力的标准。在《吉尼斯世界大全》中，1940年由澳大利亚女舞者杰克逊创造的121圈的最高纪录至今无人可破。但这个纪录是在教室里完成的，从未敢在舞台上炫耀这个绝活。因为，芭蕾舞者的技术发挥一般在舞台超不过在教室里。芭蕾中还有两种经典的舞姿，一个叫“阿拉贝斯克”（法语Arabesque），一个叫“阿提久”（法语Attitude）。“阿拉贝斯克”也称为迎风展翅式。主力腿或微蹲、直立，或立于半脚尖、脚尖上，动力腿伸直向后抬起，两手臂前后伸展成一条直线。“阿提久”也通常称为鹤立式。主力腿或微蹲、直立，或立于半脚尖、脚尖上，动力腿向前或向后弯曲抬起，同时，一个手臂在三位，一个手臂打开在七位，这个姿态可分为交叉式、敞开式。据说，英国芭蕾明星玛戈·芳婷在这两个舞姿上完成静态平衡可达10秒钟之久。连接动作中最常见的一种动作叫“足尖碎步”，通常是女芭蕾舞者两只脚前后交叉重叠，并在这个连续性的舞步上做横向移动。福金为巴甫洛娃创作的《天鹅之死》别出心裁地将这个连接性动作变成起主导作用的动作，贯穿舞蹈始终。 

4、芭蕾中有哪些手势？各表示什么含义？

在芭蕾中经常的一些哑剧手势，是很早以前创造出来的，久而久之，观众已习惯从这些固定动作中了解它的含义。譬如：演员用手按左胸表示“爱”；双手在头顶交替绕圆圈表示“跳舞”；一只手的手背从方向相反的脸颊划到下颏处表示“容颜美丽”；摊开双手或单手表示“询问”；双手握拳交插于身体前方表示“死亡”；单手上举，食指中指并拢表示“宣誓”，用一手指指着另一手的无名指表示“订婚”或“结婚等等。

5、芭蕾等于脚尖舞蹈吗？

芭蕾并不完全等于脚尖舞。在整部芭蕾五百年的历史上，脚尖舞的历史却不到200年。在脚尖舞成为女舞者的看家本领前，她们是穿着有跟鞋或者无跟软底鞋跳舞的。20世纪70年代后，芭蕾进入当代芭蕾时期，女舞者在舞台上穿的舞蹈鞋更是出现了多元化的情形：除了穿脚尖鞋外，还有穿软底鞋和爵士鞋的，更有穿生活状的旅游鞋和高跟鞋的。毫无疑问，这些芭蕾舞者们所跳之舞都应该算是芭蕾。 

6、在脚尖上翩翩起舞的“仙女”塔里奥妮

  浪漫主义时期的芭蕾明星塔里奥妮的成功和他的父亲菲利浦·塔里奥尼有不可分割的联系。菲利浦·塔里奥尼是意大利籍的法国优秀芭蕾教师和编导家，他一生梦寐以求的事是使爱女塔里奥妮能在芭蕾的世界里出人头地，成为世纪性的芭蕾明星。但小塔里奥妮生来既无自然匀称的身材，又无楚楚动人的面孔，在舞蹈学校众多先天条件优越的同学面前自惭形愧，失去了学舞的兴趣和信心。于是，加入了逃学孩子们的队伍。父亲发现后，决定把她领回家来亲自调教，没用多长时间，便证明了“严师出高徒”的真理，不久，小踏里奥妮开始尝到了刻苦练功、用心跳舞的乐趣，并从此苦练不辍，废寝忘食成了家常便饭。这种“工作狂”的习惯一直持续了她的整个表演生涯。据说，如果晚上没有演出，她每天上午练功，一定要练到动弹不得，让仆人抬回家去才会罢休。他的父亲菲利浦·塔里奥尼也按照女儿的体型和能力来编创舞蹈，舞剧《仙女》中的主角“西尔菲达”就是根据塔里奥妮的特点精心设计的，而且在这部舞剧中她立起了脚尖，用“脚尖功”技巧作为刻画轻盈飘逸的仙女的形象的造型手段。

7、脚尖鞋何以支撑芭蕾女舞者的体重？是怎样制作的呢？

    脚尖鞋的基本组成部分一般包括：由七层布料胶合而成的鞋前壳、接触地面的外部鞋底、加强脚背力量的鞋里衬底，以及夹在两者之间，用来强化脚趾力度、硬度较强的骨架。脚尖鞋的鞋尖是一块一平方寸大小的平面，为舞者在脚尖上作舞达到平衡提供较大的支撑点。在这些“硬武器”的里里外外，有多层棉布衬里包裹，而在最外面则是一层色彩艳丽的缎面。每只鞋的两侧还逢有两根长长的缎带，以便将鞋交叉固定在脚上。  一双芭蕾舞鞋的寿命短得令人遗憾：上场演出2-3次。

8、脚尖鞋里诞生的追星族

    芭蕾史上，19世纪上半叶的两位浪漫芭蕾明星塔里奥妮和艾尔斯勒都曾为脚尖鞋的收藏史创造过神话。1842年，塔里奥妮在俄国艳惊四座后，她的崇拜者们将一双她穿坏的脚尖鞋，以300卢布的价格买去。1840年，唯一一位可以和塔里奥妮平分秋色的芭蕾明星艾尔斯勒在美国巡回演出时，她的崇拜者们将她用过的脚尖鞋作酒杯使用，开怀畅饮香摈酒。在当代芭蕾史上，英国明星玛戈·芳婷、前苏联明星玛卡洛娃、普列西斯卡娅、美国明星格尔西·柯克兰等出类拔萃的舞者穿过并签名的舞鞋，都是供不应求的抢手货。俄国芭蕾明星巴甫洛娃穿脚尖鞋的脚还曾被美术家翻制成了青铜雕塑。 

9、为脚尖鞋而生的大编舞家巴兰钦

    在20世纪的芭蕾史上，有一为自称“为脚尖鞋而生”的编舞家，他就是乔治·巴兰钦。他有两句名言，第一句是“芭蕾就是女人”，可见，女舞者与脚尖鞋在他心目中，已完美地融为一体。第二句是“看音乐、听舞蹈”。这句话形象地说明，这位交响芭蕾编舞家在舞蹈和音乐两方面的深厚修养，使他能够从五线谱中“看”到动态的舞蹈形象，并呈现在舞台上；另一方面，也告诉我们，他能够仅凭聆听芭蕾女舞者穿着脚尖鞋跳舞的声音，得知她们表演的优劣，尤其是判断她们的脚尖动作是否与音乐节奏和韵律水乳交融。 

10、芭蕾演员选材的标准有哪些？

    芭蕾舞者的身体要求是所有舞蹈中最为苛刻的。首先，下身（从赤脚的脚板到臀线）必须比上身（从臀线到颈椎自上往下数的第三节）长18至20公分。其次，双臂侧平举的长度与要与身高等长。所谓“三长一小”的标准就是指胳膊长、腿长、脖子长，外加一个小脑袋。因为，拥有这种身材的舞者重心比较高，容易完成各种轻盈和高速的跳跃和旋转。此外，天生的面部形象、肢体的软度（腰腿各关节的灵活和韧带的柔韧）和开度（肢体向外打开的程度）、脚背条件（脚尖绷直时，脚背是否高高地凸出，并显示出一种流线形的弧度），也是必不可少的评判内容。对于女舞者来说，脚趾先天条件的好坏更是至关重要。对于穿脚尖鞋翩翩起舞的人来说，最理想的脚趾应该是从大拇指开始，一连三个脚趾的长度相同，因为，这样“三合一”式的脚趾群，能够形成一个较大的平面，以便平均而稳定地支撑身体的重量。 

11、芭蕾舞剧音乐的特点？
    音乐在芭蕾中占有不容忽视的地位。根据舞剧脚本谱写的音乐，是舞剧编导赖以进行编创舞蹈和戏剧动作的基础。舞剧音乐既要体现完整的艺术构思、描绘戏剧性的情节进展，又要刻画鲜明的音乐性格、揭示人物内心世界与感情变化。舞剧音乐节奏明确、抒情色彩浓厚，适于舞蹈旋律，体现作品时代、地域风貌。有“舞蹈灵魂”之称。 

12、芭蕾舞剧的艺术结构是怎样的？
    芭蕾舞剧的舞台表演，是由哑剧和舞蹈两大部分构成的。舞蹈部分又可分为直接推动情节进展的和情节单一、表演性强的两种舞蹈。其中“双人舞”模式是古典芭蕾的核心组成部分，这种固定的模式形成于俄罗斯的彼季帕时代。所谓“双人舞”模式指按照ABA三段体模式创作和表演的男女双人舞。A代表男女合舞蹈，B代表男女分别独舞，行话叫做“变奏”，通常是男-女、男-女分别跳两轮，主要用来展示各自辉煌的技巧；而第一次合舞必定是在慢板的音乐中优美抒情的开始，第二次合舞则一定在快板音乐中欢快活泼地结束。双人舞早已成为各个国际芭蕾大赛的必选剧目，如《唐·吉诃德》《天鹅湖》中的二幕双人舞和黑天鹅双人舞，《睡美人》中的蓝鸟双人舞等等，都是全面展示男女舞者各自肢体条件、技术水平、音乐感觉、表现能力、相互配合优劣的试金石。其次，古典芭蕾舞剧中还有丰富多彩的“性格舞”，这是指根据芭蕾舞剧内容和形式的需要，再创作并表演的一连串各类异国情调的民间舞，具有渲染气氛、烘托场面、丰富色彩和推动情节等功能。

13、如何欣赏芭蕾？

    欣赏芭蕾，大致有两条思路。一条是传统的，一条是现代的。即用一丝不苟的传统思路去欣赏“早期”“浪漫”“古典”这三个时期的芭蕾舞剧，包括提前到剧场整理情绪，仔细研究一下节目单中的剧情概要、编导演员介绍、有关评价等。而用随遇而安的现代思路去欣赏“现代”“当代”这两个非传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾或纯粹型芭蕾。与传统相反，现代欣赏认为最好不看节目单，以免形成先入为主的印象，观众可以带着各种见解、思想观念观舞、评舞。 

14、欣赏芭蕾为什么要“动觉”先行？

    动觉和视、听、味、嗅等其他感觉一样，是每个正常人天生就有的感知力。具体地说，是一种无需亲自完成动作，但能用肌肉感觉到某种相同感受的能力，也称为“内模仿”。欣赏舞蹈，动觉是观众最重要的工具，编舞家和舞蹈者的一切思想感情都是通过动作传达的，而观众则是靠动觉去感知舞蹈所要表达的东西。 

15、鉴别芭蕾演员技术优劣的基本标准有哪些？

    芭蕾舞演员不仅选材严格，对技艺也有严格的要求。评判芭蕾舞者技术优劣的基本标准有以下几点：１、旋转。数量的多少和质量的高低是评判旋转水准高低的核心标准。所谓质量，主要指旋转过程中，规范的舞姿是否走样、空间定位是否合乎要求，停止旋转时是否稳定，是否能自然而然地完成这个动作等。如《天鹅湖》中的“挥鞭转”，不仅要求旋转数量要达到要求，而且在旋转过程中，主力脚要尽量保持在原地的位置，结束时的舞姿要干净利落，懂行的观众还会给舞者数旋转的圈数。２、跳跃的高度。芭蕾演员要轻盈地跃起，给人“飞跃空中”的感觉，特别是男演员，拥有良好的弹跳力是必不可少的技术。据说，前苏联的芭蕾明星尤里·索罗维也夫弹跳的绝对高度是１．３米。达到这种高度绝不亚于跳高运动员，但不同的是，舞者在达到这个高度的同时，必须保持优雅的舞姿和翩翩的风度，芭蕾毕竟是艺术不是体育运动。３、无声优雅的落地。芭蕾舞演员要有良好的控制力，在完成跳跃动作落到地面时，身体不能松懈，舞姿不能走样，而且，尽量减少落地时脚踏在地面上的声音，这也是评判技术高低的硬标准。４、支撑腿的稳定性。芭蕾舞演员在完成动作时，除了要注意绷直膝盖和脚背外，还要求支撑腿像板上钉钉子一样，一动不动。如果摇摇晃晃，尤其是脚腕子晃动，说明舞者一时找不到中心和平衡，这是古典芭蕾规范所不允许的。５、舞者在跳舞时的状态也很重要，应该表现出充分的自信和优雅，尤其是在完成简单和高难度动作之前和之中，不能表现出任何不安，而应该给人如履平地的轻松自如感，以及一气呵成的整体感和舒适感。 

16、欣赏芭蕾如何鼓掌？

    出席芭蕾晚会的人，在各幕（场）结束和演出终了时鼓掌致意已成惯例；每个舞段之间如果没连续性的音乐连接，人们也会抱以掌声；甚至当演员表演一个高超的绝技，即使整段舞没完，也会激起人们喝彩的欲望——这时的掌声对演员来说无异于兴奋剂，会促使他们把下面动作完成的更好。但是，如果演员表演的是深沉抒情的优雅舞段乃至如此场景，把观众带进情绪陶然的静谧气氛，掌声的出现就不大相宜了。 

17、浪漫芭蕾的艺术特征有哪些？

浪漫芭蕾指十九世纪初萌芽，三十-五十年代达到高潮的舞剧发展阶段（主要在法国）。在舞剧题材上有“童话神话”取向，在审美观念上奠定了“轻盈飘逸”的理想，在动作指向上确立了“垂直向上”的习惯，在服装风格上形成“白色纱裙”的模式，对后世各个时期的芭蕾从训练到创作、从表演到欣赏，产生了全方位和决定性的影响，因此成为整部芭蕾发展史上的核心阶段。为此，我们可将此前的早期芭蕾时期成为“前浪漫时期”，并将此后的“古典芭蕾”时期成为“后浪漫时期”。 

18、古典芭蕾的艺术特征有哪些？

古典芭蕾指十九世纪下半叶，特别是最后二十五年这一舞剧发展时期（主要在俄国），是以俄罗斯学派的崛起为背景的。俄罗斯学派可谓集意大利和法兰西两大流派只大成，同时自然天成的带上了俄罗斯民族的气质，有气势恢弘、动作幅度大、力量强，重视戏剧性的特点。逐渐形成了颇具气势的“大型舞剧”这一舞剧样式。以彼季帕为首的编导家们创造了复杂的舞蹈结构，在这些结构中，概括的形象是通过不同的造型主题的发展和对比产生的，而独舞和群舞动作的相互配合、图形和节奏的各种变化又构成了多种多样的造型主题。正是由于交响音乐家参加创作，舞剧才终于从单一的浪漫芭蕾的“舞蹈戏剧结构”真正“进化”成了“音乐舞蹈戏剧结构”。与此前的浪漫芭蕾相比，古典芭蕾时期留下的作品较多，尤其是《天鹅湖》《睡美人》《胡桃夹子》（同为柴可夫斯基作曲）生命力最强。在这一时期还形成了舞剧中的“双人舞”和“性格舞”模式，以及“舞剧乃舞蹈的最高形式”等观念。尽管这一观念在后来的现代芭蕾时期被打破，出现了回归舞蹈本体，无情节、非舞剧的芭蕾作品。 

19、现代芭蕾的艺术特征是什么？

一、现代芭蕾向传统芭蕾所尊崇的古典唯美原则开战，部分编舞家甚至采用内扣腿脚、平面动作等回归远古动律的做法；二是创作思想呈自由开放型，敢于吸收古今一切有益的东西，为我所用；三是创作手法多样化，摈弃任何固有模式；四是在内容和形式的关系上，深受现代舞的影响，主张两者完全统一，提倡创新，不重复别人，也不重复自己。 

20、当代芭蕾的艺术特征是什么？

一、在美学观念上，采取兼收并蓄的态度，不再为任何门户之见相互对峙，而是提倡对当代社会的新观念作出自己的思考，力求传统美学与现代美学的完美统一，主张多元化审美标准的任意选择；二是在动作媒体上，向包括肢体各部位、各种舞鞋、服装、道具、布景在内的各个方面寻找动作的可能性，三是在用力方向上，提倡根据具体需要，向地心，向天空，向周围环境任意拓展；四是在舞台空间上，向更大的广度进军，充分挖掘和占领舞台上下、剧场内外的一切空间。