:摄像基础知识

来源:百度文库 编辑:九乡新闻网 时间:2024/03/29 15:36:35
        一、摄影

  摄影有两种含义:

  一是指摄制人员。摄制人员是一部电影造型艺术的体现者。一部电影——全体创作人员的劳动结晶,都是通过摄影人员一个镜头一个镜头地拍摄出来的。他与导演一起进行“创作”,也就是说,作为一个摄影人员,职责就是在导演的创作思想指导下,用摄影手段、技巧去实现导演的创作意图和艺术构思。

  二是用电影摄影机摄取景物影像的过程。通常包括三个步骤:
  (1)首先使景物形态通过透镜在感光片上曝光,构成潜影;
  (2)其次将曝光后的感光片经显影和定影等化学处理,得到明暗程度与景物相反或色彩与景物互成补色的负象,即底片;
  (3)最后,使另一感光片通过底片曝光,再经显影和定影等化学处理而得到明暗程度或色彩与被摄景物一致的正象,即透明正片。也有使用反转感光片拍摄的,经过显影和定影等化学处理,直接得到透明正片。

  二、摄像

  摄像有两种含义:

  一指摄像人员。摄像人员是一部电视教材造型艺术的体现者。其职责是在导演创作思想指导下,用摄像手段、技巧去实现导演的创作意图和艺术构思。

  另外,指用电视摄像机摄取景物影像的过程。

  三、录像

  录像有两种含义:
  (1)指使用录像机的人员。
  (2)将电视摄像机摄取的景物影像用录像机记录在录像磁带上的过程。

  四、暴光

  感光材料受光作用的过程。曝光量的大小取决于感光材料受光的照度与曝光时间,即:曝光量= 照度×时间。照度可用光圈大小来调节,曝光时间可用遮光器(铱烀庞)速度来控制。电影摄影机中的胶片是恒速连续运转的,一般除使用光圈外,有时也配合使用装在机身内部的俗称乙蹲影逵的遮光器的开角度大小调节曝光量。

  1.曝光点

  电影底片上获得中级密度的景物亮度控制点,也是曝光组合选择的基准点。在电影生产中,对它的选择受如下相互关系的制约:中级反光率的景物亮度产生底片中级密度,经过标准光号印片而获得银幕最佳视觉效果。实际拍摄中,被摄体所处的具体光照条件是选择曝光点和计量曝光时各种参数的主要依据。

  2.曝光不足和过度

  拍摄场景的光线比较昏暗,在拍摄时又未调整好光圈而致使拍摄出的画面昏暗不清,称为“曝光不足”,反之,称为“曝光过度”。曝光不足和曝光过度本是摄影差错所致,但有时为了获得特殊的艺术效果,有意使曝光不足或过度。在两种画面交接时,运用曝光不足或过度这种特殊的技巧,可以产生意想不到的艺术效果。

  3.曝光反效应

  指在增加曝光量后继续曝光,使密度反而降低的反效应。

  4.暗部曝光

  用测光表暗部曝光点对准最低量度进行曝光,叫暗部曝光。暗部曝光使暗部层次分明,其余部分都在底片有效光域之外,必然曝光过度,尤其画面最亮部分发白、发毛。这种方法适用拍明调、软调等画面。

  5.亮部曝光

  测量景物选择光域中最高亮度,用测光表亮部曝光点对准最高亮度进行曝光,这叫亮部曝光。这样的方法,只能拍到选择光域中的亮部阶梯部分,其他渐暗部分都在底片上有效光域之外,必然曝光不足,缺乏层次。画面中的高亮度部分层次分明,而阴暗部分成为暗影或剪影。这种方法适合拍“暗调”、“硬调”的画面。

  五、感光

  1.感光度

  表示感光快慢的数值。在规定的显影条件下,测定感光材料达到一定密度值所需的曝光量,即:感光度= 常数。感光度的计量,国际上有很多标准,如我国暂行标准(GB),美国国家企业标准(ASA)等。

  2.感光测定

  以曝光量与密度的关系为基础,检验感光材料性能和控制摄影及洗印条件的方法。将感光材料在感光仪中作阶梯式、渐变式的曝光,经显影后得出一条曝光量与密度值对应关系的特定曲线,即可测得感光材料的感光度(曝光指数)、反差系数(以r表示)、宽容度(亮度容纳范围)等特性指标。将光楔作不同时间的显影,根据反差系数与显影时间的对应关系,画出一条 r= f(t)函数曲线,作为控制中的洗印条件的依据。

  六、清晰度、明度与能见度

  1.清晰度

  又称“象界”,摄影透镜的成象在细微纹理上表现清晰的能力。物体的反射光点通过透镜聚成焦点(实际上是分散圈),其大小可以决定透镜的清晰度。若分散圈大,则透镜的象界一定柔散,细微纹理不能显示出来;若所有分散圈都很小,而组成的象能分辨出细微纹理,透镜的象界可称良好。这是属于光学清晰度。此外,感光片分辨率低、曝光过度,以及显影液性质过强和显影处理方法不当等,会影响影像的清晰程度,这是属于摄影清晰度。

  2.明度

  摄影术语。由光线所产生的视觉明亮程度。明度不同于亮度,它是一种主观方面的感觉,一种心理印象,不能直接测定。

  3.能见度

  通常是指物体能被正常的目力看到的最大距离。这里是指影片画面(映在银幕上)在一定距离的情况下,被正常的目力所看到的清晰的程度,所以又称“明亮度”。能见度的好坏受诸多因素的制约,如摄影机解象力的好坏,拍摄时天气、光线的好坏等。

  七、摄影台本与摄影阐述

  1.摄影台本

   也称“摄影设计”。为体现摄影创作意图制定的具体拍摄方案。摄影台本包括分场设计、特殊效果及其具体措施。摄影(象)师要对每个镜头进行研究,从拍摄角度到布光,从拍摄时间到环境气氛,从色调到光学镜头及光学附件,从拍摄方法到技术措施,均要加以周密考虑。摄影台本也是摄影(象)师最具体、最细致的拍摄计划。

  2.摄影阐述

   电影摄影师、电视摄像师拍摄前的工作术语。摄影(象)师接受拍摄任务后,在听取导演意见的基础上,自己全面分析影视稿本,然后向摄制组阐述他对稿本的理解,对影视教材各主要场景的设想、要求等。由于摄影(象)师的创作有所不同,摄影构思的表达方式也有所不同,有的用文字表述,有的用文字加草图。摄影(象)师必须在影视教材开拍前作出摄影阐述,并与其他创作部门进行交流,统一意图,以便使摄影构思得以实现。

  八、拍摄顺序表与拍摄对象

  1.拍摄顺序表

   按拍摄的方便性,而不是按最后放映的次序来安排镜头的稿本。场景拍摄顺序,外景往往由季节决定。有时因演员同时接受两部以上影视教材任务而调整拍摄次序。在同一场景中,镜头的拍摄顺序主要考虑以相同拍摄方向的镜头为一单元,而且要先拍全景,后拍中、近景。合理安排拍摄顺序可以节约布光、搭景和布置道具陈设的时间,从而提高工作效率。

  2.拍摄对象

   即指镜头画面中所表现的景物。一般情况下,这些景物都应在镜头焦点范围之内,出焦点的景物不应属于拍摄对象(即使它也在画面之中)。但有时为了获得某种特殊效果,摄影(象)师有意将拍摄对象弄成虚焦点。在国外将拍摄对象译成“客体”。

  九、构图

   原属“造型艺术”术语,后常为影视教材制作者使用。这里多是指影视教材画面的摄影(象)构图。摄影(象)构图贯穿着影视教材创作的整个构思和再现过程。影视教材导演、摄影(象)师为表现作品的主要思想和美感,在一定的空间安排与处理人物的关系和位置,把个别的或局部的形象组成艺术的整体。构图要求有全局观念,突出主体、画面简洁、形象生动、影调与主题结合。

  1.摄影构图

   从广义上说,摄影(象)构图贯穿着摄影(象)创作的整个构思和再现过程。从狭义上来说,是指摄影(象)画面的布局、结构而言。以现实生活为基础,又以比现实生活更富有表现力和艺术感染力的表现手段,把客观对象有机地组织安排在画面里,使思想得到充分的表达。

  2.运动构图

   影视画面构思的主要表现形式。它由两个因素组成:一是被摄对象运动,二是摄影(象)机运动,有时两者同时形成综合的运动。运动会使构图不断发生变化,摄影(象)人员要根据变化的特点组织画面。在有人物和没有人物的画面里,摄影(象)机运动构图的原则是明显不同的。对于没有人物的画面,在作环境介绍时,根据所要表现的对象,不论起幅或落幅都要找出主要对象(或能表现环境特色的对象)作为构图的依据。需要突出某个对象时,应以该对象作为构图结构的中心;对于有人物的画面,应以人物为画面构图的依据。摄影(象)机的运动,常伴随人物的表演作复杂的场面调度,或跟随人物运动,或作戏剧重点转移,都要根据情节内容或景物的特色抓住主要因素来变化构图。在运动构图中,始终要注意方向、速度和节奏等因素的变化。

  3.静态构图

   即固定机位拍摄静态对象,构图组合基本不变。静态构图多为单构图形式,但由于光、色变化使画面产生多含义、多信息时,也可形成多构图画面。在卫星电视教材中,教师讲课的画面多为静态构图。

  4.动态构图

   即被摄对象或摄影(象)机处于运动状态,使画面构图组合发生连续或间断变化。动态构图是影视画面所独具的构图形式。它一般为多构图形式,有时也以单构图形式出现,如摄影(象)机伴随动体在无背景变化、无景别变化的空间运动时,就是单构图形式。

   在动态构图处理中,要注意节奏感和上下镜头中动态造型因素的衔接。

   动态构图的另一含义是影视与绘画、照相比较时,泛指影视画面构图。

  5. 风景构图

   影视教材中无人物的景色画面。因此就称“空镜头”。它遵循一般的构图原则,并选择适当的光线条件和天气状况进行拍摄,以创造影视教材内容所需画面的效果。常用以描述环境、表现时间流逝、季节变化、人物情绪、创造特定气氛和暗示、隐喻等,对剧情内容起烘托作用。风景构图多散置于影视教材各段落中,与特定剧情内容有内在的联系,处理时应注意上下镜头情节内容的贯穿及各组接因素的关系。在影视摄影(象)中,摄影人员要特别着力运用各种造型表现手段对风景构图进行气氛和情绪的渲染。

  6.多构图

   画面结构连续或间断发生变化的构图形式,是影视区别于绘画、照相等静态造型艺术的重要特点之一。由于摄影(象)机和被摄对象的运动,影视画面的构图结构可以不断发生变化而产生多构图形式。影视场面调度复杂多变,光线明暗、焦点虚实、前后景变化,均能够形成多构图画面。这样的构图在现代电影电视中的比重日渐增多。它不需要外部组接,在一个镜头里以内部蒙太奇造型形式可以交待多种含义,传递多种信息,因而多构图加强了摄影艺术的表现力。

  7.单构图

   一个镜头内只表现一种构图组合形式。单构图在无声电影时期运用较多。随着电影特别是电视艺术的发展,影视场面调度日趋复杂,运动摄影得到广泛运用,单构图在一部影视中所占比例日趋减少。但导演和摄影(象)人员从内容出发,为表现某种特定的情绪和气氛,追求某种风格,仍在一些影视片中较多地采用单构图画面,尤其在某些影视教材中单构图画面运用就更多了。单构图多为静态构图,但有时摄影(象)机伴随被摄动作移动,也会出现动态构图形式。

  8.匹配构图

   利用视觉规律造成视觉连贯性和保持画面上兴趣点位置的构图。学生在观看影视教材时,总是从银(屏)幕上寻找兴趣点,将注意力集中于这一点上。可以引起学生注意的兴趣点一般是光学镜头对准焦点的对象、动的对象、线条汇集的对象、暗调画面中亮的对象或亮调画面中暗的对象、彩色对比中突出的对象等。摄影(象)人员在处理一系列的镜头构图时,要考虑学生视觉注意活动的规律,注意对兴趣点的处理。为求得视觉连贯性,相连续的画面上兴趣点的位置不宜跳动太大。

  9.镜头构图

   即指影视导演与摄影(象)人员为表现影视教材的主题思想和美感效果,而在镜头画面上安排、处理人物的关系和位置,把个别或局部的形象组成艺术整体。构图要求有全面观念。

  十、镜头角度与镜头动作

  1.镜头角度

   这里所说的“角度”,狭义地理解就是指摄影(象)机放在什么地方来拍摄的意思。实际上,影视中的摄影(象)角度包括三个方面的因素:拍摄角度、拍摄距离和拍摄方向,这三者彼此相关。对镜头角度不能理解为仅仅是拍摄美丽画面的手段。它不仅要完成造型上的任务,同时也要完成刻作上的任务。结合具体影视教材的内容,恰当地运用镜头角度,会使影视教材的镜头结构精练、新颖,使影视教材的人物活动、事件的发生和发展,具有时间和空间极大的表现领域。不同的拍摄角度会产生不同的艺术效果。

  2.镜头动作

   即影视表现手段有别于舞台表现手段的关键之处。也就是指那些用不同方法处理的镜头的连接所产生的表现力量——所谓蒙太奇作用。电影电视正是用它配合角色的形体动作,推动剧情发展的。

  十一、前景、后景及背景

  1.前景

   在主体前面或靠近镜头位置的人物或景物。前景有时可以安置在画面的上下边缘,或画面的左右边缘,甚至可遍布画面。有烘托主体或直接帮助表达主题的作用,并能增强画面的空间深度,均衡和美化画面。在运动摄影(象)中能增强节奏感。运用前景时,应尽可能与内容密切配合。前景要美,富有装饰色彩,但不能破坏画面的统一,不能混淆主次表现对象。因场面调度和机位的方向变化,前景也可能相应转换地位而成为后景。

  2.后景

  与前景相对应,是靠近主体后面的人物或景物。在有前景的条件下,后景有时可以是主体;也可以是陪体,但多数是环境的组成部分。它可以丰富画面形象,揭示内容;可使画面产生多层景物的造型效果,增强空间深度感。画面中的后景,以俯角度拍摄的效果最为明显。后景在一定条件下亦称背景,因场面调度和机位的多向变化,后景也可能相应转换地位而成为前景。

  3.背景

   画面中主体背后的景物。背景中包括后景、远景中的人物、建筑、山峦、大地、天空,也可仅仅是人物、静物的衬底,只是一面墙、一块黑板、一个台面或一块布幔。在生活场面中,背景能表现人物和事件所处的时空环境,造成各种画面气氛、情调,帮助阐释内容。在影视画面中,主体与背景是图与底的关系,以便相互形成对比。背景有动态背景、静态背景;有绘制的、幻灯照明的、搭建的以及由特技合成的各种背景。可归纳为有象背景和无象背景两种。有象背景应注意选择典型环境,确定恰当的景物范围以及影调、色调的处理;无象背景可有影调明暗部位、面积大小以及光影的变化,以烘托气氛,也可作装饰性处理,背景应力求简洁。

  十二、起幅与落幅

  1.起幅

   运动镜头开始的场面。要求构图讲究,有适当的长度。一般有表演的场面应使观众能看清人物动作,无表演的场面应使观众能看清景色。具体长度可根据情节内容或创作意图而定。由固定画面转为移动画面时要自然流畅。

  2.落幅

   运动镜头终结的画面。要求由移动转为固定画面时能平稳、自然,尤其重要的是准确,即能恰到好处地按照事先设计好的景物范围或主要被摄对象位置停稳画面。有表演的场面要按罪人物动作不能过早或过晚地停稳画面,当画面停稳之后要有适当的长度使表演告一段落。落幅的画面构图要精确,但在特殊条件下,运动镜头之间相连接时,画面也可不停稳,采用动接动的衔接方法。

  十三、实拍

   摄影(象)人员摆好机位,布好光线(在外景和实景拍摄中还要等到需要的光照位置),导演认为各方面均已达到要求,就下令正式开机拍摄。

  1.抢拍

  采访摄影(象)的方法之一;

  故事影视片在特殊情况下的一种拍摄方法。为了抢时间,以免季节、气候发生变化,或为了及时摄下演员非常难得的某些感情真挚的表演,或为了利用真实的现场,都要运用抢拍方法。抢拍要求摄影(象)人员熟练运用摄影(象)机和充分利用造型表现方法,并有快速反应与当机立断的能力。

  2.偷拍

   利用事先设置好的掩体或隐蔽场所进行不为被摄对象发觉的拍摄。新闻记录片摄影人员常利用隐蔽场所拍摄街道上的行人以及社会生活各种场面。拍摄飞禽走兽的生活情况也常用偷拍方法。偷拍方法,是为了达到被摄对象表情自然、动作自如、场面真实的效果。

   影视教材拍摄完毕,导演在剪接(辑)时发现有的画面不够理想或缺少必要的镜头,而重新组织到规定的场地中拍摄,这些工作习惯上称为补拍。补拍的现象是时有发生的,因此对于搭制的某些重要布景不宜马上拆毁。对于新闻纪录片,为保证影片的真实效果,导演事先应做好充分准备,尽量减少补拍。

  十四、拍摄角度

  1.平摄

   摄影(象)机与被摄对象处于同一水平线的一种拍摄角度。平摄一般可以分为正面、侧面、斜面三种。

   正面拍摄,镜头光轴与对象视平线(或中心点)一致,构成正面拍摄。正面拍摄的镜头优点是:画面显得端庄,构图具有对称美。用来拍摄气势宏伟的建筑物,给人以正面全貌的印象;拍摄人物,能比较真实地反映人物的正面形象。其缺点是:立体感差,因此常常借助场面调度,增加画面的纵深感。

   侧面拍摄,从与对象视平线成直角的方向拍摄,叫侧面拍摄。侧拍分为左侧和右侧。侧拍的特点有利于勾勒对象的侧面轮廓。

  斜面拍摄,介于正面、侧面之间的拍摄角度为斜面拍摄。斜拍能够在一个画面内同时表现对象的两个侧面,给人以鲜明的立体感。斜拍是影视教材中最常见的拍摄角度。

  2.仰摄

   摄影(象)机从低处向上拍摄。仰摄适于拍摄高处的景物,能够使景物显得更加高大雄伟。用它代表影视人物的视线,有时可以表示对象之间的高低位置。由于透视关系,仰摄使画面中水平线降低,前景和后景中的物体在高度上的对比因之发生变化,使处于前景的物体被突出、被夸大,从而获得特殊的艺术效果。影视教材中常用仰摄镜头,表示人们对英雄人物的歌颂,或对某种对象的敬畏。

   仰摄的角度近似垂直,叫做大仰。一般表示人物的视点,以表现其晕眩、昏厥等精神状态。

  3.俯摄

   与仰摄相反,摄影(象)机由高处向下拍摄,给人以低头俯视的感觉。俯摄镜头视野开阔,用来表现浩大的场景,有其独到之处。

   从高角度拍摄,画面中的水平线升高,周围环境得到较充分的表现,而处于前景的物体投影在背景上,人感到它被压近地面,变得矮小而压抑。用俯摄镜头表现反面人物的可憎渺小或展示人物的卑劣行径,在影视片中是极为常见的。

  4.顶摄

   摄影(象)机拍摄方向与地面垂直。用顶角拍摄某些杂技节目或歌舞演出,有独到之处。它可以从通常人们根本无法达到的角度,把一些富有表现力的造型,拍成构图精巧的画面。顶摄的作用还在于它改变了被摄对象的正常状态,把人与环境的空间位置,变成线条清晰的平面图案,从而使画面具有某种情趣和美感。

   顶摄角度在电影电视中并不多见。

  5.倒摄

   电影摄影机内胶片经过片门时,以反方向运转进行拍摄的方法。用这种方法摄取的物体运动过程,以正方向运转放映,可以获得与实际运动方向相反的效果。倒摄常用以拍摄惊险场面。在电视摄像中,也常用倒摄方法。

  6.侧反拍摄

   从被摄物的侧后方拍摄,叫侧反拍摄。这种摄法,人物几乎成为背影,面部呈现较少,可以产生奇妙的感觉。

  十五、摄影方法

  1.定格摄影

   又称逐格摄影。是采用机械或电子控制装置,开动电影摄影机,每次只摄取一格画面的摄影方法。采用这种方法,能使形态渐次变化的图画或静物表现在银幕上,产生栩栩如生的活动效果。动画、木偶、剪纸影片或电视片中活动字幕等,都用这种方法摄制。

  2.降格摄影

  拍摄时片门每秒通过的画面格少于标准数字“每秒24画格樱??庞呈庇只指凑(C)常速度24画格/秒。这样,银幕上的活动就比实际活动快,出现快动作现象。

  3.快速摄影

   又称升格摄影。即电影摄影中以高于正常(24格/秒)摄影速度的摄影法。一般可根据需要,采用48、64、72、96……以至240格/秒的摄影频率。运用这种方法摄取的景物运动过程,以正常频率(24格/秒)放映出来就可以得到较实际动作慢的视觉效果。一般用于摄取某些特技模型或使某动作(如跳高、赛跑)以缓慢的过程现于银幕,借以分解和观察。科研中,以每秒千格甚至万格以上速度摄取瞬间过程,称为高速摄影,以有别于快速摄影。

  4.定时摄影

   特殊摄影方法之一,又称延时摄影。是利用延时自动控制器,按照预定的时间间距进行定格摄影的方法。在影视中常常看到含苞待放的花朵,倾刻之间就吐艳盛开的情景,就是根据自然规律和镜头长度的需要,预先规定每拍摄一格的时间间距,用自动控制器,逐格地进行拍摄而成的。当连续放映时,就出现花朵慢慢开放的过程,能在短暂的时间内再现于银幕。这种镜头画面,运用于科教片,可以科学、真实地阐明植物成长的过程;运用于故事片,则往往用于表达人物内心欢乐的感情或表示情节发展圆满结束。

  5.画托摄影

   即利用蒙置、马斯克等画托遮掉摄影(象)机的一部分视野,而进行拍摄的一种方法。利用画托摄影可以获得某些特殊的画面。

  6.变速摄影

   即指改变正常速度(每秒钟24个画格)的摄影。升格摄影、降格摄影均为变速摄影。其目的是为了表现正常速度所达不到的某些特殊效果。

  7.插片摄影

   即在摄影机片门前插入一块镂孔的挡板来拍摄景物。如在一些军事故事片中从望远镜中看到的镜头,便是在片门前插入一块挖去两个相连的圆孔的插片而摄得的。

  8.显微摄影

  教学和科技影片常采用的摄影方法。即连接显微镜与摄影装置,使通过显微镜观察到的物象记录于感光胶片上,从而获得镜头画面的摄影方法。它是揭示肉眼看不见的微观世界的技术手段。用显微摄影能记录如细菌繁殖、成长等活动过程,从而使人们能真切地认识各种微观现象。

  9.接景摄影

   即根据绘画透视原理,在摄影(象)机前放置图画、照片或模型,代替一部分实景或布景,用以达到以小代大,以假代真的效果的摄影方法。接景摄影方法简便有效,影视中使用较多。又称“接景法”。

  10.近接摄影

   也叫“宏观摄影”。取得影像与实物等大或放大数倍的一种摄影。依据透镜的共轭焦点原理把摄影的物距缩短,象距加长,使摄影(象)机镜头接近实物,便能拍摄到和实物等大或放大数倍的影像。

  11.空中摄影

   在影视教材中,常用空中摄影来交待某地的地理概貌、大的环境气氛等。不仅摄影角度高而且能产生平移效果,使观众对景物一览无余,很富艺术特色。

   空中摄影一般选在上午或下午,因为上午或下午地面上的景物比较清晰,有足够的照度,容易收到较好的影调效果。如果地面上有雾,那么拍摄时要使用适当的滤光器,以增强画面的反差。

  空中摄影时须注意:
   (1)事先和飞行员商量好飞行高度、速度和航线;
   (2)不要离拍摄目标太近。拍摄时,选用高倍焦距镜头,以调整画面的大小,可收到较好的效果。

  12.模型摄影

  特技摄影(象)方法之一。利用按比例缩小或放大的模型,代替实景或布景,摄取表现诸如火山喷发、洪水泛滥、地震破坏等灾害场景,军舰爆炸、汽车相撞、飞机坠毁等战争场面。模型摄影在影视中采用较多,可以获得难以在实地拍摄的影视场面,达到以假乱真的效果,并能确保摄影安全和节约开支。

  13. 水下摄影

   影视特技摄影(象)方法之一,即在水中摄影(象)。摄影(象)者携带有防护罩的摄影(象)机和潜水装备,潜入水中直接拍摄。水下摄影(象)可真实地反映水下景象,如水生动植物的生活、海底和河床的地质资料、考古发现等。水下摄影(象)在科研、军事技术、体育、教学等方面应用较广。

  14. 水箱摄影

   影视教材中的一些水下镜头,大多是在摄影棚里采用水箱摄影(象)方法拍摄的。拍电影电视用的水箱,仿佛一个巨大的长方形的养鱼水箱,在水箱中,布置各种岩石、砂子作为海底的景物。在水箱后放置布景板,画着各种水草或其他背景。拍摄时,把摄影(象)机放在水箱正面,只要注意玻璃上没有反光,画面中没有带进水箱的边框,拍出来的画面就和在水中拍摄一样真实。

  15. 合成摄影

   电影特技摄影法之一。借助一次曝光或多次曝光,用模型、照片、图画代替实景或布景的一部分或全部,达到以小代大、以假乱真的效果;或者运用光学、化学、机械、电学等复杂手段,把在不同时间、地点摄取的景物组合在同一画面中,创造出某些不能实际拍摄的场面。这种摄影安全经济。常用的合成摄影有:接景摄影、背景放映合成摄影、活动遮片摄影、光学技巧印片等。

  16.肖像摄影

   即用影视人物外形以表现人物气质的(造型)摄影。拍摄角度对人物肖像的完美有直接关系:角度稍高一点,可以使瘦的人稍丰满一点;角度稍低一点,可以使胖人稍清秀一点;两腮过方的宜侧一点拍摄;双颧过高的宜正一点拍摄;鼻子过高的不宜侧拍;面部结构平坦的不宜正拍。要使人物肖像能充分体现人物性格,还要注意把人物的特写、近景、中景、全景的镜头和影视中的场面调度,以及整个影视教材的情节有机地组合起来,把气氛色调、空间地位、风景环境与人物的镜头结合起来。

  17.错焦点摄影

   电影电视特技摄影(象)的一种。即在摄影机镜头前放一个多棱镜进行拍摄。由于多棱镜的作用,摄入的画面便出现多影像重叠的现象。错焦摄影(象)常用来表示醉汉或神志不清者的视象。在电视广告中也常用错焦点摄像。

  18.红外线摄影

   影片特技摄影法之一,即利用红外线作为光源,所用的感光片是由吸收红外线波长的菁类染料增感而成。摄影所用的红外光谱段在700~1300毫微米范围内。摄影时,在镜头前加置暗红至黑色滤色镜以滤去日光中的紫外线及可见光,或使用红外线光源照射被摄体,感光片在只有红外线及少量红色光下曝光,然后再经一般的显影加工而得到正片。由于红外线能穿透烟尘、薄雾,可在远景和高空摄影中得到清晰景物形象,电视多用以在日光下摹拟夜景。

  19. 多棱镜摄影

   利用光线通过棱镜发生折射的原理制成的棱镜进行摄影的方法。多棱镜的每个平面能把被摄影体折射出一个影像。需要几个影像,要根据多棱镜上有几个平面而定。一般是3~8个平面。多棱镜的镜片镶在一个可以旋转的框子里,以便把几个影像调整在最好的位置上。使用时,多棱镜需装在主镜头前面。多棱镜适合拍摄单个物体,使画面具有神幻般的特殊效果。

  20.透视合成摄影

   这种摄影是在特制的透镜合成装置上完成的。工作原理是将动画摄影机与电影逐格放映机的射线成90〗前仓茫?谏湎呓坏愦ψ爸靡豢榍阈苯俏45〉钠矫娣瓷渚担?瓷渚瞪戏绞峭渡溆跋裼玫囊?谎哑酵顾?妇担??妇瞪媳闶且?哦???奶?娌AАU庋?涂梢允苟??阌盎?谂纳闾?嫔系亩??⒆帜皇保?胩?嫦掠弥鸶穹庞郴?庞车氖稻盎?孀匀缓铣梢桓龌?妗

  21. 活动遮片摄影

   特技摄影的重要手段,背景合成摄影的一种。通常先在由单色光(红外光、紫外光、钠光或蓝色光)照明的幕前,摄取演员的表演,然后借助一条外形轮廓与演员表演完全相同的黑色剪影这片,把已曝光的部位遮住保护起来,再补摄任何所需的背景景物,使其成为一幅完整的画面。这种工艺方法,由于演员的表演和发生在背景上的事物是分别拍摄后再组合在一起,故常用以表现电影中某些惊险场面或非现实的幻想情景。

   又称“停机再拍”。即把一个已经拍下的物品取走停拍,然后在原位置上放另一物品再拍的摄影方法。用这一方法拍摄的影视教材在放映时,原来的物品会突然变成了另一物品。梅里爱在1899年根据神话剧拍摄的影片《灰姑娘》中第一次使用了这种特技摄影方法。

  23.特种摄影

   不完全同于特技摄影的概念,特技摄影主要指摄拍的方法、技术。特种摄影更多地取决于拍摄设备,如显微摄影、X光摄影等,均为特种摄影。

  24.动画摄影

   拍摄动画影片时所用的摄影方法,其主要特点是逐格拍摄。即动画画家需要将画面画成一张张画片,而画片中的景物、人物的动作是相互连贯的。然后将这些画片一张张连续(逐格)拍下来。放映时,这些相互有联系的面面便产生动画片的效果。

  十六、画面色调

   所谓色调就是指影视教材上不同颜色在画面中的相互排列和相互联系。决定画面色调的因素是被摄体的颜色特性、拍摄时的光线条件、摄影(象)机上校正景物色调的各种滤光镜和光学附件。对于电影来说,感光材料性能和冲洗过程中的技术控制,也是影响画面色凋的因素。

  1.明调

   影视色调种类之一。在画面的面积上,白、灰部分占了很大比重,黑色较少。这种调子强调明朗、轻快的气氛。但真记拍摄出明朗画面是很不容易的,这需要导、美、灯、道具等部门协作。明朗画面中也要有少量的黑色或灰色,以造成鲜明的对比,使之更活泼、明快,造成一定的意境和情绪。

  2.平调

   影视画调种类之一。在画面的面积上黑白部分较少,灰的面积占了很大部分,因为它给人一种平整洁净的感觉,所以称“平调”。拍摄这种调子,不主张用灯光去渲染。它以客观的态度把光分布得整洁,没有大阴影,也没有纵深的光影,使观众集中注意力,去欣赏演员的表演,欣赏多彩的服装、背景。

  3.暗调

   又称“低调”,是电影电视色调种类之一。暗调在画面的面积上,黑色部分占有很大面积,自己只占25%左右。白色明部多用突出主体,起强调作用,有时也起对比作用。暗调给人一种沉重、深厚、哀伤的情绪,也可造成神秘、阴森的气氛。

  电影艺术的重要创作手段之一。它以客观实体为对象,运用光学、光线、色彩、运动、构图等造型手段,通过一幅幅活动的、持续的电影画面,在银幕上创造逼真、生动、直观、具体的电影造型形像。  

  摄影艺术须掌握必要的技术设备并在一定的技术条件下进行。它以光学镜头、摄影机和胶片为主要工具和材料,经过曝光、洗印、放映等主要工艺过程,在银幕上呈现为一系列活动的影像。这个影像系列,可以再现对象的主体形态、轮廓形式、表面结构、空间透视、色彩层次、运动速度和节奏,具有四维(长、宽、高、时间)的特性。  

   摄影艺术通过各种艺术和技术手段的有机组合,同电影艺术其他创作部门一起,共同塑造人物,叙述情节,刻画环境,烘托气氛,揭示主题,创造综合的银幕形像。  




   演变及发展 最初在银幕上出现的活动影像,是用固定镜头拍摄的,只能展现一个空间。1896年春,法国人A.普洛米奥发现把摄影机放在船只上拍摄,开创了运动摄影的先例。同年秋,英裔法国人W.K.L.狄克逊又采用在固定拍摄点旋转摄影机摇拍的方法,取得了不断变化角度的画面效果。担任过卢米埃尔的摄影师的J.威廉逊,1899年在拍摄报道片《享莱的赛船》时,从七八个不同角度连续地拍摄船只出发、竞赛中的船队、胜利到达终点等镜头,并在移动的船只上拍摄观众,形成了简单的蒙太奇效果。英国人G.A.斯密士1901年拍摄的《小医生》里,开始出现了大特写。G.梅里爱在1896~1905年间拍摄的戏剧短片里,广泛尝试了倒拍、停机待拍、变化摄影频率等技巧。拍摄距离、方位、角度的变化,推、拉、摇、移等不同运动形式的出现,使电影摄影能更加逼真地再现物质世界变化万端的运动形态,使银幕造型更加接近于生活的本来面貌。  

  最初的电影摄影,只是对客观对象的机械记录,只是一种“新奇的杂耍”,而不是对现实生活的形像的艺术再现。到了20世纪20年代,美国D.W.格里菲斯等人,吸取融汇贯通并在实践中发展了电影先驱者们发现的各种电影手段,拍摄了《一个国家的诞生》、《党同伐异》等影片。它们以鲜明的艺术形像和强烈的艺术感染力征服了观众,使电影开始步入艺术的行列,被称为第七艺术。电影摄影也逐步摆脱了客观摄录生活或戏剧场面的地位,开始从特定的剧情内容出发,有意识地运用各种艺术、技术手段,创造了富有艺术表现力和美学价值的电影造型形像。电影摄影艺术逐步成为有着独特的造型手段和艺术形式的新型艺术。  

   地位和作用 电影摄影艺术在电影集体创作中具有特殊的地位和作用。因为,一部影片的艺术形像必须通过电影画面来表现;有声电影的艺术形像,在画面和声音的统一中,主要是通过画面表现出来的;电影各创作部门的劳动、它们在艺术上的成功或失败,最后都将通过画面(有声电影则还通过声音)来进行检验;电影摄影师,也就是电影画面的作者,运用各种摄影艺术和技术手段,将导演对影片的总体构思和处理、演员的表演、电影美术师的人物和环境造型等,通过电影画面体现出来,传达给观众。摄影师创作的电影画面的造型质量,直接影响着各电影创作部门的银幕效果,影响着影片的总体质量。电影摄影艺术,是电影创作的一个重要组成部分。  

   与剧本的关系 电影摄影艺术,作为电影艺术集体创作的组成部分,与其他创作部分是互相联系、互相制约的。电影文学剧本是电影艺术创作的基础,也是摄影创作的基础。电影摄影师的工作,往往是从阅读、研究剧本开始的。剧本提供的主题思想、人物性格、情节结构、风格样式等,对摄影创作起制约作用。但摄影师并非是把剧本提供的文学形像客观地“翻译”成银幕形像,而须进行能动的再创造。摄影创作同其他艺术创作一样,需要从生活中汲取素材,进行形像思维,从事艺术加工。摄影师研究剧本的过程,也是收集生活素材,剖析、概括生活现象的过程。摄影师的生活积累、他对生活的认识和态度,直接影响着他对剧本的理解和把握,影响着摄影创作的全过程及最后的银幕效果。  

   与导演的关系 电影摄影创作,必须在导演对影片的总创作意图下进行。摄影师是导演造型意图的主要体现者。他同导演一起探讨影片的造型形式,选择演员,确定外景场地;协助导演撰写分镜头剧本,以作为自己进行全片的造型构思、分场造型设计和人物造型处理的主要依据。摄影师在拍摄现场同导演的密切配合,是影片造型质量的重要保证。摄影师应该充分运用自己的专业特长,调动自己的表现手法去体现并完善导演的创作意图。  

  与美术师的关系 电影美术师是摄影师的亲密合作者。他们共同对影片的造型质量负责。摄影师跟美术师共同研究、确定影片的造型构思、分场气氛设计以及具体环境的制作方案。美术师根据影片总造型意图绘制的分场气氛和人物造型图,是摄影师进行画面造型的重要依据。摄影师应充分理解、尊重美术师的创作意图,并努力在电影画面里体现出来。  

  与演员的关系 电影演员是电影人物形像的体现者。但演员的表演必须通过画面造型才能传达给观众。摄影造型处理直接影响着表演的银幕效果。电影摄影艺术应调动自己的手段去丰富、渲染、强调、烘托演员的表演,努力避免和弥补演员表演的某些缺陷和不足,以便更好地完成电影人物形像的塑造。  

   与照明师的关系 电影照明是摄影艺术创造电影造型形像的重要手段。照明师是摄影师的重要助手。摄影师应努力让照明师领会自己的造型意图,与之共同商讨每场戏的光线、气氛和照明方案,并取得临场的密切配合。化妆、服装、道具等摄制部门,都同摄影艺术有着密切的关系。摄影师取得他们的和谐合作,是保证影片造型质量的必要条件。  

   摄影师职能 电影摄影创作,贯串于影片摄制的全过程。摄影师从阅读、研究剧本开始,进入他拍摄前的案头工作,从事影片的造型构思。摄影艺术不完全排斥即兴创作,现场拍摄条件的突然变化,也要求摄影师作出当机立断的处置。但是,基于电影艺术的综合性,特别是电影摄制过程的复杂性,一般来说,摄影师须在开拍以前就对影片有较完整的造型构思。摄影师的造型构思,往往集中地体现在他的“摄影阐述”中。  

   摄影阐述 是摄影师根据自己对剧本和导演意图的理解所提出的影片造型的设计蓝图、指导实际拍摄的依据、同其他创作部门相互协调的方案。一般需包括影片主题思想的把握、风格样式的认识、全片造型基调的确定、人物性格的剖析和造型设计、总体环境形像的造型设想、随着情节的发展对不同场面造型形式的不同处理以及一些特殊的摄影手段的运用等。在一部影片拍摄前,摄影师还要做大量准备工作,如参与讨论分镜头剧本,选择外景场地,商议美术设计,为主要演员试镜头,掌握重场戏的现场等。此外,摄影师还要进行大量的技术试验,其中包括测定胶片的性能,了解摄影和各种镜头、滤光器的光学性能及其艺术效果,试验布景、服装、道具的色彩配置等。  

   表现手段 进入拍摄阶段,摄影艺术将充分利用它的表现手段来塑造电影造型形像,摄影艺术的表现手段(也叫摄影造型手段)主要有光学表现手段、光线表现手段、色彩表现手段和动向表现手段等。  

   光学表现手段 摄影师运用光学透镜的组合及其附加装置(滤光器、镜头纱等),可使影像获得不同的艺术效果。最初的电影摄影机只配有一个光学镜头。随着光学物理的发展,摄影镜头的性能日益完善,不同型号、不同规格的镜头也日益齐备,镜头不仅起成像、曝光的作用,而且越来越积极地参加造型形像的创造和艺术气氛的渲染。长焦距镜头和短焦距镜头(广角镜头)的出现,改变了电影画面的空间关系、透视关系和节奏感,通过假定性的银幕空间造成不同的艺术效果。变焦距镜头的适当运用,不仅省略了笨重的移动工具,而且造成了强烈的电影节奏。各种附加装置的使用,更能造成各种艺术气氛来烘托特定的剧情内容。  

   光线表现手段 摄影师运用光线再现被摄对象的立体形态、轮廓形式、明暗层次和色彩对比,并通过对这些造型因素的处理,可以深刻刻划人物性格,创造环境气氛,渲染特定的情绪。在所有的摄影造型手段中,光线是最基本的手段,摄影师运用的光线大体有三种方式,一是自然光。即在自然光线条件下,对自然光源的角度(顶光、斜光、平光、脚光等)、方位(正面光、侧面光、逆光等)、色温、强弱等进行选择;二是人工光辅助下的自然光。在自然光线条件下,用人工光(反光板、照明灯)来控制景物明暗的比例或修饰某些细部;三是人工光。在没有自然光源的条件下全部用人工光布光。无论何种方式,摄影师一般都应力求真实地再现剧情规定的光线形态。根据内容要求,光线也可创造虚幻、梦境等特殊气氛。有时,光线还可以作为戏剧因素在电影中出现。

  色彩表现手段 电影艺术在诞生后的很长时期内,处于一种“色盲”状态,观众只能通过单色调的明暗层次的差异来想象对象固有的色彩。20世纪30年代彩色片的问世,是电影史上一次重大的技术革新,从此人们可以在银幕上看到丰富多彩的色彩世界。开始,电影创作者们只满足于在胶片上还原生活中的色彩,往往迷恋于五光十色的色斑堆砌。随着彩色电影创作实践的发展,人们对色彩在影片中的作用有了新的认识。将色彩看作是有助于深刻表达作品思想内容的一种手段,看作是从情绪上感染观众的一种重要造型因素。因此,电影创作者在力求准确还原色彩的基础上,把自己的注意力放在对影片色彩总谱的思考和体现上,包括色彩基调的确定、色彩气氛的设想、场与场之间或镜头与镜头之间色彩蒙太奇的构思以及不同色彩处理对观众可能产生的不同的心理感应等等。尤其是高感光度彩色胶片的发明,不仅使银幕上的色彩更加逼近生活中固有的色彩,也为电影创作者们更充分地发挥色彩手段的造型功能开辟了广阔的天地。  

   动向表现手段 电影摄影与绘画、雕塑等其他造型艺术的主要区别,在于它的运动性。不仅动体在画面里以不同形式的运动使画面构图不断发生变化,而且电影摄影机不同形式的运动也使多构图画面不断变化着。电影摄影机的推、拉、摇、移和升降等不同的运动形式,扩展了电影画面的视野,造成了各种空间关系和透视关系,也产生了不同的节奏感。动向表现手段,有助于描绘事件发生、发展的真实过程,表现事物在时空转换中的因果关系和对比关系,展示场面的规模、环境和气氛,创造不同的节奏和情势;有利于表现人物在动态中的精神面貌,显示人物的主观视象和主观感受;也可为演员表演的连贯性提供有利的条件。  

  风格及流派 摄影师所处的国度、时代不同,他们之间的个性、爱好、修养的差异,形成了各自不同的摄影风格。有的追求淡雅,有的强调浓重;有的善于细腻,有的偏爱粗犷;有的侧重静态构图,有的擅长运动镜头。在摄影风格的基础上,逐步形成了不同的摄影流派。  

  在电影萌芽时期,存在着两种不同的摄影倾向:一种以卢米埃尔兄弟为代表,主要在现实中去捕捉生活现象,银幕上展现的就是人们身边的琐事;一种以G.梅里爱为代表,主要记载舞台上已经加工的虚构的生活图画。沿着这两种创作方式,发展成后来的纪录片和故事片两种片种。这两种倾向反映到故事片摄影中来,又逐步形成两种不同的流派:绘画派和纪实派。  

  绘画派 绘画派摄影追求电影的绘画性和假定性,把电影画面看作是“活动的绘画”。他们注重借鉴绘画的构图原则,讲究画面的整体布局,构图严谨、完整,即使是运动镜头,也很注重对象的位置。在光线处理上,虽尊重自然光源的真实效果,但又往往从特定的剧情内容出发,充分运用光线的假定性和装饰性。对人物用光,注意主、副光的配合,用轮廓光突出人物,用装饰光修饰细部。这种摄影流派,还十分重视继承本民族的绘画传统。如苏联摄影学派,强调对俄罗斯绘画传统,特别是19世纪巡回画派的借鉴;墨西哥摄影学派的作品里很明显可以看到墨西哥传统版画的风采。绘画派创作了许多优秀影片,从造型来说,具有很高的审美价值。  

  纪实派 第二次世界大战后,从意大利新现实主义电影开始,逐步形成同绘画派截然不同的纪实派摄影。它强调遵循逼真性的电影美学原则,力求画面的真实感、自然感和生活化。因此,在画面结构上,它不拘泥于均衡、和谐等一般的构图原则,较多运用不规则的、开放性的画面布局,以唤起观众在生活中的实际感受,而且采用大量的运动镜头,形成纵横自如的多层次、多景别的镜头结构。有时,事先不精确设计镜头,而运用新闻纪录片常用的采访摄影或多机摄影,以获得一幅幅逼真的生活图景。在光线处理上,纪实派强调画面中固有光源的真实再现,不墨守几种基本光效,也不追求肖像光的精细雕凿,而重视环境光整体气氛的逼真感。由于多采用实景拍摄,布光方法大多以自然光为主,只是适当用人工光辅助,在总体造型上,纪实派总是力图在画面上不留或少留下摄影的痕迹。60~70年代,这一摄影流派在国际影坛上占据着重要的位置。  

  绘画派和纪实派产生于不同的年代,基于不同的文化背景和思想基础,有着各自不同的美学追求。但它们又是相互促进、相互突破、交错发展的。 


 

  电影摄影是在现代科学技术基础上发展起来的一门艺术,它也必然随着科学的进一步发展及新电影技术的逐步发现,不断改变着自己的面貌。它的技术手段越完备,艺术手段也越丰富,表现形式也越多样。   

  外景摄影

  利用自然环境或实地景物进行的电影拍摄工作。习惯上也称为“拍外景”。故事片的部分场面,根据影片情节的需要,安排在事先选定、具有典型特征的自然景色或稍作人工修饰的实景中拍摄,以求富有真实感和时代气息。一般在制片厂内搭置露天场地布景,进行“户外”摄影的,不称为外景摄影。外景摄影主要利用自然光,并辅以人工照明。用作辅助光的外景灯具,必须能提供相当大的有效照度,光色应与日光相接近,这对拍摄彩色片尤为重要(见电影摄影艺术)。          

  内景摄影

  在摄影棚内搭置布景,利用人工照明进行的电影拍摄工作。一般故事片,内景摄影占相当比重。内景摄影具有明显的有利条件:①不受天气、季节等自然条件的限制和影响。装有空调的摄影棚,为演员提供适宜的室温,解除冬天拍摄夏天戏或夏天拍冬天戏的困难。②自有声电影问世以来,摄影棚的设计和建造,一般都严格注意声学技术的应用,使其既隔绝外界噪音的干扰,又在棚内构成适宜的声场分布和混响,以适应拍摄时采用同期录音工艺,并保证声质优美、清晰的录音效果。③在内景摄影的条件下,照明、特技、烟火等工种,比较容易从技术上控制,创造出所需的环境气氛和视觉效果。④摄制组可以就近得到厂内各部门的支援和配合,能有效地保证按计划完成。内景摄影也有其不利的方面,例如,搭置布景耗资大,制作费时,带来增加制片成本、延长拍摄时间等问题。内景摄影对某些场面的处理,包括布景、照明等,容易显露人工痕迹而缺乏真实感。因此,60年代以来随着电影器材的进步,不少导演为了追求场面真实,走出摄影棚,更多采用实景拍摄方法。         

  实景摄影

  指不搭任何布景,在事先决定的真实景物中进行影片的拍摄工作。一般现实题材的影片,适于采取实景(或在实景基础上稍作人工修饰)拍摄,可使影片中出现的场面富有真实感和时代气息。从制片管理角度看,实景拍摄,不必搭置布景,可以节约制片成本,加快摄制进度,但对器材的使用和技术的处理有较复杂的要求,因为有些室内实景(如卧房、办公室、车厢、船舱等)空间很小。拍摄所用摄影、照明器材都须具有小巧、轻便、高效、灵活等特点。 

  拍摄角度

  摄影机的位置与表现对象位置之间的角度。它代表着观众的视角。任何物体,在空间都占有一定的体积和位置。人们观察物体时,在视线与对象之间存在着一定的角度。电影借助摄影机来展现、表现对象,摄影镜头代表着观众的眼睛,因此角度和方位,在电影创作中是十分重要的。电影画面中,不仅有距离的变化,而且有角度的变化。这种角度,从纵向来说,有平角、仰角、俯角;从横向来说,有正面、侧面、斜面。灵活多变的镜头拍摄角度,是电影艺术区别于其他艺术特别是戏剧的一个重要特征。不同的拍摄角度赋予被摄对象以不同的外部形状,决定着画面的性质。它是电影艺术表现性格特征的一种强有力的手段,既可表现电影艺术家的独特感受,也可赋予拍摄对象以性格色彩。                  

  俯摄

  摄影机从高处向下拍摄的一种方法。俯摄表现浩大的、视野开阔的场景,有其独到之处。电影中常借此鸟瞰景物全貌,以介绍故事发生的环境和地点。用这种角度拍摄人物的卑下、悲惨境遇,能在感情色彩上表现出阴郁、压抑的情绪。将俯摄镜头与仰摄镜头结合在一起,能获得褒贬鲜明、对比强烈的艺术效果(见电影摄影、电影摄影艺术)。     

  仰摄

  摄影机从低处向上拍摄的一种方法。仰摄适于拍摄高处的景物,能够使景物显得更加高大、雄伟。用它代表剧中人物的视线,有时可以表示对象之间的高低位置。由于透视关系,仰摄使画面中水平线降低,使前景和后景中物体的高度对比发生变化。处于前景的物体被突出,被夸大,甚至投影在天空的背景上,仿佛临空而立,具有压倒一切的气势;人们根据自己的生活经验和视觉感受,具有向上瞻仰的感觉,从而产生尊崇、敬仰甚至畏惧的心理。影片中常用仰摄镜头制造歌颂英雄人物或敬畏某种对象的效果(见电影摄影、电影摄影艺术)。         

  摇摄

  电影摄影机向上下或左右摇移的摄影方法。用以表现剧中人(或引导观众)环视周围事物、纵览场景全貌,或根据电影场面调度的需要,介绍被摄对象之间的联系。在摇摄中,摄影机一般放在一个固定的轴心上自如转动。这样拍下来的镜头既可摄一个运动中的对象,又可表现摇摄的全景,称摇镜头。它不通过剪接而可起到使画面内容发生变化的作用(见电影摄影、电影摄影艺术)。                 

  移摄

  把电影摄影机放在移动车或升降机上,对被摄体作推近、拉远、跟随、横移或升降运动的摄影方法。推近或拉远,变化拍摄距离,可使观众缩小或扩展观察范围;摄影机跟随运动着的对象拍摄,可使观众的视觉距离保持不变;摄影机以水平运动横移,或以垂直运动升降拍摄,可向观众展示广阔场景。移摄方法可在不变换镜头情况下,给观众以连贯而又有变化的视觉形像(见电影摄影、电影摄影艺术)。     

  跟镜头

  又称跟摄。电影摄影机跟踪运动着的被摄对象进行拍摄的摄影方法。它可造成连贯流畅的视觉效果。跟镜头始终跟随拍摄一个在行动中的表现对象,以便连续而详尽地表现其活动情形或在行动中的动作和表情。一般来说,跟镜头分跟摇、跟移、跟推。但它与移动镜头有区别,跟镜头强调的是“跟”,而移动镜头拍摄的距离则时有变化,能给观众创造出连贯而有变化的视觉形像(见电影摄影、电影摄影艺术)。      

  推拉升降

  摄影镜头的运动方式。推拉镜头是将摄影机放在移动车上,对着人物或景物推近或拉远所摄取的画面,摄影机向前推近时,被摄体的主要部分在画幅中逐渐变大,将观众的注意力引导到所要表现的部位。摄影机向后拉远时,画幅中的被摄体从一部分逐渐扩展到整体周围,使观众看到局部和整体之间的联系。升降则是把摄影机放在升降机上,对被摄体作升降运动的摄影方法。这种方法可以向观众展示较为广阔的场景。推、拉、升、降的拍摄方法,主要是运用摄影机镜头的运动,改变拍摄的距离和角度,从而给观众以连贯而又有变化的视觉形像(见电影摄影、电影摄影艺术)。                 

  画面

  电影最小的构成单位、映现于银幕上的活动视像、一幅幅电影摄影的构图。画面有长有短,但都要在银幕上持续一定时间。因此,由许多画格构成。画格是胶片上静止的影像。电影是运动的艺术,电影构图不同于绘画、照相的构图,它不是静止的,而是活动的、变化的。但在一定时间内,拍摄对象又有相对稳定的时间,这就构成了电影画面。当摄影机从同一角度拍摄同一镜头时,景物不变,但如人物运动,画面构图就起变化,如果摄影机是在运动中拍摄,画面则会不断变换。电影的画面构图,是指画面事物的结构、组成、比较、联系和章法等。它用以确定画面中各个组成部分的相互关系,将观众的视觉引向主体。构图上常见的规律是人物的宾主呼应、景物的虚实藏露、线条的简繁参差、色调的浓淡轻重等。 

  质感

  通过一定的表现手段,使塑造形像显示出的各种物体所固有的物理特质,如软硬、 轻重、 粗细、糙滑等。摄影师运用光线、色彩、线条、明暗等造型手段,使所摄影像不但与原来人物或景物相象或接近,而且能细致入微地传达出皮肤、 服饰、 家具、器皿等作为物质属性的不同特点。例如皮肤质感可以显示角色年龄、职业、经历,特别是表现人物的气质。胶片的感光特性(尤其是宽容度、颗粒度和感色性等)、照明光源的色温及亮度变化、摄影曝光的准确程度以及洗印加工中的影调还原情况等,都是影响质感准确表达的因素。在彩色摄影中,常因配光校色的误差,影响到人、景、物的质感表达。                  

  纵深感

  根据透视原理在画面中表现出的空间深度。它给人以深远的感觉。电影创作中,选取和加工外景,设计和搭置布景,都要为未来镜头画面提供一定的纵深感。摄影师运用不同的光位、光比、光效和其他处理方法,在光线造型下可以构成富有纵深感的视像,使用不同焦距的摄影物镜,在不同光圈和物距下拍摄,能在画面中构成不同的景深范围。摄影物镜的这种光学特性,为摄影师表现纵深感提供了选择的技术手段。短焦距摄影物镜,不但可以构成较大的景深范围,而且可以摄入画面的前、后景物,形成比较夸张的形体比例,从而增强画面的纵深感。在摄影棚内搭置布景,受地位限制,缺乏深度,摄影师运用布光及各种摄影技巧,包括摄影角度、构图处理以及在后景蒙纱或施放烟雾等,能人为地增强纵深感。

  变速摄影

  在影片拍摄过程中改变胶片在摄影机中正常运行速度的摄影方法。电影摄影机胶片运行的正常速率是每秒24格画面,拍摄后,以同样速率的放映机放映,银幕上人物与物体便按正常的速度运行。如果想取得某些特殊的艺术效果,使银幕上的人物与物体的运行速度加快或放缓,可利用变速马达,降低或升高胶片在摄影机中的运行速率,再以每秒运行24格的正常速率的放映机放映。摄影时低于每秒24格速率的,放映时呈快镜头;摄影时高于每秒24格速率的,放映时呈慢镜头。(见升格摄影、降格摄影)

  升格摄影

  变速摄影的一种。取得特殊银幕效果的一种电影摄影方法。在拍摄时使胶片运行速度高于正常每秒24格的速率,视银幕艺术效果的要求,可提高至每秒48格甚至300 格。这样,以正常的每秒24格速率放映,可获得比实际运行过程缓慢,甚至超慢速的效果。使用这种方法拍摄的镜头,在银幕上通常称为衣(C)动作镜头踊蛞慢镜头印U饫嗑低罚?墒挂恍┛焖僭硕?墓(C)程,在银幕上缓慢地展现,便于观察、欣赏与研究。在艺术片、纪录片中常用于表现某些运动和舞蹈的精彩片断。在故事片中,多用于梦境、幻想或某些神话的场景。也有的导演用以表现现实生活的瞬间。

  降格摄影

  变速摄影的一种。拍摄时使胶片以低于每秒24格速率运行的摄影方法。根据银幕效果的要求,速率可降至每秒20、16以至8格或更少。这样摄取的画面,以正常每秒24格速率的放映机放映,银幕上可获得比实际运动过程快的效果。这种镜头通常称为铱於?骶低酚或铱炀低酚,可在银幕上使车辆与行人快速移动,呈现人物与物体异乎常态的快速动作,从而形成紧张的气氛或造成喜剧的效果。        

  景别

  摄影机在距被摄对象的不同距离或用变焦镜头摄成的不同范围的画面。电影为了适应人们在观察某种事物或现象时心理上、视觉上的需要,可以随时改变镜头的不同景别,犹如我们在实际生活中,常常根据当时心理需要或趋身近看,或翘首远望,或浏览整个场面,或凝视事物主体乃至某个局部。这样,映现于银幕的画面形象,就会发生或大或小的变化;在镜头拍摄上,也就产生了远景、全景、中景、近景、特写等。  

  适 早期的电影,摄影机固定在一个地方。机械地、呆板地摄录一个事件或一出舞台剧,只起活动照相的作用。后来人们在实践中采取了变动摄影距离或使用变焦镜头的方法,使它和人的视觉转换特点结合起来,从而成为电影特有的表现手段。不同景别的运用,就整部影片或场面段落来说,使观众可以从多种多样的视点去观看,仿佛身临其境,但就每个镜头本身来说,它又规范了观众的视线,只能从一个特定的视点去看,所以又带有某种强制性。因此,景别的运用,与影片创作者强调什么和如何强调密切相关,它可以根据故事的需要和内容的主次,给予大小远近的恰当表现,从而塑造出鲜明、生动的银幕形像。        

  特写

  电影中拍摄人的面部、人体的局部、一件物品或物品的一个细部的镜头;视距最近的镜头。特写镜头呈现在银幕上,由于视距短近,取景范围小,画面内容单一、集中、突出,把所表现的对象从周围环境中突现出来,放大,因此可以造成强烈和清晰的视觉形像,得到强调的效果。  

  电影中的特写,是突出和强调细节的重要手段,它既可通过眼睛的顾盼、眉梢的颤动以及各种细微的动作和情绪的变化,揭示人物的心灵,也可把原来不易看清或容易忽视的细小东西加以突出,赋予生命,或借此刻画人物、烘托气氛,或用来介绍人物、时间、地点的特征。  

  一般来说,特写镜头比较短促,运用得当能使观众在时间、视觉和心理上产生强烈的反应。特别是当它与其他景别镜头结合起来,通过长短、远近、强弱的变化时,能造成一种特殊的蒙太奇节奏效果。电影特写镜头是由美国早期电影导演D.W.格里菲斯开始运用的。  

  近景

  影片中摄取人物上半身或人体局部形像的一种画面。这种画面能使观众看清人物的面部表情或某种形体动作。近景有时也摄取景物的某一部分。近景的视距比特写稍远,有些摄取人物腰部以上的镜头,又称为中近景。近景中,人物上半身活动和面部表情占据画面显著地位,成为主要表现对象。在影片中,为了强调人物表情和重要动作,常运用近景或中近景。近景和特写的作用有相似之处,即视距近、视觉效果鲜明、强烈,可对人物的容貌、神态、衣着、仪表作细致的刻画。     

  中景

  影片中只取人像膝盖以上部分的一种画面。这种画面可显示人物大半身的形体动作,是影片镜头中占数量较多的一种景别,常在叙述剧情时使用。中景的视距比近景远一些,能为演员提供较大的活动空间,既可以使观众看清人物表情,又有利于显示人物的形体动作。由于取景范围比近景宽广,能在同一画面中拍摄几个人物及其活动,因此它在展示人物关系上尤显便利。演员也不致因空间窄小而与周围气氛、环境脱节。中景在影片中,大部分用于需识别背景或交代动作路线的场合。其运用,不但可以加深画面的纵深感,表现出一定的环境、气氛,而且通过镜头的组接,还能把某一冲突的经过叙述得清清楚楚,揭示出人物的复杂关系和不同性格。

  全景

  电影摄影机摄取人像全身的一种画面。这种画面可使观众看到人物的全身动作及其周围部分环境。

全景具有较广阔的空间,既能展示出比较完整的场景,又可使人物的整个动作和人物相互的关系得到充分的展现。在全景中,人物与环境常常融为一体,能创造出有人有景的生动画面。适

  全景和特写相比,视距差别悬殊。如果两者直接组接,会造成视觉上和情绪上大幅度的跳跃。运用得好,常能收到特有的艺术效果。如果人物情绪的发展是跳跃的,景别的跳跃就可以很好地为塑造人物和渲染气氛服务。               

  远景

  电影摄影机摄取远距离景物和人物的一种画面。这种画面可使观众在银幕上看到广阔深远的景象,以展示人物活动的空间背景或环境气氛。还宜于表现规模浩大的人物活动,如炮火连天、硝烟弥漫的战场,人如潮涌的游行示威,千军万马的对阵厮杀等。电影的远景,在展示空间和渲染气势磅礴的宏伟场面上,是其他艺术无法比拟的。大远景比远景视距更远,适于展现更加辽阔深远的背景和浩渺苍茫的自然景色。这类镜头,或者没有人物,或者人物只占很小的位置,犹如中国的山水画,着重描绘环境的全貌,给人以整体感觉。大远景在影片中主要用以介绍环境、渲染气氛。

  背景前景后景

  背景是人们生活或一事态发生发展的一定时代和环境的统称。影片中的背景,主要通过各种镜头对具体环境、景物的描写反映出来,包括运用造型、光影、色彩等设计。通过背景人物和动作,运用背景音乐音响,可以增强影片的时代气氛和地域特色,为烘托人物形象、展开故事情节、揭示主题思想服务。在影片的某一镜头,特别是景深镜头中,离观众视点较近的,称为前景;位于画面深处、离观众视点较远的人与景物,称为后景。前景和后景的设置和变化,便于拍摄时的场面调度。在一般情况下,景深越大、前后景之间的距离越远,画面的纵深感就越强,越能增加影片中生活环境的多层次和整体感。

  照明

  在电影拍摄中,运用自然光或人工光的一门艺术。涉及照明器材的使用,光线设计,现场布置,光位、光比、影调及光影效果的确定,镜头布光处理等,是摄影师进行创作的不可缺少的手段(见电影造型艺术、电影灯具)。                  

  主光

  在摄影创作中,为塑造出富有表现力的形像,用以照明景物的主要光线。摄制影片时,须有来自不同方位的光线来照明景物,但在这些光线中,必有一种光线起着主导的作用,这就是主光,主光标示主要光源的特性和投射方向,用来表现景物的形态、轮廓和质感。对艺术形像的塑造,主光起决定性作用,其他光线起陪衬作用。因此,有人也把主光称作塑型光。在电影摄影中,无论是外景摄影还是内景摄影,首先要确定每场戏中主光的方位。因为,同一场戏中的各个镜头,不论景距怎样变化、实际拍摄时间和地点如何不同,主光的方位是统一的,不能随意变化。  

  摄影师根据日光光效的特点和自然光线的变化,结合艺术创作的需要,如剧情规定的时间和空间,塑造各种人物、渲染某些特定气氛的需要等,精心设计和确定主光的方位。一般应考虑以下几点:①剧情内容、人物的场面调度;②室内日景的门窗位置、人物与门窗相隔的距离和构成的角度;③夜景不同性质的光源(如月光、路灯、车灯、油灯、烛光、火柴光)。                  

  辅助光

  也称补助光或副光。电影摄影中用来弥补主光之不足,照亮主光所不能照亮的侧面,以显示景物阴影部分的质感,帮助主光完成形像塑造的光线。在自然环境中摄影,如果阳光(直射光)是主光,由天空散射和地面、墙壁等反射来的光线即是辅助光。一般外景摄影,如以直射阳光为主光,则用反射板或人工照明作辅助光。内景摄影,全部使用照明灯具,须合理地安排光位、角度和投射距离,选择和控制光照的强弱、光质的软硬、光斑的聚散,以有效地发挥主、副光的造型作用。辅助光的亮度,应该低于主光。在一个画面中,除了个别强烈的效果光和服饰上的亮斑以外,一般说主光是较亮的部分,辅助光是较暗的部分,两者组成适宜的明暗阶调。主光和辅助光的亮度,应取一定的比例,习惯上叫做“光比”。根据拍摄对象的不同,主光与副光的光比,也应有所不同。 

  效果光

  在故事片拍摄中,借场景中的发光体(不论是否在镜头中出现),着力强调或渲染的光线。可使镜头中表现的事物更突出,增强银幕效果,给观众留下深刻的印象。效果光在镜头中的运用须紧密结合影片情节,为刻画人物服务。离开了这个前提,一切效果光就失去它存在的意义。效果光大体分为两类:一类是写实效果光,即摹拟生活中实有的发光效果例如火光、电闪;另一类是意境效果光,即以假设或虚拟的光源,在镜头中表现某种效果的光,借以突出人物心理、表达某种情绪、暗示或象征某种意念。                  

  自然光

  摄影创作中利用的太阳光。外景摄影用光,都以自然光为主,了解和掌握自然光的特性及其变化规律,是摄影创作的基本功之一,处在不同的纬度、季节、时间和天气条件下。自然光的照度和色温有着明显的区别。   彩色摄影运用自然光,尤须注意掌握色温的变化。白昼的自然光实际上分为3种不同类型,即太阳的直射光,太阳的漫射光(阳光经过云层、尘埃等的吸收、反射后所形成)以及两者混合形成的白昼光。 

  人工光

  人工光源所发出的光线。由具有一定的发光特性的各种电光源所提供。内景摄影全部使用人工光,外景摄影则以自然光为主,辅以人工光。使用人工光较少受客观条件限制,光位的确定、亮度的控制、光影的布置和各种效果光的使用等,都可由摄影师自己来支配。